Oliver Lutz neues Album öffnet wunderbar stimmige Räume. Seine Musik auf „Calamari Fantasy“ bringt Horizontales und Vertikales zusammen, zeigt Verbindungen auf, die jeden musikalischen eng gesteckten Rahmen aufgrund ihrer ansprechenden Vielfalt verlassen. Es sind befreite Klanglandschaften, die sich stilistisch ganz unterschiedlicher Quellen bedienen und dabei regelrecht magische Sounds entstehen lassen. Trotzdem sind es kompositorische Reisen, getaktete Expeditionen, die sich aus Versatzstücken von Rock und Pop speisen, sich Ambient und dem freien Spiel bedienen. Vergleiche? Schwierig. Vielleicht am ehesten frühe Arbeiten von Joachim Kühn auf Atlantic, oder der Komponist, Produzent, Musiker und Architekt Thomas Kessler aus dem niederrheinischen Viersen, mit seinen Aufnahmen Anfang bis Mitte der 1990er Jahre. Aber wie wir natürlich alle wissen: Vergleiche hinken - allenthalben.
Um aber diese Art von elektronischer Poesie einzuspielen, bedarf es nicht nur eines ausgeklügelten Konzeptes, sondern auch hervorragender Mitstreiter. Die Basis dieser insgesamt acht Aufnahmen liefert Oliver Lutz mit seinen tragenden Bassfiguren, die den Stücken Halt und Richtung geben, als ein überwältigend groovendes und stabiles Fundament. Natürlich geschieht dies auch in enger und kreativer Abstimmung mit Schlagzeuger Peter Gall, der sich hier aber, wie letztendlich sämtliche Bandmitglieder, dem Gesamtkonzept aufgeschlossen anpasst.
Dann wäre da natürlich Pablo Held - weniger als virtuoser Pianist, wie ihn die meisten kennen, denn als Experte für Tonfarben und Atmosphären. Er klingt in manchen Momenten regelrecht beschwörend, dann wieder lyrisch und exotisch herausfordernd. Tineke Postma, die niederländische Saxophonistin, steht für einen Großteil der solistischen Ausflüge, für verspielte Melodien und organische Balladen. Sie hält die Balance zwischen Unwägbarkeit und Schönklang. „Calamari Fantasy“ - ein Hörvergnügen der ganz besonderen Art.

Gegründet wurde Steps Ahaed 1979, in einer Zeit, als die stilistische Koalition von Jazz und Rock etwas an Schwung und Spirit verlor. Mike Mainieri, 1938 in der Bronx geboren und Kopf von Steps Ahead, hatte zu jener Zeit schon eine beachtliche Karriere hinter sich. Der Vibraphonspieler und Komponist war unter anderem Mitglied in den Formationen von Buddy Rich, Billie Holiday und Benny Goodman und zudem als Produzent in der Szene sehr gefragt.
Die anfänglich großen Erfolge hatte Steps Ahead in Japan, wo deren ersten drei Alben erschienen. Das US-Debüt zündete dann 1983 mit seinem erfrischenden wie exzellenten Fusionsound, Postbop-Anleihen und den virtuos-solistischen Beiträgen seiner Mitglieder wie Michael Brecker, Eliane Elias oder Peter Erskine auch dort eine neue Begeisterungs-Stufe.
Nach einigen Umbesetzungen war das vorliegende „N.Y.C.“-Album 1989 dann der Startschuss bei Intuition Records. Alle beteiligten Musiker haben in den folgenden Jahrzehnten die Musikentwicklung unterschiedlich aber maßgeblich weltweit beeinflusst. Steve Smith, Tony Levin, Rique Pantoja, Bendik Hofseth, Steve Khan und Ray Gomez stehen für Kreativität und melodische Intelligenz, für eine rhythmisch erfrischende Interaktion und explodierende Spielfreude. Dabei sind die rasenden Tempi eher von nachrangiger Bedeutung. Es ist die Komplexität des musikalischen Materials und die souveräne Dynamik, die Mainieri und seine Mannen zusammen und organisch zum Schwingen bringt. Hier stimmt einfach die Chemie untereinander. Druckvoll aber auch sinnfällig finden Steps Ahead trotz dem Verwenden elektronischer Instrumente wunderbar akustische Wege, Jazz kommerziell, oder besser, populär und eingängig zu platzieren. Insofern hat auch „N.Y.C.“ nach über dreieinhalb Jahrzehnten nichts von seiner Energie und musikalischen Faszination verloren. Zudem ist „N.Y.C.“ ein klassisches Beispiel für zeitlose Kunst, die mit dieser Neuveröffentlichung auf Vinyl nur wärmsten empfohlen werden kann.
Jörg Konrad

