Taal Tantra Experinece - Fernöstlicher Geist

Taal Tantra Experience erinnern ganz entfernt an Zeiten, als sich in den Wohngemeinschaften der urbanen Metropolen junge Instrumentalisten entschieden, sich von Zwängen und Erwartungshaltungen zu lösen und ihre eigene Musik zu spielen. Sie überwanden in dem was sie Taten auch ganz bewusst stilistische wie auch geographische Grenzen. Es waren die Anfänge der sogenannten Weltmusik. Die Individualität des Musikers war weit wichtiger als seine Herkunft.
Ähnliches gilt für Taal Tantra Experience. Was dieses Quintett am letzten Donnerstag in der Reihe „Jazz Around The World“ in Puchheim spielte, war ein großes Potpourie der Stile und Befindlichkeiten. An vorderster Stelle standen natürlich die Aspekte der klassischen indischen Musik. Doch wurden diese nicht all zu streng gehandhabt. Die Offenheit gegenüber einer jazzmusikalischen Geisteshaltung überwog deutlich. Bedenkt man nun, dass auch der Jazz sich aus den unterschiedlichsten Ethnien und Spielweisen zusammensetzt, wird die Vielfalt der Musik, die an diesem Abend präsentiert wurde, deutlich. Sie schien aus einer Art Zwischenreich zu kommen, das nach allen Seiten offen war und wie ein trockener Schwamm jede individuelle Musizierhaltung aufsaugte und verinnerlichte.
Es ist ein halbes Jahrhundert her, da gab es die ersten ernst zu nehmenden Verbindungen zwischen Jazz und indischer Musik. Verantwortlich zeichnete sich damals Yusef Lateef, bekanntgeworden in den Bands um Cannonball Adderley. Es war zudem die Zeit der ersten Interkontinentalflüge, die ein persönliches Treffen zwischen Bud Shank und dem damals noch völlig unbekannten Ravi Shankar zum gemeinsamen musikalischen Gedankenaustausch ermöglichten. Buddhismus und Hinduismus fassten, auch über den Umweg der Literatur, in der westlichen Kultur Fuß. Später waren es John Coltrane, dessen verzehrendes Spiel soviel fernöstlichen Geist atmete, Don Cherry oder John McLaughlin, die für eine Synthese fernöstlicher und westlicher Musik standen. Aber auch in Deutschland gab es Instrumentalisten, die die Herausforderung annahmen und Indo-Jazz-Aufnahmen einspielten, wie der Stuttgarter Pianist Wolfgang Dauner oder der Vibraphon-Spieler Karl Berger, der später in die USA auswanderte und dort eine eigene Jazzschule gründete. Sie alle leisteten Pionierarbeit – auf die die Musik von Taal Tantra Experience letztendlich aufbaut.
In deren Mittelpunkt steht natürlich der Tabla-Meister Tanmoy Bose. Er beherrscht die Kunst rhythmischer Begleitung gnadenlos und er ist der deutlichste wie hörbarste Bezug zur klassischen indischen Musik. Doch zugleich ist die Rolle von Andreas Weiser, dem zweiten Perkussionisten der Band, nicht zu unterschätzen. Er war bei diesem Auftritt der eigentliche Mittler zwischen fernöstlicher und westlicher Welt, ein Scharnier der Kulturen. Ihm folgte Tanmoy Bose außerhalb seiner solistischen Attacken ebenso selbstlos, wie er gemeinsam mit dem Bassisten Max Hughes eine wunderbar treibende Grundlage für den Gitarristen Kai Brückner und den Saxophonisten Bernard Ullrich schuf. In den besten Momenten spielte das Quintett eine Musik, deren lebendiger Charakter faszinierte.
Als Vorband trat diesmal der junge Geiger Nicolas Stegmann mit seiner Band Kimbap auf. Ein gelungener Auftritt, dessen wohltuende musikalische Offenheit ganz im Sinne der folgenden Band lag.
Jörg Konrad

