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Kinder heute

Germering Stadthalle: Der kleine Rabe Socke - Alles Weihnachten

Der kleine Rabe Socke - Alles Weihnachten
nach den Büchern „Der kleine Rabe Socke“ von Nele Moost und Annet Rudolph

Für Kinder ab 4 Jahren in Begleitung einer Aufsichtsperson

Weihnachten steht vor der Tür und da darf natürlich auch der kleine Rabe Socke nicht fehlen! Und da heute Heiligabend ist, räumt der kleine Rabe sein Nest leer, um für die vielen Geschenke, die er bekommen soll, Platz zu finden. Dabei entdeckt er seinen Wunschzettel, den „irgendjemand“ nicht abgegeben hat. Was tun? Löffel, Wolle, Eddi-Bär und auch der kleine Dachs haben ihren Wunschzettel rechtzeitig abgeschickt. Ist der kleine Rabe tatsächlich zu spät? Wer den kleinen Raben Socke kennt, weiß, dass er da schon eine Idee hat, wie er doch noch zu seinen Geschenken kommt…

Lustige, überraschende und rabenstarke Geschichten vom kleinen Raben Socke, der ganz genau weiß: Weihnachten ist einfach das Allerbeste!

Das Theater auf Tour bringt eine funkelglitzertolle Weihnachtsgeschichte des Kinderbuchhelden von Nele Moost und Annet Rudolph auf die Bühne.

Kinder ¤ 10 / Erwachsene ¤ 13

Dauer ca. 85 min. inkl. Pause
Stadthalle Germering
Landsberger Str. 39
D-82110 Germering
Kinder heute

Olching: KLASSIK-Weihnacht FÜR KINDER mit dem Olchinger Sinfonieorchester

KLASSIK-Weihnacht FÜR KINDER mit dem Olchinger Sinfonieorchester
Das  OSO  (Olchinger  Sinfonie  Orchester)  spielt  ein  extra  Konzert  für  Kinder  sowie  deren  Freunde,  Eltern  und  Familien  zum  „Miterleben“!  Alle Kinder sind eingeladen schöne, interessante und spannende Musik aus Klassik, Romantik aber auch Filmmusik kennenzulernen. Der Dirigent Markus Elsner führt als Moderator kindgerecht durch das Programm, erzählt von den Komponisten und den Werken und wird das Publikum dabei miteinbeziehen. Die Dauer des Konzerts beträgt kindgerechte 45 Minuten. Im Café/Bistro Rossstall werden bereits ab 14 Uhr Kaff ee & Kuchen, Glühwein und Kinderpunsch sowie alkoholische und nicht-alkoholische Getränke angeboten.

Kulturwerkstatt Olching am MühlbachHauptstraße 68,
82140 Olching
Theater heute

Pullach: Hänsel und Gretel

Hänsel und Gretel
Märchenballett in zwei Akten

„Knusper, knusper, kneischen, wer knuspert mir am Häuschen?“
Das bekannte Grimm’sche Märchen Hänsel und Gretel erzählt von zwei Geschwistern, die in größter Not von ihren bettelarmen Eltern im Wald ausgesetzt werden, wo sie hungrig umherirrend auf das zuckersüße Lebkuchenhaus einer bösen Hexe stoßen.
Die choreographische Umsetzung des bekannten Märchens erweckt diese zeitlose Geschichte über Zusammenhalt, Verantwortung, Einfallsreichtum, Mut und nicht zuletzt die Rolle der Eltern und Schutzgebenden in der Sprache des Tanzes für Jung und Alt zum Leben.

Konzept/Choreographie: Heinz Manniegel/Ada Ramzews
Musik von Joseph Haydn und Engelbert Humperdinck
Bürgerhaus der Gemeinde Pullach i. IsartalHeilmannstraße 2,
82049 Pullach im Isartal
Konzert heute

Olching: KLASSIK-Weihnacht mit dem Olchinger Sinfonieorchester

KLASSIK-Weihnacht mit dem Olchinger Sinfonieorchester
Das  OSO  (Olchinger  Sinfonie  Orchester)  spielt  ein  extra  Konzert  für  Kinder  sowie  deren  Freunde,  Eltern  und  Familien  zum  „Miterleben“!  Alle Kinder sind eingeladen schöne, interessante und spannende Musik aus Klassik, Romantik aber auch Filmmusik kennenzulernen. Der Dirigent Markus Elsner führt als Moderator kindgerecht durch das Programm, erzählt von den Komponisten und den Werken und wird das Publikum dabei miteinbeziehen. Die Dauer des Konzerts beträgt kindgerechte 45 Minuten. Im Café/Bistro Rossstall werden bereits ab 14 Uhr Kaff ee & Kuchen, Glühwein und Kinderpunsch sowie alkoholische und nicht-alkoholische Getränke angeboten.

Kulturwerkstatt Olching am MühlbachHauptstraße 68,
82140 Olching
Theater heute

Fürstenfeld: Bayerische Rauhnacht

Bayerische RauhnachtMystical mit Schariwari

Die Adventzeit ist die Zeit der Besinnlichkeit, der frohen Erwartung und der behaglichen Abende am Kaminfeuer. Und doch gibt es auch eine andere Seite, voller Aberglauben, Dunkelheit, Hexen und Dämonen. Das Kult-Mystical „Bayerische Rauhnacht“ erzählt die Geschichte vom Zaubertroll aus dem hohen Norden, der seinen Verwandten, das Holzmandl, besucht um mit ihm und dem Publikum die Geheimnisse der Rauhnacht zu entdecken. Da tauchen sie urplötzlich auf, die Mächte der Finsternis aus dem Reich der Schatten. Die Fantasien, Ängste und Hoffnungen unserer Vorfahren spiegeln sich in den Figuren der „Bayerischen Rauhnacht“ wider: Die „Wilde Jagd“ etwa, angeführt von Göttervater Wotan, der mit Kriegern, Pferdewiehern, Wolfsgeheul und den Seelen der Verstorbenen über Wald und Feld jagt, um gemeinsam gegen die Mächte des Bösen zu Kämpfen. Oder die rätselhafte Göttin Perchta, die sowohl das Böse als auch das Gute verkörpert. Untermalt wird das mystische Schauspiel mit sphärisch-schwebenden Akkorden der Band Schariwari, die seit über 25 Jahren ein Garant für poetischen Folkrock ist. Ein überirdisches Spektakel, das das Publikum auf eine fantastische Reise entführt!

Empfohlen ab 8 Jahren.

Veranstaltungsforum Fürstenfeld
Fürstenfeld 12
82256 Fürstenfeldbruck
Konzert heute

Seefeld: Gelius Trio

Gelius Trio - Klavier-Trio der Klangschönheit und Leidenschaft

Konzert in der Vorweihnachtszeit

Micael Gelius, Klavier
Sreten Krstic, Violine
Michael Hell, Violoncello

„Empfindsam, zart und scheinbar völlig mühelos musiziert das hochkarätig besetzte Münchner Gelius Trio“ (Süddeutsche Zeitung)

Anlässlich einer CD-Produktion mit Werken der Komponistin Dorothee Eberhardt fanden sich die Musiker erstmalig zusammen und gründeten aus dieser positiven Begegnung heraus 1999 das GELIUS TRIO, dessen Namensgeber der Pianist ist.
Die Erfahrungen der beiden Streicher als Konzertmeister der Münchner Philharmoniker, die unter der Leitung der großen Dirigenten unserer Zeit musizieren, fließen in die Zusammenarbeit als große Bereicherung ein. Micael Gelius versteht es, den Flügel singen zu lassen, einfühlsam zu begleiten, aber auch seine pianistische Raffinesse auszuspielen.