Steps Ahead
„N.Y.C.“
Intuition

Hier spielt einer mit bewegenden Nuancen und speziellen Färbungen, mit einem sehr persönlichen Sound und nachhaltiger Phrasierung. Seine Improvisationen sind das Ergebnis von Hingabe und Erfahrung und einem unspektakulären Gespür für Dramaturgie und Sensibilität. Er beherrscht die Kunst des Balladenspiels und zugleich auch die temperamentvoll überschäumende Variante frei schwingender Melodien. Es ist schon einige Jahre her, da wurde Tobias Meinhart vom deutschen Musikmagazin „Jazzthing“ als „eines der größten deutschen Talente am Tenorsaxophon“ gehandelt. Mittlerweile hat der aus der Nähe von Regensburg stammende Musiker in der Tat diesen Anspruch eingelöst. Nicht nur, dass Meinhart seit nunmehr fünfzehn Jahren in New York lebt. Hier, im Melting Pot des Jazz, ist er etliche Zeit schon fester Bestandteil der Szene. Er arbeitete mit Kurt Rosenwinkel, Tom Berkmann und Ingrid Jensen zusammen und spielt regelmäßig in legendären Clubs wie dem Blue Note, dem Birdland oder in der Reihe Jazz At The Lincoln Center.
Gerade erst gründete er sein eigenes Label Sonic River Records, auf dem dieser Tage sein zehntes Album „Sonic River“ erschienen ist. „Es geht auf dem Album um den Spirit des Jazz“, beschreibt der Saxophonist seine Herangehensweise an die Musik. „Ich traue mich, das auszudrücken, was in diesem Moment gerade in mir vorgeht“.
Absolut mutig dann auch seine Umsetzung der insgesamt elf Kompositionen. Ein Stück stammt vom legendenumwobenen Folk-Blues-Man Leadbelly („Where Did You Sleep Last Night?“), die restlichen Nummern hat Tobias Meinhart selbst geschrieben. Dazu gehört auch eine Vertonung des Rilke-Gedichts „Der Panther“ und die Verarbeitung eines Textes der argentinischen Lyrikerin Alejandra Pizarnik. Auch das zeigt wiederum, mit welchem Selbstbewusstsein Meinhart heute seine Ideen umsetzt.
Seine hochkarätig besetzte Band mit Eden Ladin (Klavier), Charles Altura (Gitarre), Matt Penman (Bass) und Obed Calvaire (Schlagzeug) ist ausgezeichnet aufeinander abgestimmt. Freiheit und Disziplin, Differenziertheit und Komplexität gehören zum Grundgerüst des Quintetts. Eine dynamische Rhythmusgruppe treibt die Band zu immer weiteren Höhepunkten. Es ist eine Wohltat Gitarrist Altura auf seinen unangestrengten Läufen zu folgen. Eden Ladin hält mit seinen Harmonien das Große Ganze zusammen und beeindruckt mit höchst eleganten Solis. Im Mittelpunkt natürlich Tobias Meinhart, der am Saxophon die Themen streckt und verdichtet, ein Kaleidoskop an Stimmungen entwirft, mutig insistiert, aber auch die Stimme von Sara Serpa, in den beiden Gesangsnummern, einfühlsam zu unterstützen versteht. Was hier noch fehlt, sind einige Live-Eindrücke - die jedoch schon fest geplant sind.
(10.07. bis 13.07. in Regensburg; 05.08. bis 09.08. Berlin – A-Trane)
Jörg Konrad

