Tradition oder Folklore bedeuten nicht das alleinige Konzentrieren auf eine separate Region, auf ein begrenztes Lebensgefühl. Bei entsprechender Aufgeschlossenheit und Neugier öffnet sich der geistige Horizont und es entstehen Möglichkeiten, Lebensweisen, so unterschiedlich sie auch im ersten Moment erscheinen mögen, zusammenzubringen. Hier greift der Terminus Weltkultur, der zugleich auch Solidarität und Verantwortung, Empathie und intellektuelle Befreiung beinhaltet.
Anders Jormin und Lena Willemark bringen schon seit 2015 unterschiedliche Standorte und Zeiträume in ihren Projekten musikalisch zusammen. Der schwedische Bassist und seine singende und Geige spielende Landsmännin arbeiten im vorliegenden Fall mit der aus Tokio stammenden und heute in Deutschland lebenden Koto-Spielerin Karin Nakagawa. Hinzu kommt noch der schwedische Schlagzeuger und Perkussionsit Jon Fält, dessen Disziplin und explodierende Leidenschaft schon seit Jahren das Trio des Piansiten Bobo Stenson enorm bereichert.
Jormin, Willemark, Nakagawa und Fält sind auf „Pasado En Claro“ in der Lage, vorzüglich miteinander über musikalische und nichtmusikalische Ebenen zu kommunizieren und dabei eine spürbare Harmonie heraufzubeschwören. Bei ihnen treffen Klangfarben und instrumentaler Abenteuergeist, Schlichtheit und Komplexität, Differenziertheit und widerspenstige Zähmung aufeinander. Folk und Jazz wie er zwischen Nordeuropa und dem ostasiatischen Inselstaat Japan interpretiert wird, sind die musikalischen Ingredenzien. In diese tönenden Motive sind gesungene skandinavische und mexikanische Poesie eingebettet. Es finden Texte des italienischen Renaissance-Dichters Petrarca Eingang, wie auch von Lena Willemark geschriebene Verse. Die gesamte Musik strahlt einen zivilisatorischen, würdevollen, humanen Charakter aus, wobei der Respekt und die Wertschätzung voreinander in jeder Sequenz der Aufnahme zu spüren ist. Archaik und Moderne finden hier auf Augenhöhe zueinander und geben dem Hörer das Gefühl gelebter Bindung.
Jörg Konrad

Ein Großteil des kompositorischen Schaffens Duke Ellingtons bestand, meist in enger Zusammenarbeit mit Billy Strayhorn, aus dem Schreiben von Suiten. Über dreißig solcher Orchesterwerke hat der Großmeister des Big Band Sounds in seiner Karriere ausgearbeitet und eingespielt. Eine diese Kompositionen nannte der 1899 in Washington, D.C. geborene Pianist und Tonsetzer „A Drum Is A Woman“. Da das Wesen des Jazz im Rhythmus liegt, war es für Ellington nur logisch, dieses Thema musikalisch zu bearbeiten. Doch es wäre für ein musikaklisches Genie seines Fachs zu einfach, nur die Trommeln ins Zentrum einer solchen Arbeit zu stellen. So verzichtete auf den rein instrumentalen Charakter der Suite und wählte stattdessen eine von Singstimmen geleitete Form des Ausdrucks. „Diese musikalische Phantasie oder Allegorie erzählt die Geschichte des Jazz durch die Abenteuer von Madame Zajj und Carribee Joe , die den Zuhörer von der Karibik über den Congo Square und die 52nd Street zum Mond führen“, schrieb der Komponist in seiner 1973 erschienen Autobiographie.
Er integrierte also zwei Sängerinnen (eine von beiden war die Sopranistin Margaret Tymes) und den aus Trinidad stammenden Sänger Ozzie Bailey in sein Orchester, zudem einen zusätzlichen Schlagzeuger, sowie den Congaspieler Candido. „A Drum Is A Woman“ erzählt die Geschichte von Madame Zajj (Jazz rückwärts gelesen), die sich immer wieder in eine Trommel verwandelt und in Carribee Joe verliebt. Mit ihm reist sie durch den Congo Square in New Orleans, die Clubs der 52nd Street und erlebt die Entwicklungsgeschichte des Jazz auch anhand der sozialen Stellung und Entwicklung der Schwarzen hautnah. Auch heute klingt das Album noch eher wie eine Art Hörbuch. Die musikalischen Sequenzen sind kurz (aber eindringlich), ziehen ein musikalisches Resümee aus traditionalem Jazz, Swing, afrikanischer und karribischer Folklore und natürlich den wirkungsvollen Tonmalereien Ellingtons Jazzsinfonik. Seine Riege an einzigartigen Solisten (Paul Gonsalves, Johnny Hodges, Russell Procope) lässt ihr Können nur zeitweise aufblitzen. Hingegen gibt es immer wieder Schlagzeug- und Percussionseinlagen von nachhaltiger und befreiender Wirkung.
Ellington übernimmt den Part des Sprechers und er selbst erzählt die Geschichte von Madame Zajj und Carribee Joe. So ist es nur folgerichtig, dass kurz nach der Veröffentlichung des Albums CBS auf Grundlage von „A Drum Is A Woman“ einen Film drehte und danit aus dem Hörbuch einen Hörfilm machte.
Jörg Konrad.