Das Trio ist zu Gast bei großen Festivals, wie z.B. dem Schleswig-Holstein-Festival, Musiksommer zwischen Inn und Salzach, Milstätter Konzertwochen.

Programm:
Franz Schubert: Allegro B-Dur D 28
Friedrich Smetana: Klaviertrio g-moll, op. 15
Babadjanian Arno: Trio fis-moll (1952)
Astor Piazzolla: Otono porteno, Inverno porteno und La muerte del Angel
Kultur im Schloß Seefeld e.V.
Schloßhof 7,
82229 Seefeld
Theater heute

Landsberg: Komödie im Dunkeln

Komödie im Dunkeln

Von Peter Shaffer
Landestheater Tübingen
Der junge Bildhauer Brindsley Miller bereitet in seiner Wohnung gerade eine Vernissage seiner Arbeiten für den schwerreichen Kunstmäzen Godunow vor, als plötzlich der Strom ausfällt. Und das an einem Sonntagabend! Obendrein hat sich auch noch Brindsleys Schwiegervater in spe, der gestrenge Colonel Melkett, zum Kurzbesuch angesagt. Für diesen Anlass hat Brindsley sich einige elegante Möbel seines Nachbarn Harold „geliehen“. Dumm nur, dass der davon nichts weiß und just verfrüht von einer Reise zurückkehrt. Als auch noch die dem Alkohol nicht abgeneigte Nachbarin Miss Furnival, Brindsleys Ex-Freundin Clea und der Mann vom E-Werk auftauchen, nimmt das Chaos unweigerlich seinen Lauf…

Der englische Autor Peter Shaffer (1926 – 2016), der auch die verfilmten Meisterwerke „Amadeus“ und „Equus“ schrieb, stellt in seiner „Komödie im Dunkeln“ unsere Sehgewohnheiten einfach auf den Kopf: Hell ist Dunkel und Dunkel ist Hell. So kommen wir in den Genuss, all das, was auf der Bühne im Dunkeln geschieht, gut beleuchtet und hautnah mitzuverfolgen – kurz: Ein turbulenter, akrobatischer Riesenspaß für alle Sinne!
Stadttheater Landsberg
Schlossergasse 381 a
86899 Landsberg am Lech
Theater heute

Unterhaching: Vier Stern Stunden - Komödie von Daniel Glattauer

Vier Stern Stunden
Komödie von Daniel Glattauer
mit Günther Maria Halmer, Janina Hartwig, Daria Trenkwalder und David Paryla
Regie: Karl Absenger
Ausstattung: Thomas Pekny

Im altehrwürdigen Vier-Sterne-Hotel, dessen Blütezeit  ganz offensichtlich schon länger zurückliegt, treffen vier eigen willige Charaktere aufeinander: Da ist der alternde, aber charismatische Schriftsteller, der sich hier einem Podiums gespräch stellen soll. Einem Podiumsgespräch mit einer intellektuell hochfliegenden Kulturreferentin, die in ihrer Verehrung und Bewunderung für den  großen Dichter gar nicht merkt, dass sie offenen Auges ins Messer der lakonischen Zynismen des ewig schlecht gelaunten Autors läuft. Zwischen beiden zerreißt sich der völlig überforderte Hotelerbe im verzweifelten Kampf gegen versagende Tonanlagen, gefährlich vermummte Gestalten im Publikum und nicht signierte Gästebücher. Und dann ist da noch die junge Lisa, die "Outdoor-Bloggerin", der wahre Grund für den Abstecher des Schriftstellers in die Provinz. Doch Lisa ist nicht seinetwegen im Hotel, sondern wegen der Idee für einen neuen, höchst brisanten Blog! Glattauer spielt virtuos mit aktuellen Reizthemen – von der Eventkultur bis zum Hype um Erfolgsschriftsteller, von den existentiellen Themen großer Literatur bis zur vergänglich-kleinen Form des Internet-Blogs.

KUBIZ Unterhaching
Jahnstraße 1,
82008 Unterhaching

Zugabe heute

Gauting: Sabine Sauer & Trio Gruberich: Bayerischer Advent

Sabine Sauer & Trio Gruberich: Bayerischer Advent

Das Programm von Sabine Sauer und dem Trio Gruberich nimmt das Publikum mit auf eine musikalische und poetische Reise durch die Adventszeit. Ein Abend, der uns wieder spüren lässt, worin der Zauber der Adventszeit liegt.

Man kennt sie. Ihrem Publikum ist sie schon lange ans Herz gewachsen, ihre Stimme und Erscheinung sind einem vertraut, aus Rundfunk und Fernsehen ist sie nicht wegzudenken. Mehrfach wurde sie für Ihre Arbeit ausgezeichnet: mit der Goldenen Kamera und zwei Mal mit dem Telestar, dem Vorgänger des Deutschen Fernsehpreises. Sabine Sauer: Moderatorin, Journalistin, TV Talkerin. nicht ganz so bekannt sind Sabine Sauers regelmäßige Auftritte bei Kulturereignissen, wie z.B. beim Klassik Open Air am Münchner Odeonsplatz oder bei „Klassik um 11“ mit den Nürnberger Symphonikern. Ihre Liebe zur Poesie und Literatur ist eine weitere Facette in diesem breiten Spektrums.

Das Trio Gruberich arrangiert das passende Musikbett um die alpenländische Weihnacht. Es bekennt sich zum „bajuwarischen Kosmos“ und zur Weltmusik, zu Hackbrett und steirischer Harmonika und begleitet die Moderatorin durch den Abend – eine musikalische und poetische Reise durch die Adventszeit. Mit feinem Gespür für die Zwischentöne, mit Humor und Besinnlichkeit. ein Abend, der uns wieder spüren lässt, worin der Zauber der Adventszeit liegt.

Lesung SABINE SAUER
Musik MARIA FRIEDRICH, Violoncello
THOMAS GRUBER, Hackbrett, Steirische Harmonika
SABINE GRUBER-HEBERLEIN, Harfe
 
Bosco
Oberer Kirchenweg 1,
82131 Gauting
Museen heute

Buchheim Museum: WELCOME HOLMEAD!

WELCOME HOLMEAD!
Ausstellung Buchheim Museum
Vom 19. Mai 2019 bis 26. Januar 2020

Der amerikanisch-europäische Künstler Holmead (1889 –1975) gilt als kunsthistorische Entdeckung der letzten Jahre. Motive seiner anfangs noch impressionistisch, später expressionistisch geprägten Malerei sind Porträts, Landschaften, Stadtansichten und literarische Themen. Holmeads Spätwerk gleicht einem Paukenschlag! Nach einer mehr als 50 Jahre langen künstlerischen Arbeit, die zwei Weltkriege und einen Schlaganfall überdauert, entwickelt er die neue Malweise des »Shorthand Painting«. Mit einigen Spachtelhieben bringt der greise Maler in wenigen Minuten seine Bilder zielsicher auf den Malgrund. Bei seinen grandiosen Porträts gehen abstrakter und figurativer Expressionismus eine einzigartige Synthese ein. Der Künstler selbst nennt seinen Stil »kruden Expressionismus«.

