Jörg Konrad (www.kultkomplott.de)

Mit: Nora Abdel-Maksoud, Suna Gürler, Rahel Jankowski, Cynthia Micas.
Text: Sibylle Berg.
Regie: Sebastian Nübling,
Choreographie: Tabea Martin

Jörg Konrad

(Süddeutsche Zeitung)

Mit Humor und Naivität die Welt spiegeln

Landsberg. Clowns schaffen Distanz – bei aller Nähe. Wir können uns mit ihnen identifizieren, haben aber zugleich genügend Möglichkeiten, den Sicherheitsabstand bei Gefahr zu vergrößern. Insofern werden sie zu idealen Trägern menschlicher Absonderlichkeiten und persönlicher Wesensmerkmale. Wir können ihrem Tun mit Vorurteilen begegnen, Hoffnungen in sie pflanzen oder ihnen Klischees andichten – und im schlimmste Fall sehen, wie sie scheitern. Dabei jedoch von ihnen lernen. Denn Clowns besitzen die Gabe, mit Humor und Naivität die Welt zu spiegeln. Besonders eine Welt, die aus den Fugen geraten scheint.
Das hat sich wohl auch Roberto Ciulli gesagt, als er schon vor einigen Jahren das Stück „Clowns 21/2“ entwarf und auf die Bühne des Theater an der Ruhr brachte. Es ging um das Altern, das an der Tür klopft und unnachgiebig um Einlass verlangt, bis man drin ist, in der Seniorenresidenz. Nun die Fortsetzung „Clowns im Sturm“. Nein, das biologisch Unaufhaltsame ist nicht mehr Thema. Jetzt geht es um gesellschaftliche Auseinandersetzungen mit der Gegenwart, die uns tagtäglich und fast überall begegnen. Wie gehen die Clowns mit Ängsten und deren Überwindung um? Gibt es auch hier Möglichkeiten, einige Dinge zu lernen? Ja, die gibt es, wie am Donnerstag im Landsberger Stadttheater dank Roberto Ciullis Ensemble mitzuerleben war. Egal, ob man das Geschehen als eine Fortsetzung von „Clowns 21/2“ erkennt oder auch nicht.
Die Geschehnissen und die daraus ableitenden Gedanken sind genau jene, die uns heute tagtäglich begegnen und mit denen wir uns auseinandersetzen müssen. So oder so. Das Fremdaussehen und -verhalten von neuen Nachbarn, der vergessene Rucksack und seine auslösende Verunsicherung, ein Steinkonzert, das inhaltlich kaum jemand versteht, aber eine Mordsgaudi ist, der Suicid, dem die Konsequenz abhanden gekommen ist – bis genügend Ablenkung zum Weiterleben auffordert, verspielte Zaubernummern, die schreckliche Exekution von Menschen und die sturmgepeitschte Flucht übers weite Meer.
Ciullis erspart seinen Clowns (und dem Publikum) auf ihrer Odyssee durch die Welt nur wenig. Für ihn ist diese liebenswerte Truppe Gradmesser des Ertragbaren und Stimmungsbarometer in einem. Er gibt ihnen dabei die ganze Palette des Reagierens an die Hand, so, wie auch wir sie kennen: Vorurteile, Hoffnungen, Lebenslügen, Enttäuschungen, diebische Freude, tiefe Traurigkeit – alles ist mit an Bord des Flüchtlingsbootes, bis es sinkt. Ob das freundlich begrüßende Wesen am Ufer, das am Ende zum gemeinsamen kochen einlädt, nur Fantasie ist? Vielleicht.
Mit vielen kleinen Details bekommen die „Clowns im Sturm“ poetischen Tiefgang. Bühnenaccessoires als Metaphern, Musik (Matthias Flake) als sinnliche Abstraktion, Ciullis und Helmut Schäfers Weltsicht wird auch ohne Text deutlich und erlebbar. Dank eines beeindruckend spielenden Ensembles.
Jörg Konrad (Augsburger Allgemeine Zeitung, KultKomplott)