Georg Breinschmid als auch Thomas Gansch gehörten fast eine Dekade zu dieser Allerweltsband. Der Bassist und der Trompeter. „Kontrabassist Georg Breinschmid wandelt, tänzelt, rast und schwebt ausgehend von dieser fruchtbaren Ausgangssituation mit seiner Musik und seinen unterschiedlichen Formationen längst über alle stilistischen Grenzen. Sehr virtuos, ziemlich schräg“, schrieb die Kronenzeitung über den einen. Die Presse sagt über den anderen: „Trompeter Thomas Gansch hat sich immer schon instinktiv gegen alles Seriöse und Ehrfurchtgebietende gewandt. Lachen ist für ihn die beste Waffe gegen den Druck der Norm.“
Nun sind sie wieder als Duo unterwegs und verhielten sich am Freitagabend in der Germeringer Stadthalle ebenso musikgeschichtlich räuberisch, was ihr Repertoire anbelangte, wie sie grandios aufspielten.
Grundlage ihres Auftritts ist ihr grandioser Einfallsreichtum und ihre absolute Beherrschung des Instrumentariums. Hinzu kommt der besagte ordentliche Schuss Humor. Kein Klamauk bitteschön, auch wenn es sich im ersten Moment oft so anfühlt. Ihr Witz hat Tiefgang.
Ähnlich wie bei ihrem einstigen Arbeitgeber Rüegg verarbeiten sie im Duo so einiges, was die Musikgeschichte hergibt. Für sie ist es kein Widerspruch, bekannte Dixielandmelodien mit der Zwölftonmusik zu verbinden, Populäres aus der Klassik mit einem ordentlichen Blues zu würzen, zu improvisieren und sich gleichfalls vor der Tradition des Dadaismus zu verbeugen. Und immer wieder blitzt etwas von den Beatles auf, so als seien sie für das Duo ein Bindeglied zwischen Tradition und Moderne.
Wie ein perfekt geöltes Räderwerk greifen ihre Instrumente ineinander. Wer noch immer glaubte, der Bassist sei ein Rhythmusknecht, sollte sich einfach einmal Georg Breinschmid anhören. Der soliert zupfend, klopfend, streiche(l)nd, schlagend - einfach brillant. Hin und wieder begleitet er auch, natürlich, aber nur, um im nächsten Moment aus einer korsettartigen Figur wieder auszusteigen und neue Klang- und Spielmöglichkeiten auszuprobieren. Jahrelang war er Mitglied der Wiener Staatsoper sowie der Wiener Philharmoniker und hat hier streng nach Partituren gespielt, lang genug.
Und Thomas Gansch? Der stammt aus einer alten Salzburger Blasmusikerdynastie, bekam die Trompete sozusagen schon in die Wiege gelegt. Das spürt man deutlich. Nichts scheint es zu geben, was dieser Solist nicht kann. Er begeistert das Publikum mit irrwitzig schnell intonierten Balkanmelodien, er hat ein klaren Ansatz, bläst mit und ohne Vibrato und ist in der Lage, herzergreifende Balladen zu präsentieren.
Sollte man eine Formel für dieses großartige Konzert im restlos ausverkauften Amadeussaal erstellen, so könnte diese lauten: Anarchie plus Können plus Humor gleich Bransch.
Jörg Konrad (KultKomplott, SZ)

Marialy Pacheco & Joo Kraus – Musikalische Querverbindungen

Fürstenfeld. Sie spielt trotz ihrer unglaublichen Virtuosität mit einem eleganten Anschlag. Marialy Pacheco nennt als ihre Favoriten Oscar Peterson, Thelonious Monk und vor allen Keith Jarrett, trotzdem fühlt sich die Pianistin ihrer Heimat Kuba besonders verbunden. Ihr feinnerviges Spiel ist eine tiefe Verbeugung vor der musikalischen Tradition der Karibikinsel. Ihr gegenüber steht Joo Kraus, der besonnene Trompeter aus Ulm, mit deutlichem Hang zum Populären. Egal ob Tab Two, Tina Turner, oder im Bossa Nova-Stil - Kraus bringt eine eigene Note in jedes Projekt. Fesselnd und individuell, auf der Basis handwerklichen Könnens und einer erfrischender Kreativität.
Eine interessante Kombination also, die sich im ersten Konzert der Fürstenfelder Jazz First dem erfahrenen Publikum stellte. Ein Duo, das sich dem Exotischen des Jazz ebenso überzeugend widmete, wie der zeitgenössischen Improvisation. Beide, die Pianistin und der Trompeter, suchten nicht nur nach neuen Wegen in der Gestaltung von Klangmöglichkeiten, sie wurden mit ihren melodischen Entfaltungen und ihrer individueller Präsenz auch fündig.
Gleich mit dem ersten Song, Mario Bauzas „Mambo Inn“, setzte Marialy Pacheco solistische Glanzpunkte. Kaum am Instrument, war sie schon mittendrin in der Kompositionen, verzögerte das Tempo nach Belieben, verlustierte sich in den ungeraden rhythmischen Metren und improvisierte voll überschäumender Lebenslust.
Joo Kraus spielte die ersten gemeinsamen Stücke mit der gestopften Trompete und faszinierte mit sinnlichen Sparsamkeit. Mit stark reduziertem Vibrato spielte er sich durch Stings „Englishman in New York“ und auch dem „Earth Song“ von Michael Jackson trotzte er Momente beiläufiger Schönheit ab. Aber Michael Jackson im Jazzkontext? Ja, diese Diskussion gab es schon 1985, als Miles Davis „Time After Time“ interpretierte, oder im letzten Jahr, als der große Enrico Rava ein ganzes Album mit Jackson Songs veröffentlichte. Und beide haben schon bewiesen, die Verbindung Jackson und Jazz funktioniert ausgezeichnet. Den Song „Black Or White“ aus der Feder des King Of Pop zerlegten Pacheco und Kraus zu einem stillen, aus seinem Zentrum heraus glühenden Blues. Sie beide zeigten sich immer wieder als Verwandlungskünstler, die ständig musikalische Querverbindungen herstellten, die aufgrund ihrer konstruktiven Interaktion und ihrer Hingabe absolut überzeugten. Auch in den Momenten, in denen Kraus sein Steckenpferd, die Elektronik, mit ins Spiel brachte und den zweiten Set mit einer atmosphärischtraumhaften Improvisation eröffnete. Für zwei Instrumentalisten dieses Kalibers gibt es einfach keine Grenzen. Sie übersteigen alles, was sich ihnen musikalisch in den Weg stellt und zeigen, wie großartig der Begriff Freiheit gelebt werden kann.
Jörg Konrad (ww.kultkomplott.de, SZ/FFB)