Nach Zustiftung der Kulturstiftung der Uni Bremen / Holmead Foundation 2016 hat das Buchheim Museum nun zwei weitere Zuwächse in Sachen Holmead erhalten: die Zustiftung der Freien Hansestadt Bremen aus der Schenkung von Frau Elisabeth Marie Wilhelmine Philipps sowie eine Schenkung des privaten Sammlers Alfred Moeke. Mit über 70 Gemälden und zahlreichen Papierarbeiten dieses wunderbaren Sonderlings ist das Buchheim Museum nun das größte Holmead-Museum der Welt. Die Bestände sollen in wechselnden Zusammenstellungen dem Publikum vorgeführt werden.


Buchheim Museum
Am Hirschgarten 1,82347 Bernried
Abbildung:

Clifford Holmead Phillips, Frauenkopf,1973
© Nachlass Holmead
Museen heute

München Haus der Kunst: Nachts. Zwischen Traum und Wirklichkeit Sammlung Goetz im Haus der Kunst, Teil 12

Nachts. Zwischen Traum und Wirklichkeit
Sammlung Goetz im Haus der Kunst, Teil 12

Die Nacht hat etwas Magisches. Eigentlich ist es die Zeit, in der die Menschen zur Ruhe kommen, sich in ihre Häuser zurückziehen, um zu schlafen. Aber es gibt auch die Ruhelosen, die Schlafwandler, Nachtschwärmer oder Kriminellen. Viele sind auf der Suche nach etwas oder nach sich selbst. Die Ausstellung unternimmt eine Reise durch die Nacht zwischen Traum und Wirklichkeit in 14 Stationen. Zu sehen sind Filme, Videos, Installationen und Fotografien aus der Sammlung Goetz, die unterschiedliche Facetten eines nächtlichen Streifzugs spiegeln.

Den Auftakt bildet die Installation „Kathmandu Dreams“ (2009) von Janet Cardiff/George Bures Miller. Auf einem Holzsockel steht ein schwarzes Telefon mit Wählscheibe, wie es in den USA zwischen 1937 und 1955 gebaut wurde. Nimmt der Besucher den Hörer auf, kann er Janet Cardiffs Träumen lauschen, die sie flüsternd erzählt. Sie spricht über rätselhafte Begegnungen mit Tieren, frühe Kindheitserinnerungen und erotische Erlebnisse, die sich zu einer surrealen Geschichte verdichten.

Der Rundgang durch die Kabinette, die mit dunkelgrauem Teppichboden ausgelegt und mit Filzvorhängen vom Gang aus geschlossen sind, spannt einen Bogen vom Mondaufgang bis Sonnenaufgang. In einen wolkenverhangenen Nachthimmel blickt der Betrachter zu Beginn von Christoph Brechs Videofilm „Dark Cloud“. Nach wenigen Momenten lichtet sich die Dunkelheit und gibt den Blick frei auf einen orangefarbenen Mond, der sich langsam auf und ab bewegt. Für diese Arbeit hat der Künstler seine Videokamera an der Reling eines Frachters befestigt und den Nachthimmel während der Überfahrt von Hamburg nach Toronto gefilmt. Zu der Bewegung des aufgehenden Mondes und der Wolken am Himmel gesellt sich das langsame Schaukeln des Schiffes.

In das Innere eines Frachters führt der Film „Journey Into Fear“ (2001) von Stan Douglas. Er bezieht sich darin inhaltlich auf den gleichnamigen Agentenfilm von 1943 des amerikanischen Regisseurs Norman Foster sowie auf sein Remake in den 1970er-Jahren. Der Betrachter steigt bei Stan Douglas‘ Version unmittelbar in eine geloopte nächtliche Dialogszene zwischen einem Frachtkontrolleur und einer Lotsin, die sich an Bord des Schiffes befinden, ein. Doch auch nach mehrmaligem Anschauen bleibt die Geschichte rätselhaft, denn es gibt unterschiedliche Dialogvarianten, die Douglas per Zufallsgenerator erstellt hat. So mischen sich Zweifel in vermeintliche Gewissheiten, bis am Ende mehr Fragen aufgeworfen als beantwortet sind.

Ähnlich rätselhaft erscheint die Geschichte einer jungen Frau am Wendepunkt ihres Lebens in dem Videofilm „Single Wide“ (2002) von Teresa Hubbard/Alexander Birchler, die eines Nachts mit einem Pick-Up-Truck die Wand eines typischen amerikanischen Eigenheims durchbricht. Auch dieser Film ist ein Loop, bei dem sich je nach dem Moment des Einstiegs unterschiedliche Lesarten ergeben. Ebenso wie Stan Douglas verwenden Hubbard/Birchler in ihren Videos narrative Elemente wie in einem Kinofilm, dekonstruieren diese aber gleichzeitig. In „Single Wide“ dienen Raum und Zeit nicht mehr dazu den Handlungszusammenhang zu strukturieren, sondern spiegeln vielmehr die Verfassung der Protagonistin.

Die Zeit scheint eingefroren zu einem schicksalshaften Moment in dem Videofilm „The Servant“ (2007) von Sam Taylor-Johnson. Darin sieht man einen Mann im schwarzen Mantel mit hochgestelltem Kragen, wie er im Begriff ist, sich vor der Eingangstür eines Wohnhauses mit einem Sturmfeuerzeug eine Zigarette anzuzünden. Durch das hell erleuchtete Fenster fällt der Blick in das Innere des Hauses und zeigt eine Frau, die ausdruckslos hinaus in die Dunkelheit blickt. Der Betrachter weiß nichts über die beiden Protagonisten, nichts wie es zu dieser Situation gekommen ist, noch wie sie sich weiter entwickeln wird.

Als fragile Konstruktion erscheinen auch die zwischenmenschlichen Beziehungen in Hans Op de Beecks Film „The Thread“ (2015), in der er die Liebesgeschichte eines alternden Punkerpärchens mit nahezu lebensgroßen Handspielpuppen erzählt, die auf einer vom Mond beschienenen Parkbank spielt. Obwohl die Fiktion als solche erkennbar ist, fesselt die Geschichte den Betrachter. Auf ähnliche Weise legt auch Jochen Kuhn die Inszenierungsstrategien in seinem Film „Der lautlose Makubra“ (1980) offen. Mit Fotos, Schere und Pinsel dekonstruiert er die filmische Illusion und erklärt die Handlung. „Der lautlose Makubra“ ist eine Kriminalgeschichte im Stil eines Stummfilms aus den 1920er-Jahren, in dem der Rächer Makubra von einem Ehemann beauftragt wird, dessen untreue Gemahlin, die in einer Nachtbar arbeitet, zu ermorden.

Wie Filmstills wirken die Schwarz-Weiß-Fotografien von Ed van der Elsken, die er zu Beginn der 1950er-Jahre in Paris aufgenommen hatte. Sie sind Teil seines 1956 erschienen Fotobuchs „Liebe in Saint Germaint de Près“, in dem er eine fiktive Geschichte mittels dokumentarischer Fotos erzählt. Sie zeigen das Leben einer Gruppe meist obdachloser Jugendlicher, für die die nächtlichen Cafés und Straßen von Saint Germaint de Près zu einem Zuhause geworden waren. Die Fotografien offenbaren eine Sehnsucht nach Liebe, Zärtlichkeiten und Anerkennung in einer rauen Welt.

Der Rundgang endet mit Paul Pfeiffers „Morning after the Deluge“ (Morgen nach der Sintflut) (2003), zu dem ihm das gleichnamige Gemälde von William Turner inspirierte. Er hat für diesen Film Sonnenauf- und -untergänge, die er am Strand von Provincetown Massachusetts aufgenommen hat, so zusammenmontiert, dass die Sonne immer als volle Scheibe zu sehen ist und diese dauerhaft im Zentrum platziert. Nach dem Rundgang durch die Niederungen menschlicher Existenz, ihren Begierden, Zweifeln, Fragen, Hoffnungen und Enttäuschungen hat dieses überwältigende Naturschauspiel etwas Tröstliches. So vermittelt „Morning after the Deluge“ die Gewissheit, dass auch die dunkelste Nacht mit einem Sonnenaufgang endet.

