München. Es gab Zeiten, in denen alles Neue aus den USA kam. Die Freizeit- und Fernsehkulturkultur, sagenhafte Essgewohnheiten, der Beginn der Raumfahrtentwicklung, die Sprache – in Form von Anglizismen. All dies hatte seinen Ursprung in der Neuen Welt. So auch der Jazz. Zwar spielte man ihn ebenfalls in Europa, doch alle blickten stets erwartungsvoll über den großen Teich, um zu hören, welche Veränderungen es in der Musik als nächstes gäbe. Eine Sichtweise, die auch den Beginn der Karrieren von Peter Brötzmann und Alexander von Schlippenbach vor über fünf Jahrzehnten deutlich geprägt hat. Doch sie und ihre Mitstreiter sollten diese scheinbare Abhängigkeit zugunsten einer europäischen Entwicklung im Jazz bald selber ändern.
Gestern Abend waren der in Remscheid gebürtige Saxophonist Brötzmann und der aus Berlin stammende Pianist Schlippenbach zu Gast im Münchner Haus der Kunst. Und an ihrer Seite eine illustre Schar von Gleichgesinnten. Musiker, die in der freien Improvisation zu Hause sind, Instrumentalisten, die sich von den Verlockungen des Musikmarktes nicht beeindrucken lassen, Solisten, die mit Energie und Zielstrebigkeit den eigenen Ideen folgen.
Zwar etwas in die Jahre gekommen haben sich die Alten, in ihren frühen Schaffensjahren oft von außen angefeindeten Kämpen, mit ihren Idealen gehalten und unter der Überschrift „Brötzmann plus …..“ mit der nächsten Generation zeitgenössischer Instrumentalisten zusammengetan. Auf der Bühne standen und saßen am Freitag Toshinori Kondo (Japan) Joe McPhee und Heather Leigh (USA) Marino Pliakas (Griechenland) Han Bennink (Niederlande) und präsentierten in unterschiedlichen Besetzungen ein berauschendes Fest der freien Improvisation. Es wurden Strukturen aufgelöst, neue Verbindungen unter den Gruppenmitgliedern geschaffen, Ideensplitter verdichtet, risikobewusst agiert. Es war ein ständiger Wechsel von Formen und Farben, von abrupter Spontanität und sich entwickelnder Ganzheitlichkeit.
Gleich im ersten Set standen mit Brötzmann, Schlippenbach, Kondo (Trompete) und Bennink (Schlagzeug) vier miteinander längst vertraute Freigeister auf der Bühne. Ungeschliffen und rauh, manchmal fast wuchtig und radikal trafen ihre instrumentalen Stimmen aufeinander und entwickelten immer wieder aus diesen aufschäumenden Gemeinschaftsimprovisationen Momente filigraner Poesie. Irgendwo am Horizont glaubte man eine ferne Blueskapelle zu vernehmen, die vom trommelnden Han Bennink ausging und in den Akkorden des Pianisten eine Entsprechung fand. Dann wieder der Bruch und die Hinwendung zur leidenschaftlichen Dramaturgie der Freiheit. Kreative Explosionen und wohltuende Subversivität als brillanter Spannungsbogen.
Brötzmann arbeitet schon eine Weile mit der amerikanischen Pedal-Steel-Gitarristin Heather Leigh im Duo. Und es ist erstaunlich und faszinierend zugleich, zu welchen Klangerlebnissen selbst so unterschiedliche instrumentale Herangehensweisen führen. Nichts da, mit der heilen Country-Welt. Heather Leigh versteht es, mit sich überlagernden Klangkaskaden eine völlig neue Sichtweise auf ihrem Instrument zu entwerfen. Mit Brötzmann an der Seite wird aus der Pate stehenden Folklore ein pulsierendes Spiel von Distanz und Nähe, ein klangliches Umwerben, ein leidenschaftlicher Dialog zwei freier Radikale. Voller Kraft und Lust.
Den Rahmen für die beiden Konzerte am gestrigen Freitagabend und heutigen Samstag bildet die Ausstellung „Free Music Production / FMP: The Living Music“, die noch bis zum 20. August im Haus der Kunst zu sehen sein wird. In ihr widmen sich die Macher dem wichtigsten europäischen Plattenlabel (FMP), das von 1968 an unter der Leitung von Jost Gebers und der Beteiligung von Peter Brötzmann und Alexander von Schlippenbach europäischen Free Jazz veröffentlichte und damit eigenständig wie unabhängig den Musikern die Verantwortung für ihr Produkt übertrug.
(Weiteres Konzert heute (6. Mai) um 19.00 Uhr im Haus der Kunst mit gleichen Musikern aber in unterschiedlichen Besetzungen)
KultKomplott

Landsberg. Um mit Inhalten zu punkten, ist tüchtig Radau die beste Strategie. Das war schon bei Botho Strauß so, bei Elfriede Jelinek nicht anders und erst recht bei Claire Goll. Aber geht es nun um Inhalte oder um obszönes Skandalisieren? Ist das Stück ernstzunehmende Gesellschaftskritik, einfach eine fröhliche Spaßrunde, oder schonungslos entlarvende Satire? Was tatsächlich dran ist an „Es sagt mir nichts, das sogenannte Draußen“ wird vielleicht erst später deutlich, wenn sich all die Wogen der ersten Entrüstung und euphorischen Begeisterung gelegt haben. Entweder ist Sibylle Bergs Vorlage ein mächtiges Wetterleuchten am Horizont, das sich letztendlich nur als laues Lüftchen entpuppt. Oder es läutet, nach dem Ordnen all der verwirrten Gefühle, einen Paradigmenwechsel im Denken ein. Wir werden sehen.