Ein magisches Labyrinth aus Stolz und Verletzlichkeit

Fürstenfeldbruck. Julia Biel schlägt als Sängerin (mindestens) zwei Fliegen mit einer Klappe. Zum einen passen ihre melancholisch zerbrechlichen Songs genau in unsere Zeit. Sie gibt ihr stimmlich Ausdruck und macht die Frakturen und Verrenkungen der Gegenwart durch kleine Verschiebungen und herzergreifende Verlagerungen der Tonhöhen hörbar. Was sie singt, ist im weitesten Sinne Mainstream, ohne den anrüchigen Beigeschmack dieser breitenwirksamen Pauschalisierung zu strapazieren. Andererseits vermittelt ihre Musik eine Atmosphäre von individueller Kühle, die einem eigenwilligen, aber doch ins Ohr gehenden intellektuellem Anspruch gerecht wird. Wie am Mittwoch im Fürstenfelder Kleinen Saal zu erleben, gelingt es der Engländerin mit südafrikanischen Wurzeln, musikalisch Vertrautheit und Anspruch zu vermitteln, ohne in Routine zu verfallen.
Julia Biel hat eine Stimme, die sich unter die Haut schiebt, die die glattpolierten Oberflächen des schnöden Entertainments verlässt und in tiefere Schichten vordringt. Sie nutzt ihr Organ wie ein Instrument, kann damit Trauer und Glück modulieren, Verzweiflung artikulieren oder intimes flüstern. Ihrer hohen, berührenden Stimme verbietet sie regelrecht dynamische Ausschläge oder virtuose Akrobatik. Um an diesen Punkt zu gelangen, brauchte sie viel Erfahrung, prägende Erlebnisse und natürlich auch Favoriten, an denen man sich in Momenten künstlerischer Rückschläge wieder aufrichten kann. Eine dieser wiederbelebenen Persönlichkeiten – nicht nur in trostlosen Lebensmomenten – ist für sie die große Billie Holiday. Julia Biel sagt selbst, dass sie sich stark von ihr beeinflusst fühlt.
Und wer Lady Day erwähnt, der landet fast zwangsläufig auch bei Sarah Vaughan oder Nina Simon. Eben jenen Vokalistinnen, die nicht allein die geschliffenen Jazzinterpretinnen waren, sondern vor allem durch ihre Persönlichkeit beeindruckten. Musikalisch geht es hier eher in Richtung Blues und Soul und ein ganz klein wenig Pop. Insofern wäre natürlich auch noch Amy Winehouse zu nennen, die trotz ihrer tragisch kurzen Lebensspanne Beeindruckendes hinterlassen hat und an der jede sich ernsthaft mit Gesang beschäftigende Künstlerin einfach nicht vorbeikommt, nicht vorbei kommen kann.
Vom ersten Ton an zog die Engländerin den vollbesetzten Kleinen Saal des Fürstenfelder Veranstaltungsforum in ein magisches Labyrinth aus Stolz und Verletzlichkeit. Ihr grandiose Stimmführung und ihre melancholische Wachsamkeit nahmen das Publikum sofort gefangen und ließen es über die eineinhalb Stunden ihres beeindruckend sinnlichen Vortrags nicht mehr los. Manchmal knisterte förmlich die Spannung ihrer Songs, manchmal bekam bekanntes, wie der Jazz-Gassenhauer „Summertime“, einen völlig neuen, originären Anstrich. Man könnte sich ein ganzes Album mit (unbekannteren) Standards von ihr vorstellen, als Erweiterung ihrer an sich schon schwer fassbaren, wie breitgefächerten Stilistik.
Begleitet wurde Julia Biel von Idris Rahman (Bass) und Saleem Raman (Schlagzeug), zurückhaltend, fast schlicht, immer diese grandiose Stimme diszipliniert unterstützend. Insgesamt ein begeisterndes Konzert von einer Sängerin, der die Zukunft gehören könnte.
Jörg Konrad

Oktober 2016 (Süddeutsche Zeitung, KultKomplott)

Neues Album 2020:

Julia Biel
„Black And White, Volume 1“
Brilljant
Die Liste an Neuveröffentlichungen in den Bereichen Jazz, Soul, Rhythm & Blues sind Monat für Monat randvoll mit weiblichen Sängerinnen – von denen man zuvor selten gehört hat und von denen man nicht selten nie wieder etwas vernimmt. Das hat viele Gründe, die an dieser Stelle nicht untersucht werden sollen.
Herausragenden positives Beispiel was Stimme, Ausdruckskraft, Phrasierung und Intonation betrifft ist Julia Biel. Die Londoner Sängerin hat in den zurückliegenden Jahren nur einige wenige Alben veröffentlicht, die, wenn man genau hinhört, aber von Beginn an auf ein großes Talent, mit außergewöhnlicher Persönlichkeit verweisen. Wer das Glück hatte, Julia Biel zudem auch Live zu erleben, weiß spätestens jetzt, wovon hier die Rede ist.
Die Sängerin vereint auf sehr individuelle Weise vieles von dem, was wir von Ella Fitzgerald bis Sarah Vaughan, von Nico bis Amy Winehouse, von Billy Holiday bis Feist kennen. Bitte nicht falsch verstehen: Julia Biel klingt nicht wie einer diese vokalen Diven. Aber in der Art Texte stimmlich zu gestalten, Inhalte singend zu interpretieren steckt bei ihr schon eine ordentliche Portion Geschichte des weiblichen Gesanges.
Und dann kommt noch die eigene, ganz unprätentiöse, aber absolut berührende Art ihrer stimmlichen Präsenz hinzu. Ihr neuesAlbum „Black And White“ ein absoluter Hochgenuss an verbindlicher Musikalität. Dabei ist diese Album so sparsam instrumentiert und arrangiert, wie keines von ihr zuvor. Julia genügt Klavier und Stimme um Atmosphären von melancholischer Brillanz hervorzuzaubern, um ihren Songs Lichtquellen und Schattierungen zu geben. Dabei handelt es sich nicht unbedingt um todtraurig machende Balladen. Julia stimmt hingegen nachdenklich, schafft Songs, die unter der Oberfläche intensiv brodeln, die von einem inneren Feuer gespeist werden und sich doch durch Zurückhaltung auszeichnen.
Sollte man Vergleiche anstellen, was ja im Grunde immer nicht ganz fair ist, dann fällt im Moment nur Prince posthum erschienenes Album „Piano & A Microphone 1983“ ein. Es ist beseelt, intim und verletzlich, zugleich aber stolz und kämpferisch. Es ist Musik, wie für unsere Zeit gemacht. Keine groovenden Untergangsszenarien, keine ausgelassene Party-Stimmung, kein akrobatischer Scat-Gesang. Auf „Black And White“ gehen Intelligenz und Emotionen Hand in Hand, findet Unverständnis, Zorn und Hoffnung nicht nur musikalisch Raum. Und das diesem Album noch ein zweiter Streich folgen könnte, macht schon heute neugierig.
Jörg Konrad