Er ist und war wohl schon immer der Modernste unter den traditionellen Schlagzeugern. Geboren 1939 in der Bronx, studierte Andrew Cyrille sein Instrument noch bei Philly Jo Jones, dem Lieblingsdrummer von Miles Davis. Dabei war Cyrills Spiel von Beginn an eine Art Unabhängigkeitserklärung. Egal ob er mit Coleman Hawkins und Illinois Jacquet arbeitete oder, etwas später, für längere Zeit bei Cecil Taylor trommelte; er zeichnete sich für den rhythmischen Groove an der Seite von Greg Osby verantwortlich und hielt dem Feuer des Saxophon-Berserkers Peter Brötzmann auf Aufgenhöhe stand; es gibt regelrechte Trommelschlachten mit Cyrill und Milford Graves und die gemeinsamen atmosphärischen Erkundugen mit Bill Frisell aus den letzten Jahren, seine vielleicht abstraktesten Arbeiten, rhythmische Impressionen, mehr angedeutet als ausgespielt – alles der Kommunikation untergeordnet.
Nun ist noch einmal ein Solo-Album des heute 83jährigen erschienen. Es sind poetische Mosaiksteinchen, die er zu einem rhythmischen Bild zusammensetzt, Klangskulpturen die das Ergebnis einer gelebten Freiheit und immensen Erfahrung sind. Cyrille versteht es zu spielen im wahrsten Sinne des Wortes. Wie ein Kind erforscht er das Drumset, mal kräftiger, mal stiller. Und er findet immer wieder neue rhythmische Klänge, Querverbindugen und Vertrebungen zwischen den Trommeln, Becken, Glocken und Sticks, stets weit entfernt von allen Naturgewalten und starren Bewußtseinsströmen. Nahe am Puls des Lebens, das immer wieder neue Wendungen bereithält. So überrascht auch Andrew Cyrille auf diesen vorliegenden elf Miniaturen immer wieder neu – und begeistert jedes Mal.