Mit
Christoph Brech, Dark Cloud, 2004
Olaf Breuning, Ugly Yelp, 2000
Janet Cardiff/George Bures Miller, Kathmandu Dreams (#6), 2009
Thomas Demand, Hof/Yard, 2001
Stan Douglas, Journey Into Fear, 2001
Ed van der Elsken, Paris, 1952 und/and 1954
Teresa Hubbard/Alexander Birchler, Single Wide, 2002
Jochen Kuhn, Der lautlose Makubra, 1980
Andro Wekua, Neighbour‘s Yard, 2005
Hans Op de Beeck, Border, 2001
Hans Op de Beeck, The Thread, 2015
Clement Page, Sleepwalker, 2005
Paul Pfeiffer, Morning after the Deluge, 2003
Sam Taylor-Johnson, The Servant, 2007

Kuratiert von Cornelia Gockel
Haus der Kunst
Prinzregentenstraße 1,
80538 München

Abbildungen:

Jochen Kuhn
Der lautlose Makubra (film still), 1980
Single-channel 35 mm film (color, sound)
© the artist
Courtesy Sammlung Goetz, Medienkunst, München
Paul Pfeiffer
Morning after the Deluge (film still), 2003
Single-channel-video (color, without sound)
© the artist
Courtesy Sammlung Goetz, München
Museen heute

München Stadtmuseum: FORUM 050: Der Greif – Public / Private

FORUM 050: Der Greif – Public / Private
Kabinettausstellung im Münchner Stadtmuseum13. September 2019 – 6. Januar 2020
Der Greif ist eine vielfach ausgezeichnete Organisation für zeitgenössische Fotografie. Seit der Gründung 2008 beschäftigt sich das Kollektiv mit aktuellen Themen, die fotografische Bildproduktion, -distribution und -rezeption betreffen und bietet international agierenden, aufstrebenden Fotograf_innen und Autor_innen eine Plattform. Die unterschiedlichen Projekte verbinden physische und virtuelle Räume. Sie setzen sich mit der Präsentation von Fotografie in gedruckter Form auf Papier, auf Screens sowie in Ausstellungen auseinander. Seit 2018 lädt Der Greif Gastautoren ein, die jährlich erscheinenden Printausgaben zu gestalten und darin mithilfe eigener künstlerischer Arbeitsmethoden das grundlegende Konzept der De- und Rekontextualisierung fotografischer Bilder umzusetzen.
Die 12. Ausgabe des Magazins mit dem Titel „Blame the Algorithm" wird vom britisch-südafrikanischen Künstlerduo Broomberg & Chanarin gastkuratiert. Adam Broomberg und Oliver Chanarin starteten dazu einen Aufruf, fotografische Bilder einzusenden, die zu privat, zu still, zu gewalttätig, zu politisch, zu subversiv oder zu explizit sind, um sie online zu teilen. Bilder, die niemals auf Facebook, Instagram oder anderen sozialen Netzwerken gezeigt werden würden. Das Kollektiv erhielt eine Vielzahl fotografischer Arbeiten unterschiedlicher Bildautor_innen, die sowohl explizit offensive und sexuelle, als auch ruhige, alltägliche Motive aufgreifen. Die Künstler gaben ihre Rolle als Editor dabei an einen anonymen ehemaligen „Content Moderator“ ab, der in dieser Funktion lange Zeit Bilder für Facebook kontrollierte. Online Plattformen nutzen nicht nur Algorithmen, sondern auch Menschen, um über die Zulassung oder Zensur von hochgeladenen Bildinhalten zu entscheiden und setzen diese dabei traumatisierenden Medieninhalten aus – eine Konfrontation mit jeglicher Form von physischer und psychischer Gewalt.
Im FORUM zeigt Der Greif eine interaktive Installation mit einer speziell kuratierten Auswahl der Fotografien. Diese fordert die Besucher_innen auf, sich den Bildern zu nähern, sie zu berühren und mit ihnen umzugehen. Sie bricht mit gängigen Sehgewohnheiten und den klassischen Präsentationsformaten von Fotografie. Gleichzeitig wird unsere heutige Bildrezeption auf Smartphone-Bildschirmen thematisiert. Nicht zuletzt stellt die Ausstellung Fragen nach unserer eigenen Komplizenschaft in der kommerzialisierten Bildwelt der Sozialen Medien und dem medialen Spektakel sowie nach unserem Verhältnis zum „Öffentlichen“ und „Privaten“.
Die Künstler Adam Broomberg (geb. 1970 in Johannesburg) und Oliver Chanarin (geb. 1971 in London) leben und arbeiten in Berlin und London. In ihren konzeptionellen Werken setzt sich das Künstlerduo medienkritisch mit fotografischen Bildern sowie ihrer Veröffentlichung und Verbreitung auseinander. Auf provokante Art und Weise stellen sich ihre Arbeiten einem leichten, teilnahms-losen Bilderkonsum entgegen.
2016 traten beide eine Professur für Fotografie an der Hochschule für bildende Künste in Hamburgan. Ebenfalls wirken sie als Lehrende und Mitbegründer im Masterprogramm „Photography & Society“an der Königliche Akademie der Bildenden Künste in Den Haag. Ihre Arbeiten wurden schon in zahlreichen internationalen Einzel-  und Gruppenausstellungen gezeigt und befinden sich in wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen, darunter Tate, MoMA, Yale, Stedelijk sowie Victoria and Albert Museum. Sie erhielten bedeutende Auszeichnungen wie den ICP Infinity Award (2014) für „Holy Bible“ und den Deutsche Börse Fotopreis (2013) für „War Primer 2“.

Münchner Stadtmuseum
St.-Jakobs-Platz 1
80331 München

Abbildungen:

Der Greif #12 Rückseite,
Fotografie von Milan Gies, Rover
© Der Greif

Der Greif #12 Titelseite,
Fotografie von Martha Friedel, Éclat© Der Greif
Museen heute

München: Markus Lüpertz - Über die Kunst zum Bild

Markus Lüpertz: Über die Kunst zum Bild
Markus Lüpertz (*1941) zählt zu den zentralen Künstlerfiguren der deutschen Nachkriegszeit. Er hat die moderne Malerei seit den 1960er-Jahren entscheidend mitgeprägt. Die im Haus der Kunst ab dem Spätsommer zu sehende Ausstellung „Markus Lüpertz. Über die Kunst zum Bild“ (ehemals „Die Zone der Malerei“) stellt die Lebenskraft des uralten Mediums Malerei in den Fokus und beleuchtet erstmals den seriellen Charakter in Lüpertz‘ bildnerischem Schaffen. Anhand von über 200 Gemälden und Zeichnungen, viele aus internationalen Sammlungen, zeigt sie, wie Lüpertz ein auf inneren Zusammenhängen basierendes Werk entwickelt hat, das von einer filmischen Sichtweise geprägt ist. Die kinematische Seh- und Leseweise ermöglicht einen neuen frischen Blick auf sein künstlerisches ¼uvre.