März 2020 (KultKomplott)

Stefano Bollani - Er spielt eben alles

Landsberg. Gibt es etwas, das Stefano Bollani nicht spielen kann? Lässt sich tatsächlich eine Klangsprache finden, die er nicht beherrscht? Schwer vorstellbar. Und wenn doch, dann wäre der italienische Pianist aufgrund seines musikalischen Denkens und spieltechnischen Könnens in der komfortablen Lage, diese scheinbare Lücke in kürzester Zeit zu schließen. Wetten das?
Am Sonntagabend hat der aus Mailand stammende Pianist im Landsberger Stadttheater etwaige Zweifler seines Könnens, sollte es diese überhaupt geben, eines besseren belehrt. Bollani als Virtuose, Bollani im solistischen Stegreifspiel, Bollani als Traditionalist, Bollani als avantgardistischer Entertainer, Bollani im intimen Balladenmodus – und so könnte man die Form der Beschreibung seines Auftritts noch ewig fortführen. Denn all diese, manchmal launenhaft wirkenden Interaktionen, wurden von ihm an diesem Abend in überzeugender Manier geboten. Auch Bollani als Sänger.
Mit an seiner Seite hatte das pianistische Tastengenie, Bollani lernte das Klavierspielen übrigens allein weil er Schlagersänger(!) werden wollte und er sich so entsprechend selbst begleiten konnte, Daniele Sepe (Saxophon, Flöte), Nico Gori (Klarinette) und Bernardo Guerra (Schlagzeug). Eine exzellente Besetzung, die Bollani während aller klanglichen Extravaganzen sicher zur Seite stand, die ihm folgte, ihn inspirierte, ihn auf Augenhöhe begleitete, die selbst solistische Ausrufezeichen setzte und mit der er letztendlich eins wurde.
Das Quartett wirbelte mit Verve durch das „Napoli Trip“-Programm, verströmte ungezügelte Lebenslust und berührende Melancholie im ständigen Wechselspiel. Mal schunkelte die Musik im Walzertakt träge dahin, mal entlud sie sich im fiebrigen Neobop, mal beeindruckte sie mit einer folkloristischen Charmoffensive. Der musikalische Strom an Ideen versiegte jedenfalls nie.
Bollani hatte während des Abends die Fäden des Geschehens fest in seinen Händen. Jedoch nicht, dass er dabei seinen Mitspielern zu wenig Raum gab. Nico Gori erinnerte an der Klarinette allein klanglich immer wieder einmal an die weit zurückliegenden Anfangsjahre des Jazz in New Orleans und Chicago. Bollani fiel es in solchen Momenten nicht schwer, in einen gestenreichen Ragtime-Rhythmus zu verfallen und launenhafte Stride-Zitate zu streuen. Solistisch brillierte Gori mit oft schneidendem Ton in virtuoser Hochenergie. Oder er spielte schwierige, aber federleicht klingende Motive unisono mit seinem Partner am Saxophon Daniele Sepe. Das erinnerte häufig an Straßenmusik oder jene Drehwurmmelodien, die im Süden Italiens an Feiertagen auf den Volksplätzen gespielt wurden. Bernardo Guerra hielt an den Drums die verschiedenen stilistischen Abzweigungen geschickt zusammen. Das war nicht immer ganz leicht, weil immer wieder neue Möglichkeiten im musikalischen Ausdruck spontan genutzt wurden, die zuvor nicht unbedingt abgesprochen wirkten. Einen Sack Flöhe zu hüten, könnte einfacher sein.
Und Bollani? Der wechselte vom Klavier zum E-Piano, sprang auf, klatschte in die Hände, ließ nicht den Hauch eines routinierten Auftritts entstehen. Er spielte das Publikum (und vielleicht auch manchen seiner Musikerkollegen) schwindlig, nutzte mit seinem Können die Möglichkeiten des Musikkabaretts und hatte bei all dem einfach seinen Spaß. Er spielt eben alles. Obwohl – außer vielleicht Ambient- oder Minimal-Music. Da käme er mit seinem Temperament auf jeden Fall in Konflikt.
Jörg Konrad (KultKomplott, Augsburger Allgemeine)