Worum geht es aber in der von Sebastian Nübling an der Berliner Maxim Gorki Bühne inszenierten Theater-Provokation, die gestern als Gastspiel am Landsberger Stadttheater zu sehen war? Eine eigentliche Handlung, im klassischen Sinn, bietet das Stück erst einmal nicht. Vier Mädchen im Schlabberlook als ein Spiegelbild unserer Gesellschaft, das Pendant zu unserer Erwachsenenwelt. Sie monologisieren im Quartett, als Hyperactive Kids. Voller Energie und ohne Ziel. Zwischen Gruppenzwang und Identitätskrise.
Ob sie es sich zu leicht machen? Natürlich nicht. Sie haben es weitaus schwerer als manch andere Generationen. Da konnte man mit den einfachsten Dingen noch provozieren. Einen Friseurtermin ausgelassen und schon gab es das schönste Spektakel mit der Erwachsenenwelt. Aber heute? Überall Wohlstand, Toleranz, aber verkümmerte Emotionen. Ritzt man sich oder schlägt man zu?
Der Baseballschläger wird zur Waffe, Yoga ist Therapie, Shoppen wie Drogenrausch, saufen bis der Nabel glänzt und immer wieder kotzen. Alles nur Klischees? Natürlich, die Welt ist voller Klischees – und bipolar! Auch diese (nur scheinbare) Coolness ist ein Teil von ihr. Es ist, als hätten die unglücklichen Vier ihre Gefühle nicht im Griff, als sei Provokation das einzige Kampfgerät das ihnen bleibt. Desillusioniert und zornig, rivalisierend und voll stiller Traurigkeit. Die Verlockungen und Ablenkungen ihrer Welt sind Fluch und Segen gleichermaßen. Sich zwischen Liebesentzug und Handy einzurichten endet zwangsläufig im Chaos.
Nora Abdel-Maksoud, Suna Gürler, Rahel Jankowski und Cynthia Micas spielen diese vier Mädchen voller Sehn- und Rachsucht. Der Text, der gespickt ist mit psychologischen Fallstricken und rotzgörenhaften Szenen, wird zu ihrem ureigenen Manifest. Ihre Glaubwürdigkeit erschreckt, ihre körperliche Fitness beeindruckt, ihre Virtuosität im Abruf von Affekten ist gewaltig. Prompt gab`s die Ehrung als Bestes Theaterstück des Jahres 2014. Zu recht – und gestern schon in Landsberg. TILL (Freunde des Stadttheaters Landsberg e.V.) machts möglich.

Germering. Wieviel Zeit Jörg Schippa benötigte, um für sein von Klarinetten dominiertes Jazz-Quartett den passenden wie griffigen Bandnamen zu finden, ist nicht bekannt. Mit UnbedingT hat der Berliner Gitarrist, Komponist und Klangabenteurer jedenfalls den Kern seiner künstlerischen Ambitionen sprachlich konkret auf den Punkt gebracht. Und tatsächlich lag am letzten Freitag im Amadeussaal der Germeringer Stadthalle etwas Unbeugsames, etwas Unbedingtes in der Luft, das die Musik des Quartetts vom ersten bis zum letzten Ton bestimmte.
Natürlich ist das, was Jürgen Kupke (Klarinette), Florian Bergmann (Bassklarinette), Christian Marien (Schlagzeug) und Jörg Schippa auf der Bühne musikalisch realisieren Jazz. Doch zugleich wird das an sich schon weitreichende Stil-Segment um einige Facetten erweitert. So treffen bei UnbedingT , manchmal so ganz nebenbei, freie Improvisationen auf urbane Grooves, verzahnen sich westlicher Blues und arabische Ornamentik, jubilieren jüdische Melodien in besinnungslos erscheinendem Frohsinn, um anschließend in melancholisch besinnliche Folklore-Splitter Südeuropas überzugehen. Mal glaubt man einer Komposition von Kurt Weill zu folgen, dann wieder einem hysterisch überdrehten Benny Goodman. Vielleicht ist diese multiple tour de force etwas typisches für Berlin, etwas multikulturelles, oder gar etwas kosmostilistisches? Sie ist auf jeden Fall der Ausdruck einer gelebten künstlerischen Freiheit im Hier und Jetzt, versehen mit der unzweifelhaften Banderole: Jazz.