Tobias Meinhart
„Sonic River“
Sonic River Records

Wasser ist sowohl Segen, als auch Fluch der Menschheit zugleich. Die Verbindung aus einem Atom Sauerstoff und zwei Atomen Wasserstoff bildet das Lebenselixier unserer Spezies. Schließlich bestehen wir rein anatomisch/physiologisch aus weit über fünfzig Prozent dieses flüssigen Elements. Ansonsten wäre kein Leben, so wie wir es kennen, möglich. Gleichzeitig bringt es uns im Zusammenwirken mit extremen Witterungslagen häufig in existenzielle Nöte und Katastrophen. Überschwemmungen wirken auf die Umwelt ebenso zerstörerisch, wie ausufernde Dürrezeiten. Situationen, die seit Menschengedenken das Leben auf der Erde beeinflussen und als Bedrohungspotenzial die Gesellschaften beschäftigen.
Savina Yannatou, die erratische griechische Sängerin aus Athen, hat sich für ihr neues Album intensiv mit diesen Themen in ihrer ganzen Verschiedenartigkeit beschäftigt. Gemeinsam mit ihrer Instrumentalallianz, der Primavera en Salonico und der tunesischen Sängerin Lamia Bedioui, erkundet sie auf „Watersongs“ musikalisch die Jahrhunderte, den Zauber und die Macht, die Erlösung und die Gefahr, die das Wasser auf die Menschheit ausübt. Es sind demütige wie respektvolle Lieder, die auf „Watersong“ Eingang gefunden haben. Sie umschreiben die verschiedenen mediterranen Kulturen, dokumentieren die historischen Lebensumstände in einer emotional berührenden Art, beschreiben die Sehnsüchte während langer Trockenperioden und das Glück, das anschließend der erster Niederschlag vermittelt. Letztendlich sind es Tod und Fruchtbarkeit, die hier ihren Ausdruck finden.
Savina Yannatou interpretiert Kompositionen aus der Renaissance, süditalienische Klagelieder und korsische Volksmelodien, sie vertont ein Gedicht des arabischen Prinzen Abu Firas al-Hamdani aus dem 10. Jahrhundert und, als Gegensatz hierzu, ein afro-amerikanisches Spiritual.
Ihr begleitendes Instrumentalensemble spielt auf der Oud, dem Quanun, der Violine, dem Akkordeon, auf Trommeln, dem Kontrabass und dem Waterphone, einem Hybrid aus Wassertrommel, afrikanischem Lamellophon und einer Nagelgeige. Doch über allen strahlt und berührt die Stimme Savina Yannatou. Ihre respektvolle Ausdruckskraft zeichnet sich durch hingebungsvolle Leidenschaft aus, dabei immer auf der Suche nach einer seelischen Balance zwischen mediterranen Dialekten und Sprachen und einer melancholischen Verletzlichkeit, die dieses Album zu einem der berührendsten Aufnahmen dieses Frühjahrs werden lässt.
Jörg Konrad

Allein die Herkunft und Entwicklungslinien der Oud haben etwas Kulturen übergreifendes, etwas den Orient und Okzident verbindendes. In Persien beheimatet, ist sie der Vorläufer der europäischen Laute. Ein nahöstliches Saiteninstrument, das im frühen Mittelalter im Rahmen der arabischen Expansion über die Mauren in Andalusien und auf dem Rücken der heimkehrenden Kreuzfahrer nach Mitteleuropa gelangte. Hier hat ihre musikalische Relevanz im Laufe der Jahrhunderte ein wenig an Popularität verloren. Ganz im Gegensatz zur arabischen Tradition, wo das Original sowohl in der Volksmusik als auch in der zeitgenössischen Musik bis heute allgegenwärtig ist.
Anouar Brahem, geboren 1957 in Tunesien, erlernte die Oud schon in Kindesalter, spielte früh klassische arabische Musik, interessierte sich aber auch für indische Klangkulturen und Jazz. Anfang der 1980er Jahre kam er nach Paris und erweiterte hier seinen musikalischen Kosmos immens, indem er Ballettmusik komponierte und Filmmusik schrieb. Der Kontakt mit dem Produzenten Manfred Eicher ermöglichte Brahem dann zu Beginn der 1990er Jahre sein Musikverständnis noch einmal auszuweiten und seinen Hunger nach kultureller Vielfalt und stilistischer Offenheit nach allen Seiten zu stillen. „Heutzutage scheint mir das Klangmaterial, das Tradition und Moderne verbindet, besonders wandlungsfähig und anregend zu sein“, äußerte er sich kürzlich in einem Interview.
Bestes Beispiel für diese Fülle an stilistischer Farbigkeit ist sein neustes Album „After The Last Sky“. Eingespielt von einem internationalen Quartett, bestehend aus den beiden Engländern Dave Holland (Bass) und Django Bates (Piano), der deutschen Anja Lechner (Cello) und Brahem selbst, ist im schweizerischen Lugano eine Musik entstanden, die traditionelle arabische Musik, europäische Kammermusik, Improvisation und Individualität in sich vereint. Den vier Musikern gelingt es faszinierend ihre jeweiligen Identitäten zu erhalten und gemeinsam eine westöstliche Klangkultur zu entwickeln, die sich weitab aller stilistischen Eingrenzungen bewegt.
Brahem hat in der Vergangenheit mit seinen Alben für ECM diesen enormen Spagat schon häufiger vollzogen. Ihm gelingt es dabei immer wieder, eine unruhige wie beruhigende Musikalität zu kreieren, die natürlich über reines Virtuosentum hinausgeht – obwohl alle vier Instrumentalisten sehr wohl hierzu in der Lage wären. Doch Brahem geht es um weit mehr. „Musik, und insbesondere Instrumentalmusik, ist von Natur aus eine abstrakte Sprache, die keine expliziten Ideen vermittelt“, sagt er. „Sie zielt eher auf Emotionen und Empfindungen ab, und wie sie wahr genommen wird, ist von Mensch zu Mensch verschieden.“
Inhaltlich hat sich Anouar Brahem von Schmerz und Leid, aber auch von Hoffnung und Lebensbejahung leiten lassen. Kein Wirklichkeitspathos, stattdessen Tiefsinn, Melancholie und vibrierende Nachdenklichkeit. „After The Last Sky“ steht einerseits in einer Reihe von faszinierenden Brahem-Einspielungen der letzten Jahrzehnte und ist zugleich eine neuerliche, fortführende komplexer Klangerforschung – weitab kulturell einengender, wie ausgetretener Pfade. Hier wird alles evident Fremdartige zum zuversichtlich Vertrauten.
Jörg Konrad