Aterballetto GOLDEN DAYS - Sich dem Moment hingeben

Nicht wenige bezeichnen Keith Jarretts „Köln Concert“ aus dem Jahr 1975 als die Jahrhundertaufnahme zeitgenössischer Improvisation schlechthin. Dabei waren die Umstände der Produktion alles andere als das, was man eine Erfolgsgeschichte nennen könnte. Es begann an diesem Januartag schon damit, dass Jarrett erst spät in der Nacht vor dem Konzert am Spielort ankam und vor dem Auftritt sehr schlecht schlief. Dann wurde das Instrument nicht rechtzeitig geliefert. Jarrett musste letztendlich auf dem Klavier des Korrepetitors spielen, bei dem die Pedalen hackten und die Klaviatur teilweise klemmte. Die Mikrofone mussten mehrmals ausgetauscht werden und zu guter Letzt kam das Essen für den Meister erst eine Viertelstunde vor dem Konzert. Jarrett packte und wollte fahren. Manfred Eicher, sein Produzent, und die Veranstalterin konnten ihn, die Oper in Köln war mit 1.400 Hörern ausverkauft, jedoch überreden aufzutreten. Und so entstand das Meisterwerk, das bis heute zu den meistverkauften Jazzalben überhaupt gehört. Viereinhalb Jahrzehnte darauf tanzt das in Italien beheimatete Aterballetto in Fürstenfeld zu dieser fließenden, energiegeladenen und von wunderbaren Themen durchdrungenen Improvisation.
Dem Choreographen Johan Inger geht es um die Offenheit, um die Freiheit, um den Augenblick der in einer Improvisation zum Ausdruck kommt. Die Tänzer bringen in einem Reigen von verspielten Szenen Lebensenergie und Glück ins Publikum. Auch Melancholie, Sensibilität, statt Tragik Zuversicht. Sich dem Moment hingeben, ihn genießen, ihn mit Vertrauen auszuleben ist das Ziel.
„Köln Concert“ ist eines von insgesamt drei Stücken, die am Dienstagabend von Aterballetto im Rahmen der Theaterreihe in Fürstenfeld aufgeführt wurden. Den anderen beiden Choreographien lagen Arbeiten der Ausnahmemusiker Tom Waits und Patti Smith zugrunde. Musik, die Johan Inger geprägt hat, deren Kraft und Mut ihn privat und beruflich begleitet haben und die er in dem Titel GOLDEN DAYS zusammenfasst.
Denn wenn es um Tanz geht, geht es auch immer um Musik. Sie ist die Grundlage für rhythmische Bewegungen, für schlingernde, für routierende Emotionalität, für explosionsartige Sprünge und auch für die Botschaft an sich, die über die Choreographie zum Ausdruck kommt. Im Fall von GOLDEN DAYS ist die Musik zugleich alleinige Inspirationsquelle. Joahn Inger verknüpft mit dieser Musik seine eigenen „Golden Tage“.
Im ersten Stück des Abends, „Rain Dogs“, beziehen sich die Tänzer auf eine Geschichte von Tom Waits, die von den Kümmernissen eines Hundes handelt, der nach einer Wanderung durch die Stadt und nach dem großen Regen den Weg zurück in seine Lebensheimat nicht findet. Es ist, wie viele der Stücke von Waits, eine tragische Geschichte und die Tänzer bringen die Härte des Lebens, die Hoffnung und Verzweiflung und die Sehnsucht in einer orientierungslosen Welt berührend zum Ausdruck.
Die Umbaupause ist „doppelbödig“. Denn während die Bühnenarbeiter den dunklen Tanzboden Stück für Stück entfernen, so dass ein weißer Untergrund hervortritt, verkleinert sich die Fläche für die ebenfalls in schwarz gekleidete Solotänzerin. In dem Song „Birdland“ von Patti Smith muss sie sich emanzipiert behaupten, sich und ihr Areal mit allen ihr zur Verfügung stehenden Mitteln verteidigen. Sie provoziert dabei, verführt, zeigt sich verletzlich, aggressiv, ignoriert den Eindringling, setzt sich durch – zumindest für eine bestimmte Zeit. Sie nutzt als Einzelindividuum ihre wenigen Möglichkeiten mit voller Intensität und Hingabe. Sie berührt, überzeugt und inspiriert.