Im Mittelpunkt des musikalischen Geschehens stehen die beiden großartig aufspielenden Klarinettisten Jürgen Kupke und Florian Bergmann. Sie beherrschen ihre Instrumente meisterhaft, vermeiden aber wohltuend jede Form des Perfektionismus. Dafür steckt ein Übermaß an ungezügelter Lebenskraft in ihnen, die sie präzis und expressiv formulieren. Sie lassen die sonore, tieftönende Bassklarinette und die wie manisch frohlockende Klarinette im Luftkampf gegeneinander antreten; sie erobern auf gleichen Schwingen und unisono neues melodisches Terrain; sie spotten ätzend gegen den Zeitgeist und seine maßlosen Versprechungen; sie duellieren sich im Dialog und verbrüdern sich mit Haltung und Geist. Es ist ein ständiges Gegen-, Um- und Miteinander. Verbunden durch eine Art spirituelle Disziplin und unterstützt von einem gnadenlos antreibenden Rhythmusduo.
Die Vier als Quartett nehmen ihre Musik spürbar ernst und doch haben sie beim Spielen hör- und sichtbaren Spaß. Und mehr noch: Jede Menge Humor. Eine Art Mutterwitz – den sie vermitteln und den das Publikum durchweg mit Begeisterung aufnimmt.
So entstand am Freitagabend eines der schönsten Konzerte dieser Saison, so, wie sich die schönsten Konzerte immer erst im Verlauf des Abends entwickeln. Konzerte, in die man arglos, aber mit Neugier hineingeht und aus denen man zwei Stunden später völlig beglückt wieder herauskommt. Dem Auftritt von Jörg Schippa und seiner Band gebührt deshalb das Prädikat: UnbedingT - empfehlenswert.

Arabische Passion – Emotionale Botschaften

Iffeldorf. Musik ist die Kunst Menschen zu emotionalisieren. Weit über kulturelle und politische Grenzen hinaus. Das, was interreligiöse Gesprächskreise und zwischenstaatliche Verhandlungen so oft nicht in der Lage sind umzusetzen, das kann Musik realisieren. Vielleicht nicht unbedingt auf Dauer, aber in ihren intensivsten Momenten Bewusstsein erweiternd. Tief empfundene Töne sind wie emotionale Botschaften, können aufgenommen und verstanden werden, brauchen, bei entsprechender Offenheit, keine Übersetzung, keine Gebrauchsanweisung. Sie berühren von selbst.
Gestern Abend trafen sich im Rahemen der Iffeldorfer Meisterkonzerte Musiker aus verschiedenen Kulturkreisen, mit den unterschiedlichsten Ansätzen. Was sie einte, war eben jene Offenheit, mit der sie innerhalb ihrer Kunst nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten suchen. Vladimir Ivanoff, Musiker und Wissenschaftler aus Bulgarien, ist Gründungsmitglied und Leiter des Projektes Sarband, das sich zur Aufgabe gemacht hat, im Schnittpunkt der Kulturen der Obsession Musik zu folgen.
Grundlage der musikalisch lebendigen, von Toleranz, innerem und äußerem Frieden gekennzeichneten „Arabischen Passion“ waren die Johannes- und Matthäus-Oratorien von Johann Sebastian Bachs. Sie dienten einst der (christlichen) Versinnbildlichung des menschlichen Leids durch den Menschen und der Hoffnung auf Läuterung. Ivanoff hat Teile dieser großen Kompositionen in die Gegenwart übertragen, sie verbunden mit Kulturen, die uns eigentlich näher sein sollten, als sie es tatsächlich sind. In einem Interview sagte Ivanoff die Arabische Passion betreffend: "Ich sag immer verkürzt, Jesus war ein Palästinenser und wuchs eben im Nahen Osten auf, wurde dort geboren und starb dort auch, und Bach beschreibt ja sein Leben, Leiden und Sterben, und in der heutigen arabischen Welt wird eben gelebt und auch sehr, sehr viel gelitten ... und auch viel gestorben und das ist der aktuelle Zusammenhang, das heißt, wir versuchen Bach zu verbinden mit der aktuellen Situation im nahen Osten."
Das Ensemble Sarband überbrückte die Nahtstellen zwischen Orient und Okzident, zwischen Tradition und Moderne, zwischen streng notierter Komposition und der Suggestionskraft des Jazz auf nachhaltige und beeindruckende Weise. Christliche, jüdische, arabische Kulturen klangen auf dem Bachschen Fundament mit Streichquartett und Rahmentrommel friedlich miteinander als eine in sich geschlossene Weltkultur. Es waren sich gegenseitig bedingende und inspirierende Klangspuren, die sich nicht aus einzelnen Trümmern zusammensetzen und damit dem mehr oberflächlichen Diktat des Crossover folgten. Ivanoff beherrscht als Freigeist die Kunst des organischen Umbaus der Vorgaben, zeigte dabei die Vielfalt und die Ähnlichkeit musikalischer Ursprünge und hatte in der aus dem Libanon stammenden Fadia el-Hage zudem eine Sängerin, die mit ihrer berückenden Altstimme die verschiedenen stilistischen Facetten und menschlichen Stimmungen in sich vereint zum Ausdruck brachte!
Diese Form der kulturenübergreifenden Offenheit wurde vom Publikum begeistert gefeiert.
Jörg Konrad (KultKomplott)