Lüpertz bewundert John Fords Western und Autoren-Filme, insbesondere von Michelangelo Antonioni, Jean-Luc Godard und Alain Resnais. Alle verzichteten weitgehend auf das Erzählen von Geschichten und zeigten stattdessen private Sehnsüchte, poetische Visionen und die abstrakte Qualität innerer Zustände ihrer Charaktere. Ende der 1960er-Jahre sollten ihre „Filmgedichte" Lüpertz zu einer radikal neuen Syntax der Malerei verhelfen, die bis heute in seinen Gemälden sichtbar wird. Von Beginn an arbeitete er in Serien, ein Prinzip, das Grundlage seines Werks ist und seinen Ursprung im Film hat, so der kuratorische Ansatz der amerikanischen Kunsthistorikerin und Kuratorin Pamela Kort.

Im Zentrum stehen zwei künstlerische Zeiträume: Der Zeitraum zwischen 1963 und 1980 und der Zeitraum von 2000 bis heute. Die Ausstellung fokussiert sich auf seine frühen Bilder, seine Donald-Duck-Serie, seine frühen Dithyramben-Gemälde, deren Form vom Twentieth-Century-Fox-Logo inspiriert wurde, doch abstrakter und nicht leicht zu identifizieren ist, und seine Zeltbilder, deren Raum sich jenseits von Ort und Zeit befindet. Nach dem Zweiten Weltkrieg verstand man in Westdeutschland die Moderne als offenen Anfang. Kunstschaffende dieser Tage versuchten in Zeiten der Diskontinuität, Brücken zur Geschichte und Tradition zu schlagen. Viele entwickelten neue, abstrakte Formen des künstlerischen Ausdrucks in Form eines objektiven Epos. Doch Markus Lüpertz diskutierte mit seinen Malerfreunden einen figurativen Ansatz, der großen Widerspruch auslöste und in Westdeutschland als reaktionär galt. Georg Baselitz beispielsweise begann 1965/66 mit seinem Zyklus „Helden“, der Soldaten und Maler als Antihelden darstellt. Markus Lüpertz schuf zwischen 1968 und 1970 seine Helm-Serie sowie monumentale Gemälde wie „Westwall“. Sie sind heute als Auftaktarbeiten zu lesen für eine Werkgruppe, für die er im Alter von Anfang 30 berühmt wurde: die sogenannten deutschen Motive. Lebendige Bildkompositionen, die symbolgeladene Objekte quälender Erinnerungen an Krieg und Schuld der NS-Zeit überdimensional in den Blick rücken und eine Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte einfordern.

Ab den 2000er-Jahren gibt es bei Markus Lüpertz eine Veränderung. Neu ist die skulpturale Qualität vieler Figuren, die seine Gemälde bevölkern; sie nehmen auf Alain Resnais’ „Letztes Jahr in Marienbad“ – ein Film von skulptural-künstlerischer Qualität – von 1961 Bezug. Nackte, antik anmutende Gestalten zeigen Lüpertz‘ dialektische Beziehung zwischen Malerei und Skulptur und verdeutlichen auch hier seine Verbundenheit mit der malerischen Ästhetik. Sie tragen seine Malerei in den Raum. Letztendlich ist es eine Ausstellung, die sich Lüpertz‘ entschieden undogmatischer Malerei widmet. Sie schärft den Blick für ein neues Sehen und begreift sich als Weg über die Kunst zum Bild.

Die Ausstellung wird von Pamela Kort kuratiert.
Haus der Kunst München
Prinzregentenstraße 1
80538 München
Germany



Abbildungen:

Markus Lüpertz
Unser täglich Brot I, 1972
Leimfarbe auf Leinwand
250 x 350 cm
Sammlung des Künstlers
© VG Bild-Kunst, Bonn 2019
Photo: Jörg von Bruchhausen
Talks & Tours mit Markus Lüpertz
durch die Ausstellung „Jörg Immendorff: Für alle Lieben in der Welt“
Haus der Kunst, 2018
Foto: Marion Vogel
Museen heute

München Lenbachhaus: Senga Nengudi.Topologien

Senga Nengudi.Topologien
Ausstellung 17. September 2019 – 19. Januar 2020
im Lenbachhaus

Eine legendäre Avantgarde-Künstlerin, deren bedeutende Installationen in einen Koffer passen – so beschrieb die Künstlerkollegin Lorraine O'Grady einst Senga Nengudi und ihr Werk.

Seit fünf Jahrzehnten entwickelt Nengudi, die 1943 in Chicago geboren wurde, ein einzigartiges ¼uvre, das sich zwischen Bildhauerei, Performance und Tanz bewegt. Schon als junge Künstlerin und Studentin, die in Los Angeles parallel Bildhauerei Skulptur und Tanz studierte, suchte Nengudi diese Disziplinen miteinander zu verbinden. Mitte der 1960er Jahre studierte die damals 22-Jährige für ein Jahr an der Waseda University in Tokio, um sich intensiver mit der japanischen Kultur und der Künstlervereinigung Gutai auseinanderzusetzen. Obwohl sie die Gutai-Mitglieder nie traf, waren deren Experimente in Performance, Theater und Skulptur maßgeblich für sie. Japanische Theaterformen wie Kabuki und Butoh, aber auch westafrikanische rituelle Praxen prägen bis heute Nengudis Formensprache.

Ihrem Interesse an Tanz und Improvisation entsprechend sind nahezu alle ihre Werke durch Bewegung charakterisiert: Die Formen der Water Compositions – Skulpturen aus Kunststoff und gefärbter Flüssigkeit, die in den frühen 1970er Jahren entstehen – werden vom Volumen des Wassers mitbestimmt. Die "Stoffgeister", die Nengudi einige Jahre später in den Straßenzügen des New Yorker Stadtteils Harlem installiert, flattern im Wind. Die anthropomorphen R.S.V.P.-Skulpturen, für die Strumpfhosen mit Sand gefüllt und mit Fundstücken kombiniert werden, vollziehen eine langsamere Bewegung: ihr Material steht unter Spannung und fällt langsam aus seiner ursprünglichen Form. Nengudi versteht den Titel R.S.V.P. für "Répondez s'il vous plaît" oder "Um Antwort wird gebeten" als Einladung an Betrachter_innen, den Werken ohne Scheu zu begegnen. Einige dieser Nylon-Skulpturen werden in choreografierten Performances zu Tanzpartnerinnen.

Bevor Nengudi 1989 nach Colorado Springs in der Nähe von Denver zog, wo sie bis heute wohnt, lebte sie über Jahrzehnte in Los Angeles. Die Stadt an der US-amerikanischen Westküste war in den 1960er bis 1980er Jahren Zentrum einer dynamischen afroamerikanischen Kunstszene, die Nengudi entscheidend mitgestaltet hat. Dort fand sie sich mit Künstlerinnen und Künstlern wie David Hammons, Maren Hassinger, Ulysses Jenkins, Barbara McCullough und Frank Parker zu gemeinsamen Performances und Aktionen zusammen, die oftmals im Freien improvisiert wurden. Die Performance – allein oder im Kollektiv, im Atelier wie im öffentlichen Raum – bleibt ein Dreh- und Angelpunkt ihres Arbeitens.

Nengudi betrachtet ihre Werke als materiellen Ausdruck gedanklicher Experimente. Viele ihrer Skulpturen aus den1970er-Jahren waren für den Moment ihrer Präsentation gedacht und existieren heute nicht mehr. "Dauerhaftigkeit hatte für mich nie Priorität – zum Leidwesen vieler", schreibt sie dazu in einem ihrer Statements. Hinter dieser Aussage verbirgt sich Nengudis Überzeugung, dass das Ziel der Kunst nicht ihre Aufbewahrung und Kanonisierung ist, sondern ihre Fortsetzung.