Trommeln ist so alt wie die Menschheit. Es ist der Puls der verschiedenen Kulturen. Oder, wie Dieter Bachmann einmal schrieb: „Trommeln heißt nichts anderes, als der fließenden Zeit eine Einteilung aufzuprägen“. Und die Trommler, heute sagt man eher Schlagzeuger oder Schlagwerker, sind somit die ordnenden Hüter der Zeit. Wenn nun mehrere solcher Schlagwerker aufeinandertreffen, wenn also dem einen Puls ein zweiter gegenüber gestellt wird, wie mag das klingen? Entsprechend der Persönlichkeit und Individualität der beiden immer wieder anders.
Im März 2016 haben sich in Berlin zwei trommelnde Instrumentalisten im Studio getroffen und sind miteinander in einen Dialog getreten, der jetzt beim Schweizer Label Intakt vorliegt. Joey Baron gehört zu den wohl derzeit am häufigsten gebuchten Sideman der Jazzszene. Der Amerikaner beherrscht nicht nur ein Arsenal an Perkussionsinstrumenten, er begleitet mit ihnen auch so unterschiedliche Stilisten wie John Zorn, Dizzy Gillespie, Marianne Faithfull oder Irene Schweizer. In seinem Einfühlungsvermögen, seiner Spontanität und seinem rhythmischen Puls scheinen ihm keine Grenzen gesetzt. Robyn Schulkowsky ist eine der führenden und gesuchtesten Perkussionistinnen der modernen Klassik, seit vielen Jahren Soloschlagzeugerin verschiedener Orchester und Komponistin für Perkussionsensemble.
Auf „Now You Hear Me“ befinden sich vier Stücke, die im freien Dialog die Welt rhythmisch zum Klingen bringen. Hier findet sich traditionelles Pulsieren neben strukturellen Polyrhythmen, energetisches Donnergrollen neben fein ziselierter Beckenarbeit, differenziertes Signalgeben neben komplexen Ausrufezeichen. Dabei ist alles im Fluss, gehen perkussive Andeutungen in klare Formulierungen über und umgekehrt. Archaische Trommelrituale verbinden sich mit intellektuellen Akzenten. Alles auf diesem Album ist Interaktion, steht in einer dynamischen Wechselbeziehung und wirkt dadurch überzeugend. „Now You Hears Me“ bietet in seinen rhythmischen Dialekten subtile Spannung. Ein grandioses Vergnügen, für Kopf und Bauch, weil: Hier haben sich zwei außergewöhnliche Rhythmiker gesucht - und gefunden.

Der Rhythmus ist der Herzschlag des Jazz, dessen Wurzeln sich in Afrika befinden. Doch es gibt in diesem Metier auch einige europäische Vollblutschlagzeuger, die dem Instrument eine völlig eigenständige und nicht allein vom Swing bestimmte Note geben. Einer von ihnen ist Pierre Favre. Geboren 1937 in dem kleinen Ort Le Locle, im Schweizer Kanton Neuenburg, musizierte er als Autodidakt schon Mitte der 1950er Jahre im Profilager des Jazz. Anfangs noch ein glühender Verfechter des Bebop - der auch dem traditionellen Jazz offen gegenüber stand - bestimmte er anschließend als treibender Motor in führenden europäischen Big Bands den Takt. 1976 entschloss sich Favre mit einem riesigen Arsenal an Gongs, Cymbals, Becken und Trommeln solistisch aufzutreten und bis heute Alben aufzunehmen. „Das Körperliche, Artistische, Physische übt auf mich keine Faszination aus“, erzählte er vor einigen Jahren in einem Interview mit Patrick Landolt. Und „ … ich gebe mir Mühe, mit einem unmusikalischen Instrument sehr viel Musik zu machen.“
So hat sich Favre zu einem Klangmaler entwickelt, einem Tonpoeten am Schlagwerk, das bei ihm so gar nicht arachaisch klingt. Selbst in seinem Solospiel ist eine Art orchestrale Vielfalt an Farben und Atmosphären zu spüren, die dem Ergebnis einer Vielstimmigkeit von Einflüssen geschuldet ist. Mit einer sanften Dringlichkeit kommt seine überragende Klangästhetik zum Ausdruck. Er gehört zu jenen Musikern, die in der Lage sind, an ihrem Instrument Geschichten zu erzählen, packende Geschichten, die zärtlich und formbewusst klingen.
Diese Herangehensweise hat Favre seit Mitte der 1980er Jahre mit seinem Ensemble Singing Drums dann noch erweitert. Es ging ihm um einen perkussiven Austausch von Kulturen und Persönlichkeiten. Hierfür holte er in sein Quartett den amerikanische Schlagzeuger Paul Motian (1931 – 2011), den Schweizer Meistertrommler Fredy Studer (1948 – 2022) und den brasilianischen Perkussionisten Nana Vasconcelos (1944 – 2016). Und wie die Vier hier Miteinander musizieren, kommt einem freien Gedankenaustausch sehr nahe. Ein rhythmischer Dialog der Kulturen Nord- und Südmarikas, sowie Eurpas, auf der Grundlage des Jazz-Drummings. Alle gehen sie hier gemeinsame Wege, sich untereinander unterstützend, ergänzend, assistierend, um dann die kollektiven Pfade für individuelle Abenteuer zu verlassen. Letztendlich kommen dann alle mit den unterwegs gesammelten Erfahrungen in die Gemeinschaft zurück und Neues entsteht. Sie schaffen eine Balance zwischen An- und Entspannung, sie bauen dramaturgisch an einem Gerüst und lassen es wieder in sich zusammenfallen, sie wechseln zwischen Präzision und Freiheit und übersteigen so alle Grenzen und Vorurteile. Trommeln als gelebte Völkerverständigung – in diesem Fall weit mehr als eine Metapher.
Jörg Konrad