Es ist knapp zehn Jahre her, da verbrachte Nicole Johänntgen im Rahmen ihres Stipendiums eine Zeit in New York und entschloss sich von dort, dem Zentrum des modernen Jazz, nach New Orleans, der Wiege des Jazz zu gehen. Neben etlichen Projekten und dem Erweitern ihrer musikalischen Erfahrungen durch andere Musikerinnen und Musiker, gründete sie anschließend das Quartett Henry, mit dem sie zeitgenössischen wie herausfordernden traditionellen Jazz spielte. Später dann, schon in Zürich lebend, spielte die Saxophonistin mit einem eigenen Trio das Album „Labyrinth“ ein, über das BR Klassik schrieb: „ … gut geerdet und dabei unwahrscheinlich fantasievoll! … “
Nun folgt der zweite Teil dieser faszinierenden und hochspannenden Aufnahme, eingespielt in den Radio-Studios in Basel. Und wieder beeindruckt die Besetzung, mit Alt- und Sopransaxophon, Tuba (Jan Hansen) und Percussion (David Stauffacher), mit der sie dreizehn (Eigen-)Kompositionen eine immense Dichte und tiefgreifende Dramaturgie gibt. Musik, die Geist und Wärme ausstrahlt, die ungebärdet, frech und doch auch wieder diszipliniert daherkommt.
Dass es auch auf „Labyrinth II“ Verbindungen zu Johänntgens großen Instrumental-Favoriten Arthur Blythe gibt, hört man nicht nur dem Titel „In Honor Of Arthur Blythe“ an. Der amerikanische Altsaxophonist, einst als legitimer Nachfolger Charlie Parkers gefeiert, präsentierte um 1980 herum trotz seiner Avantgarde-Ansätze ein leidenschaftliches Statement zur New Orleans-Tradition. Er nutzte in seinen Bands ebenfalls die Tuba statt den Bass, spielte mit Cello, Gitarre und Schlagzeug. Und er hatte einen Sound, so markant wie sinnlich, mit verzehrendem Vibrato und improvisierte unglaublich virtuos.
Nicole Johänntgens Herangehensweise ist ähnlich. „Labyrinth II“ besticht in seiner rhythmischen Ausrichtung (ist an etlichen Stellen sogar tanzbar), ihre Solos sind ideenreich und ausdrucksstark. Trotzdem gibt sie den Kompositionen Leichtigkeit und eine gewisse Verspieltheit. Und vor allem beinhalten sie eine Essenz aus altem und neuem Jazz. „Labyrinth II“ ist mit Sicherheit nicht nur für Insider gedacht, sondern für all jene, die die lasziven und dem Blues geschuldeten Zwischentönen im Jazz lieben.