Kuratiert von Stephanie Weber und Anna Straetmans
Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
Luisenstraße 33
80333 München


Abbildung:
Senga Nengudi
Performance Piece, 1977, Foto-Triptychon (Detail) Performerin: Maren Hassinger, Originalfotografie: Harmon Outlaw, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München, Sammlung KiCo
© Senga Nengudi 2018
Museen heute

Kochel Franz Marc Museum: Blauer Reiter - Das Moment der Abstraktion

Blauer ReiterDas Moment der Abstraktion
Ausstellung im Franz Marc Museum in Kochel am SeeVom 13. Oktober 2019 bis 16. Februar 2020
Die Jahre 1910/11 –die Künstler des Blauen Reitersbegegnen sich: August Macke besucht Franz Marc im Atelier, Kandinsky, Münter, Werefkin und Jawlensky lernen Paul Klee kennen. Paul Klee trifft Franz Marc. Franz Marc findet Zugang zu Kandinsky und seinen Freunden. Alle suchen einen neuen Weg für die Kunst und jeder umkreist auf seine Weise das Thema Abstraktion. Wo lässt sich diese Suche nach Vereinfachung und Vergeistigung, nach Befreiung von der oberflächlichen Erscheinung der Dinge in den Werken beobachten? Welche neuen Strukturen, Farben und Formen entwickeln die Künstler?Auf der Basis der Sammlung des Franz Marc Museums, ergänzt durch wenige wichtige Leihgaben, zeigt die Ausstellung Gemälde und Zeichnungen, auf denen die Veränderung der Sicht-und Arbeitsweise der Künstler anschaulich wird. Sie versucht das Moment der Abstraktion ganz konkret zu fassen, indem sie die Werke, in deren Abfolge sich Reduktion, Vergeistigung und Emotionalisierung in Farbe und Form greifen lassen, nebeneinander zeigt. Besonders anschaulich wird dieser Prozess im Gegenüber der Vorstudie und des Gemäldes „Café am See“ von August Macke. Der Maler hat dem Gemälde, das als neue Dauerleihgabe ins Franz Marc Museum kommt, eine andere Farbigkeit verliehen. Während auf der Studie Gelb und Grün sowie Rot und Orange den Ton angeben, ist auf dem Gemälde Blau dominant. Dies hilft Macke, einzelne Formen –die weißen Segel, die Bögen eines Viadukts, das strahlend rote Schild mit der Aufschrift „Café“ -hervorzuheben. Diese Motive geben ihre Darstellungsfunktion auf und werden als abstrakteElemente der Komposition wahrgenommen. Das dominante Rechteck mit dem Wort „Café“ oben links im Bild zeigt den Einfluss Robert Delaunays. Auch Paul Klee und Franz Marc rezipierten über Delaunay den Kubismus. Die Malerei und die theoretischen Überlegungen des französischen Malers inspirierten ihre Bilder und ihre Überlegungen zu einer „Neuen Malerei“, die in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg auch im Kreis des Blauen Reiters Form gewinnt.
Hier finden die formalen Experimente eine gedankliche Resonanz und lassen noch besser erkennen, welche Wege die einzelnen Maler bei der Entwicklung der Abstraktion gehen und bis wohin sie sie verfolgen.Die Texte im Katalog thematisieren die kunsttheoretischen Reflexionen, die diese Richtungsänderung begleiten und den philosophisch-zeitgeschichtlichen Hintergrund, der Abstraktion und Spiritualität zu einem zentralen Thema der Kunst dieser Epoche macht.Mit der Suche nach der „Inneren Notwendigkeit“(Wassily Kandinsky) oder der „Reinheit“(Franz Marc), dem Versuch, „sichtbarzu machen“ (Paul Klee) oder einen „Extrakt zu geben“ (Gabriele Münter)verfolgen die Künstler eine Spur, die sie an die Grenze des rational Fassbaren führt. Der Katalogbeitrag von Julia Voss, „Wellen, Vibrationen, Schwingungen“, öffnet diese Perspektive auf die Künstlerinnen Anna Mary Howitt, Juliana Houghton und Hilma af Klingt, die in ihrer Malerei übersinnliche Kräfte und Erlebnisse reflektieren und sich durch die wissenschaftlich nachweisbaren Phänomene wie Magnetismus, Elektrizität oder die Entdeckungdes Atoms bekräftigtsehen.War die Abstraktion zu Beginn des 20.Jahrhunderts also Weltflucht und Rückzug in die Sphäre des inneren Erlebens? Franz Marc und Wassily Kandinsky, die Herausgeber des Almanachs Der Blaue Reiter, waren vom Gegenteil überzeugt. Sie verbanden ihre Kunst mit einer politischen Dimension in der Hoffnung auf deren gesellschaftsverändernde Kraft. „Denn wir haben das Bewusstsein, dass unsere Ideenwelt kein Kartenhaus ist, mit dem wir spielen, sondern Elemente einer Bewegung in sich schließt, deren Schwingungen heute auf der ganzen Welt zu fühlen sind“, schrieb Franz Marc im Einführungstext zum Almanach.Dass die Kunst des Blauen Reitersauch heute noch ihre Wirkungskraft entfaltet, zeigt das große Gemälde von Karin Kneffel, dass als Auftakt der Ausstellung im Foyer des Museums hängt: die Künstlerin hat es nach einem Besuch des Franz Marc Museums gemalt und Werke von August Macke und Wassily Kandinsky in ihr Bild aufgenommen.
Franz Marc Museum         
Franz Marc Park 8-10                                                                                                   
82431 Kochel a. See   

Abbildung:
August Macke (1887-1914)
Cafe am See, 1913
Dauerleihgabe aus Privatbesitz,
Courtesy Thole Rotermund Kunsthandel, Hamburg
Foto: Walter Bayer, München
Museen heute

München Lenbachhaus: Lebensmenschen

LebensmenschenAlexej von Jawlensky und Marianne von Werefkin

Die beiden bedeutenden Künstlerpersönlichkeiten Alexej von Jawlensky (1864–1941) und Marianne von Werefkin (1860–1938) zählen zu den wegweisenden Figuren der expressionistischen Avantgarden und sind noch nie in einer gemeinsamen Ausstellung ge­zeigt worden. Unsere Schau unternimmt es nun zum ersten Mal, beide als Künstlerpaar vorzustellen. Fast dreißig Jahre waren sie in Leben und Werk eng miteinander verbunden.

1896 waren beide gemeinsam aus Sankt Petersburg nach München gekommen. Werefkin unterbrach hier zunächst für zehn Jahre ihre malerische Tätigkeit, um sich der Förderung von Jawlenskys Talent zu widmen und sich intensiv mit Kunsttheorie und der aktuellen Kunstproduktion ihrer Zeit zu beschäftigen. Jawlensky begann mit Stillleben und Figurendar­stellungen zu experimentieren, ein großes Vorbild für ihn war Vincent van Gogh.

Mit Wassily Kandinsky und Gabriele Münter hielten sie sich 1908 in Murnau auf und fanden hier ge­meinsam zu einer expressiven und starkfarbigen Malerei. Während Jawlenskys Murnauer Landschaften zunehmend abstrakter wurden, entwickelte Werefkin ihre spezifische Figurenmalerei, die sich der menschlichen Existenz und ihrem schicksalhaften Ausgelie­fertsein an äußere und innere Mächte widmete. Mit der von Jawlensky und Werefkin 1909 mitbegrün­deten Neuen Künstlervereinigung München, – die sich in ihrer Wohnung in der Münchner Giselastraße zu­sammenfand – und aus der zwei Jahre später der Blaue Reiter hervorging, haben sie als Vor­denkerin (Werefkin) und malerischer Impuls­geber (Jawlensky) dieser beiden Vereinigungen Kunstgeschichte ge­schrieben.