Barralhouse Jazzband – Vorläufer der Weltmusik

„Deutschlands älteste und wertvollste Jazzband“, wurde sie vor ein paar Jahren von Fritz Rau, dem vielleicht bedeutendsten Konzertveranstalter Deutschlands genannt. Und der heute über achtzigjährige weiß wovon er spricht. Immerhin hat er in über fünf Jahrzehnten die Elite des Jazz, Rock, Blues und Pop gemanagt und zu Beginn seiner Karriere eben jene Barralhouse Jazzband.
Die Formation hat mit ihren verschiedenen Besetzungen im Laufe der Zeit Musikgeschichte geschrieben. In Deutschland, schon früh in England und selbst im Mutterland des Jazz, den USA, ist sie anerkannt und mit vielen bedeutenden Preisen geehrt. Am letzten Freitag haben die deutschen Hohepriester des Traditional auch in Fürstenfeld Halt gemacht. Und mit einem rauschenden Fest des klassischen Jazz, mit einem Riesenprogramm und großen Gastsolisten haben? Barrelhouse mit ihrer Jazz Gala das Publikum regelrecht von den Sitzen gerissen.
Bekanntlich scheiden sich ja beim Traditional die Jazz-Geister. Trotzdem ist diese Musikform die Grundlage all dessen, was sich heute unter der Rubrik zeitgenössischer Jazz finden lässt. Und diese Entwicklungslinie zwischen 1900 bis 1930 haben Klarinettist Reimer von Essen und seine Mannen fast schulmeisterlich, aber in aufgelockerter Atmosphäre akustisch nachgezeichnet. Es war eine Reise von den Ursprüngen des Jazz in New Orleans bis hinauf in den Schmelztiegel der Kulturen, nach New York und die Hochzeit des Swing. Ob man diesen interessanten, wie musikgeschichtlich wichtigen Entwicklungsstrang unbedingt als eine äußerlich glänzende Gala organisieren sollte, darüber mag man aufgrund einer so nur schwer nachvollziehbaren Authentizität diskutieren. Doch inhaltlich, rein msuikalisch, war der Abend ein voller Erfolg.
Was sich vor über einhundert Jahren in New Orleans abspielte, war der Vorläufer dessen, was wir heute Weltmusik nennen. In der Stadt am Mississippi trafen Menschen unterschiedlicher europäischer Kulturen und die Nachkommen der aus Afrika eingeschifften Sklaven aufeinander. Aus ihrem täglichen Miteinander entstand im Vergnügungsviertel „Storyville“ die synkopierte Musikform, aus irgendeinem bis heute unerfindlichen Grund „Jazz“ genannt. Und genau an dieser Stelle setzten Barrelhouse an. Sie interpretierten mit spürbarer Freude die Musik jener Zeit und legten dabei großen Wert auf die Einbeziehung des Blues, der eigentlichen Seele des Jazz. Weiter ging´s dann musikalisch über den Chicago-Stil bis hin zum Four Beat Jazz, dem Swing, der ersten Musik im Jazzgewand, die kommerziell so erfolgreich war. Und auch hier setzte die altgediente Frankfurter Formation Zeichen. Ihre perlende Spielfrische, ihre improvisatorische Raffinesse und vor allem ihre rhythmische Versiertheit gab dieser vergangenen Spielpraxis etwas zeitlos Dynamisches. Als eine besondere Attraktion hatte die Barrelhouse Jazzband wie immer auf ihren großen Tourneen hochkarätige Gäste im Gepäck, wie den Saxophonisten Scott Hamilton, den Trompeter Scotty Barnhart, die stimmlich beeindruckenden Sängerinnen Tanya Boutté und Laura Fedele, oder die Posaunistin Nancy McCracken. Doch im Grunde war der eigentliche Motor und Initiator dieser Lehrstunde des klassischen Jazz die Barrelhouse Jazzband. Eine Institution!
Jörg Konrad