Pierre Favre
„Singing Drums“
(ECM, 1984)

William Shakespeare und Edgar Allan Poe vereint, dass sie ihre Geschichten, Tragödien und Gedichte mit wahnhaften Charakteren anreichern. Teils handelt es sich um historische Figuren und ihre dramatischen, oft an Paranoia angelegten Lebensläufe (Shakespeare), teils handelt es sich um fiktive Gestalten, die in irrationale Handlungsabläufe geraten bzw. aufgrund eigener seelischer Phantasmen absurdes erleben (Poe).
Ronald Shannon Jackson (1940 - 2013), Schlagzeuger aus Fort Worth, Texas, und Gallionsfigur des sogenannten Free-Funk, brachte auf dem Album „Pulse“ zwei Texte der Autoren in einem Solo-Stück unter: „Richard III, Raven“. Jackson gelingt es, aufgrund seiner schwer berechenbaren Licks und der Spontanität nonkonformistische Charaktere zu formen. Sein körperbetonter Trommel-Stil, die explosionsartigen Offensiven, die Einbeziehung von abrupten Momenten der Stille, die immer neuen Wendungen vom Blues zum Swing, vom Funk zum Free, vom Rock zum (African-)Folk, von simplen Takten zu Polyrhythmen. All dies kommt den sprunghaften, abseitigen, unkonventionellen Figuren des englischen Dramatikers und des amerikanischen Erzählers sehr entgegen. Jacksons Puls lebt von ungraden Metren, von Energie und harten Breaks. Er verbindet in seinem Spiel das Ursprüngliche und das Zivilisatorische, was immer ein wenig nach dem wohl geordneten Chaos klingt. Oder nennen wir es eine organisierte Unabhängigkeit, die jede Kommerzialität ausspart und als eine Art strukturierter Naturgewalt zu verstehen ist. Im Zusammenspiel mit der spektakulären Technik ist die Kunst des Trommlers nach allen Seiten offen, so dass er auch mühelos seine Stimme einbringen kann. Er schnalzt, schnurrt und knurrt, jodelt kehlig, inhaliert Vokale, er ist auch vokal ein rhythmisches Kraftwerk, das schaudernd macht, oder zumindest gewaltig aufwühlt. So wird „Richard III, Raven“ zum Herzstück dieses Albums – man sollte es zum Schluss hören, weil danach nichts mehr klingt wie zuvor!
Jörg Konrad

Ronald Shannon Jackson
„Pulse“ ist nur noch antiquarisch auf Vinyl zu bekommen.
Die 1999 erschiene CD „Puttin' on Dog“ (Knitting Factory) enthält sämtliche Aufnahmen von „Pulse“. Jedoch wurde die Reihenfolge der Titel verändert.