Nach Ausbruch des Ersten Weltkriegs gingen Werefkin und Jawlensky ins Schweizer Exil, wo sie in engsten räumlichen Verhältnissen miteinander lebten und arbeiteten, bevor sie sich 1921 schließlich trennten. Werefkin blieb in Ascona, während Jawlensky mit seiner Familie nach Wiesbaden zog. Jeder für sich, wie bereits vorher in ihrer Gemein­schaft als Paar, leisteten sie einen wesentlichen Bei­trag zur Entwicklung der modernen Kunst am Beginn des 20. Jahrhunderts.

In einer ungewöhnlichen Ausstellungsarchitektur fügen sich die einzelnen Stationen ihres künstlerischen Schaffens bis hin zu beider Spätwerk zu einem opu­lenten Panorama von über 190 Werken zusammen. Inspiriert von der thematischen Idee der Lebens­menschen, finden in der Architektur die vielfältigen gegenseitigen Ergänzungen, Irrwege, gemeinsamen und getrennten Wege ihren Platz. Begleitet werden sie von einer überwältigenden Galerie von Jawlenskys "Köpfen" und späten "Gesichtern", auf die Werefkins Theaterszenen, Arbeiterdarstellungen und Visionen seelischer Zustände antworten.

In Zusammenarbeit mit dem Museum Wiesbaden, Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur
Kuratiert von Annegret Hoberg (Lenbachhaus) und
Roman Zieglgänsberger (Museum Wiesbaden)

Abbildung:
Marianne von Werefkin
In die Nacht hinein, 1910,
Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München
Museen heute

München Haus der Kunst: Theaster Gates: Black Chapel

Theaster Gates: Black Chapel
Ausstellung im Haus der KunstVom 25.10.2019 bis 19.07.2020

Der US-amerikanische Künstler Theaster Gates (*1973) schlägt mit seinem Werk eine Brücke zwischen Kunst und Leben. Er fasziniert mit spannungsgeladenen Raumkonstellationen, mit denen er das Beziehungsgeflecht zwischen der stereotypen Repräsentation Schwarzer Kultur und den dahinter liegenden Machtstrukturen sichtbar macht. Unter Einbezug einer vielgestaltigen Praxis, die Skulptur, Installation, Film, Performance, Improvisation, musikalische Komposition und Aktionen im urbanen Raum einschließt, verwandelt Theaster Gates Räume in Orte der künstlerischen Intervention, und damit in potentielle Plattformen für politischen, kulturellen und sozialen Wandel.

Für die sechste Ausgabe der Serie „Der Öffentlichkeit“ hat Theaster Gates die raumgreifende Installation „Black Chapel“ entwickelt. Das vielteilige Werk reagiert auf die repräsentative Architektur der 800 Quadratmeter großen Mittelhalle des Haus der Kunst, indem es ihr ein komplexes, politisch wie spirituell aufgeladenes Narrativ entgegensetzt: zwei große Pavillons sowie Vitrinen beherbergen eine Vielzahl an Skulpturen, Fotografien und Dokumenten. Darüber hinaus zeigen riesige, rotierende Leuchttafeln Fotografien aus den Archiven der ikonischen Johnson Publishing Company. Erstmalig wurde dieses Bildmaterial in den Magazinen „Ebony“ und „Jet“ veröffentlicht – zwei Publikationen mit Kultstatus, die maßgeblich zur Verbreitung Schwarzer Kultur in den Vereinigten Staaten beitrugen. Das Zusammenspiel von Skulptur und Fotografie eröffnet einen Raum, der Fragen zu Schwarzer Geschichte, Spiritualität und Repräsentation thematisiert und visuell neu formuliert.

In der benachbarten Archivgalerie macht Theaster Gates zudem die Plattensammlung von Jesse Owens zugänglich, die sich in seinem Besitz befindet. Der Athlet Jesse Owens (1913-1980) wuchs zu Zeiten der strikten Rassentrennung in den USA auf und wurde entsprechend wenig gewürdigt. Auf der Olympiade in Berlin holte der Ausnahmesportler 1936 unter den Augen Adolf Hitlers mehrere Goldmedaillen. Seine Erfolge wurden von der umstrittenen Regisseurin und Fotografin Leni Riefenstahl festgehalten, die dort den Propagandafilm „Olympia“ drehte. Das Material ist nun als Teil eines neu entstandenen Films des Künstlers zu sehen und ermöglicht einen kritischen Blick auf die rassistische Bildpolitik.

Die Wege von Jesse Owens und Leni Riefenstahl kreuzten sich erneut im Jahr 1972, als beide abermals zur Olympiade nach München reisten. Die Annäherung an die Lebensgeschichte von Jesse Owens über den Sound der mehr als 1800 Platten umfassenden Sammlung und deren Rezeption sowie das Aufeinanderprallen der rassistischen Ideologien der USA und Deutschlands, die Jesse Owens' Lebenszeit prägten, sind im Kontext der belasteten Geschichte des Haus der Kunst besonders aufschlussreich.

Während der Laufzeit der Ausstellung erscheint ein Katalog im Verlag der Buchhandlung Walther König, mit Beiträgen von Romi Crawford, Anna Schneider und Hamza Walker im Gespräch mit Theaster Gates.

Kuratiert von Anna Schneider
Haus der Kunst München
Prinzregentenstraße 1
80538 München

Abbildung:
Photo: Moneta J. Sleet, Jr. for Ebony, 1958
Courtesy Johnson Publishing Company, LLC. All rights reserved.
Museen heute

Dachau Gemäldegalerie: Philipp Röth 1841–1921. Ein Romantiker unter den Landschaftsmalern

Philipp Röth 1841–1921. Ein Romantiker unter den Landschaftsmalern

Ausstellung vom 25.Oktober 2019 bis 08. März 2020
Dachau Gemäldegalerie

Der gebürtige Darmstädter Philipp Röth (1841–1921) war ein Landschaftsmaler der Münchner Schule. Seine atmosphärischen Landschaftsidyllen zeigen feinmalerisch ausgeführte Pastoralen, ländliche Szenerien mit Gänsehirtinnen, Schäfern und Kuhhirten unter hohen Wolkenhimmeln. In sanften Stimmungen gibt er bevorzugt die weiten Landschaften seiner Heimat in der Rhein-Main-Ebene, das Dachauer Land und die weite Seenplatte südlich von München wieder. Wasser, Himmel und Erde vereinen sich in seinen Bildern zu einem Schauspiel von elementarer Größe. Am Beginn der Industrialisierung gemalt, beschwören seine traumverlorenen Bilder die Schönheit und Größe eines Lebens in Einklang mit der Natur.
Philipp Röth erfuhr eine erste Ausbildung in der Zeichenschule von August Lucas (1803–1863) und bei dem Generalinspektor der Kgl. Gemäldegalerie Darmstadt, Karl Ludwig Seeger (1808–1866). Danach begann er ein einjähriges Studium an der Kgl. Kunstschule in Karlsruhe bei Johann Wilhelm Schirmer (1807–1863). 1861 nahm er Privatunterricht bei Paul Weber (1823–1916) mit dem ihn, schon durch die Heirat mit dessen Tochter Pauline, eine lebenslange Freundschaft verband. 1862 übersiedelte der junge Maler nach Düsseldorf. Von dort aus unternahm er schon während der 1860er-Jahre Reisen nach Dachau, München, Berchtesgaden, ins Salzkammergut und nach Dresden. 1871 entschied sich Philipp Röth für die bayerische Kunstmetropole und ließ sich als freischaffender Landschaftsmaler in München nieder. Seine Landschaftsidyllen fand er im Münchner Umland, bevorzugt bei Dachau, Bruck und Bernried.
Nach anfänglichen Schwierigkeiten erwarb er sich in den 1890er-Jahren als Freiluftmaler eine angesehene Position in der Münchner Kunstszene. 1903 ernannte ihn Prinzregent Luitpold zum Ehrenprofessor der Kgl. Kunstakademie. Nicht nur die angesehenen Münchner Galerien Helbig und Heilmann verkauften erfolgreich seine Werke, auch in den Kunstvereinen und Internationalen Kunstausstellungen der Künstlergenossenschaften in ganz Deutschland wurden seine Bilder gezeigt. Philipp Röth starb 1921 in seinem Haus in Gern. Nach dem Zweiten Weltkrieg widmete ihm die Stadt München ihren ältesten Baum, eine mehr als 300 Jahre alte Linde: die sogenannte Röth-Linde.

Die Gemäldegalerie stellt über 100 Jahre nach der letzten großen Einzelausstellung des Künstlers, die noch zu Lebzeiten stattfand mit über 100 Gemälden und Graphiken wieder eine große Retrospektive zusammen. Mitgewirkt hat Dr. Bettina Best, die mit dem Sammler Wilhelm Grovermann das Werkverzeichnis Röths erarbeitet hat.

Gemäldegalerie Dachau
Konrad-Adenauer-Str. 3
85221 Dachau

Abbildungen:
1. Philipp RöthSommerlandschaft, 1894
2. Philipp Röth
Wuermkanal bei Gern, 1895




Museen heute

München Literaturhaus: Orlando - Inspiriert von Virginia Woolf

Orlando
Inspiriert von Virginia Woolf

8.11.19 - 12.1.20
FOTOAUSSTELLUNG KURATIERT VON TILDA SWINTON

Eine Kooperation des Literaturhauses München mit der Aperture Gallery New York

Aus New York ins Literaturhaus München: Die spektakuläre Fotoausstellung zur Gender-Thematik, kuratiert von Tilda Swinton, inspiriert von Virginia Woolfs feministischem Meisterwerk ORLANDO

Virginia Woolfs »Orlando« (1928) erzählt die Biografie eines jungen Adligen, der mehrere Jahrhunderte durchlebt. Dabei altert er nicht merklich, erwacht nach einem langen Schlaf jedoch plötzlich als Frau. Der Roman ist eine Reise durch die Zeit: Während die Erzählung in der Ära der Königin Elisabeth I. beginnt, findet sich Orlando am Ende in der Gegenwart wieder. Heute, in einer Zeit vielschichtiger Identitätskonzepte, ist die Thematik aktueller denn je.

Tilda Swinton, die in Sally Potters preisgekrönter Filmadaption von 1992 die Hauptrolle des Orlando übernahm, hat sich nun erneut von Virginia Woolf inspirieren lassen. Für die Aperture Foundation, New York, kuratierte sie eine an den Roman angelehnte Ausstellung mit Fotografien von Zackary Drucker, Lynn Hershman Leeson, Paul Mpagi Sepuya, Jamal Nxedlana, Elle Pérez, Walter Pfeiffer, Sally Potter, Vivianne Sassen, Collier Schorr, Mickalene Thomas und Carmen Winant.

Das Literaturhaus München holt diese Ausstellung erstmals nach Europa und erweitert sie um einen Einblick in die Entstehungsgeschichte dieses »längsten und charmantesten Liebesbriefs aller Zeiten« sowie um Hinweise zum Leben von Virginia Woolf und ihrer Geliebten Vita Sackville-West. Ergänzt wird die Schau zudem um eine Audioführung mit Zitaten aus dem Weltroman – gelesen von Wiebke Puls.
"Ich will über die Stränge schlagen, und zwar gewaltig."
Virginia Woolf, Tagebuch

"Der Geschlechterwandel veränderte zwar beider Zukunft, doch er hatte keinerlei Auswirkungen auf ihre Identität."
Virginia Woolf »Orlando«
LITERATURHAUS
Salvatorplatz 1
80333 München
Abzug
Sonntag, 15.12.2019

Fassaden 84

Martin Gebhard, München
Fassaden 84
2019...
Musik
Samstag, 14.12.2019

Olivia Trummer & Hadar Noiberg „The Hawk“

Olivia Trummer und Hadar Noiberg entwickeln auf ihren Instrumenten zauberhafte Stimmungen, verspielt und von berückender Schönheit. Ihre gemeinsame Musik auf „The Hawk“ will dabei in so gar keine Schublade passen - und das ist absolut positiv gemeint. Das Album verströmt einen Hauch Jazz, das Fundament ist eindeutig der Klassik zugehörig, manche Melodien sind eingängig wie ein Popsong....
Film
Donnerstag, 12.12.2019

CUNNINGHAM

Der Dokumentarfilm CUNNINGHAM erweckt die legendären Choreografien von Merce Cunningham – getanzt von den letzten Mitgliedern seiner berühmten Company – noch einmal zum Leben. In poetischen Bildern begleitet der Film, Cunninghams künstlerischen Werdegang in der Zeit von 1944  bis 1972, der geprägt war von Risikofreude und innovativer Kraft. Von den frühen Jahren in New York, in denen...
Literatur
Montag, 09.12.2019

Anton Čechov „Wintergeschichten“

„Der hohe, immergrüne Tannenbaum des Schicksals ist vollbehängt mit den Gütern des Lebens … Von unten bis oben hängen an ihm Karrieren, Glücksfälle, gute Partien, Gewinne, goldene Nichtse, Nasenstüber usw.“So beginnt die kurze Erzählung „Der Tannenbaum“ von Anton Čechov (die Schreibweisen seines Namens scheinen auch in Fachkreisen unendlich!). Es ist...
Echo
Sonntag, 08.12.2019

Iffeldorf: Klieser / Bielow / Filjak – Pure Lebenslust

Iffeldorf. Das Horn gehört zu den ältesten Instrumenten dieser Welt. Es wurde schon im Altertum genutzt - natürlich weniger als virtuos zu händelndes Klangwerkzeug, stattdessen als zweckdienliches Signalinstrument: Zum Rufen des Zuchtviehs, als Alarmhinweis der Nachtwächter und als Verständigungsmittel von Jägern und vom Militär. Später dann entstanden Hörner aus Metall, die (mit...
Abzug
Samstag, 07.12.2019

Fassaden 83

Martin Gebhard, München
Fassaden 83
2019...
Film
Donnerstag, 05.12.2019

THE KINDERNESS OF STRANGERS – KLEINE WUNDER UNTER FREMDEN

Clara (Zoe Kazan) flüchtet mit ihren beiden Söhnen nach New York, um ihrem gewalttätigen Ehemann, einem Polizisten, zu entkommen. Die drei besitzen nicht viel mehr als ihr Auto und als dieses abgeschleppt wird, stehen sie mittellos auf der Straße. An ihrem absoluten Tiefpunkt angekommen, begegnet Clara warmherzigen Fremden, die ihr zeigen, dass sie nicht allein ist. Darunter die selbstlose...
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