Es ging alles ein wenig arg schnell. Und das schon, bevor das erste Wort aus Nelio Biedermanns Roman „Lázár“ offiziell erschien. Da waren die Verträge nämlich schon unter Dach und Fach, dass dieser gut 330 Seiten starke Debüt-Roman in 20 Ländern erscheinen würde. Der Autor: Gerade einmal 22 Jahre. Stürmte hier ein Jahrhunderttalent das erste Dutzend der Bestsellerplätze? Der Marketing-Plan war auf jeden Fall wirkungsvoll.
„Lázár“ ist eine Familiengeschichte, in deren Mittelpunkt Lajos steht, ein um 1920 geborener Adliger „ … das durchsichtige Kind mit den wasserblauen Augen …“. Lajos wächst im Kreise eine komplexen Familiendynamik im Waldschloss im Süden Ungarns auf, einem ebenso mythenumwobenen wie von harter Realität gezeichneten Ort. Er erlebt von hier aus den endgültigen Untergang der österreichisch-ungarischen Monarchie, das Aufkeimen von totalitären Systemen und auch das Erlernen der Kunst des Überlebens nimmt von hier aus seinen Lauf.
Es sind etliche kleine Lebensgeschichten, Ausschnitte und Anekdoten, eingebettet in die große europäische Weltgeschichte, die Nelio Biedermann hier miteinander geschickt wie emotional verzahnt. Das Aufbrausen und Lärmen der Weltgeschichte ist allenthalben zu spüren, ob in der verruchten Nazizeit oder während der Schreckenseroberung und anschließenden Schreckensherrschaft der Sowjetunion, bis in die Hoffnung suggerierenden 1950er Jahre.
Biedermann bricht diese ganze gesellschaftliche Katastrophenstimmung immer wieder mit kleinen erotischen Szenen auf und lässt zudem ein ganzes Tableau an Weltliteraten durch die Szenerien geistern. So wird der geistige Verfall von Imres Onkel mit Zitaten aus E.T.A. Hoffmanns „Nachtstücken“ kommentiert, Simone de Beauvoir und Virginia Woolf stehen für ein von Feminismus gezeichnetes Frauenbild von Imres Töchtern, es werden Thomas Mann und Arthur Schnitzler bemüht und so bekommt diese ganze Geschichte einen hehren Anspruch, den der 22jährige zwar literarisch wunderbar formuliert, aber zusammenfassend doch nicht durchgängig erfüllen kann.
Der Text selbst berührt in seiner unaufgeregten prosaischen Art. Hier hat einer den passenden Ton gefunden - auch für die Zeit in der wir leben und dieses Buch schließlich lesen. Denn diese Zeit ist in ihrer ganzen Ungeheuerlichkeit die der vergangenen Epochen.
Hoffen wir, dass Nelio Biedermann nicht über die Maßen zu einem medialen Ereignis stilisiert wird, dass er nicht in Talkshows und anderweitigen Gesprächsrunden inflatiös herumgereicht wird, bis von seiner bemerkenswerte Authentizität und seinem absoluten Talent nur noch wenig übrig ist. Aber wie will jemand, der schon jetzt derartigen Erfolg hat, bei sich bleiben? Aber warten wir, was nocht kommt. Gespannt sind wir allemal.
Alfred Esser

Nelio Biedermann
„Lázár“
Rowohlt

Sein letztes offizielles Album „Bad As Me“ stammt aus dem Jahr 2011. Der letzte Film, in dem er auftrat, war „Father Mother Sister Brother“, der unter der Regie von Jim Jarmusch vor erst wenigen Wochen in Venedig mit dem „Goldenen Löwen“ ausgezeichnet wurde. Tom Waits geistert seit über fünf Jahrzehnten durch den kulturellen Underground der USA. Und wenn der eine oder andere zu Anfang noch glaubte, diese gequälte Stimme aus dem Rinnstein und dieses prägnante Gesicht sei im Grunde nur Masche, der wurde peu á peu eines besseren belehrt. Denn Waits begann im Laufe seiner Karriere künstlerisch zu wachsen, seine Platten wurden mit der Zeit ebenso sperriger, wie sie vollendeter klangen; die Filme, denen er Stimme und Charakter lieh, lebten nicht selten erst durch seine kauzige, manchmal auch teuflische Art. Unvergessen in dem Episoden-Streifen der Coen Brüder „The Ballad of Buster Scruggs“, in dem Waits einen namenlosen Goldsucher verkörpert, der mit seinem Tun in die unberührte Idylle der Natur einbricht. Er ist der Gegenentwurf zur Hightech-Kunst, der Prototyp des melancholischen Trunkenboldes.
Beinahe die Hälfte seines Lebens begleitete der niederländische Fotograf Anton Corbijn Waits. Die Zusammenarbeit gipfelte in dem 2013 erstmals erschienenen, großformatigen Bildband „Waits / Corbijn“. Die editierte Sammleredition war noch bevor sie in den Handel kam ausverkauft. Nun haben die beiden grünes Licht zu einer unlimitierten, leicht verkleinerten, aber inhaltlich unveränderten Ausgabe gegeben. Schirmer/Mosel machen es möglich – mit einem einführenden Text von Jim Jarmusch.
Die Karrieren der beiden sind im Grunde untrennbar miteinander verbunden. „Ich arbeite gern mit Anton“, erzählt Waits, „er ist ein Mensch mit Standpunkt. Glauben Sie mir, nur mit einem Dracula-Umhang vom Felsen zu springen, das mach ich nicht für jeden.“ Und Corbijn erläuterte: „Es kommt nicht oft vor, dass man jemanden mehr als 30 Jahre photographiert. … Wir nehmen unsere Arbeit sehr ernst, aber wenn es um gemeinsame Sachen geht, sind wir wie Kinder, die nicht erwachsen werden wollen. Es ist befreiend und eine legale Droge, die wir dringend brauchen.“
Dieser Band präsentiert nicht nur 145 Portraits, die Anton Corbijn von Tom Waits über vier Jahrzehnte aufnahm. Er enthält auch etlichen überwiegend fotografische Arbeiten von Waits, Gedanken und Skizzen, die nie zuvor veröffentlicht wurden.
Waits steht inhaltlich für all jene Künstler, die vom Straßenrand hochgespült wurden und von denen er sich inspiriert fühlt: Jack Kerouac, Sonny Terry und Brownie McGhee, Frank Zappa und Captain Beefheart, Dr. John und Allen Toussaint, Howlin’ Wolf, Keith Richards und Marc Ribot. Eine illustre Schar an kreativen Köpfen, ohne die unsere Kulturwelt heute um etliches ärmer aussehen und klingen würde.
Anton Corbijn arbeitete unter anderem mit den Rolling Stones, U2, Frank Sinatra, Nick Cave, Depeche Mode, Henry Rollins und Nirvana. Er drehte (preisgekrönte) Filme wie „Control“, „The American“ oder „A Most Wanted Man“ und dutzende Musikvideos. Ein visueller Künstler, der das ausgehende 20. Jahrhundert und den Beginn des 21. Jahrhunderts wie kaum ein anderer belichtet und dokumentiert hat. Zwei große Erzähler sind in diesem Band vereint, denen die akustische und visuelle Identität am Herzen liegen, die die Kratzer auf den glänzenden Oberflächen lieben – weil man dadurch auch einen Teil darunter sieht.
Jörg Konrad

Als vor mehr als hundert Jahren das Bühnenstück „Reigen“ von Arthur Schnitzler zum ersten Mal vollständig aufgeführt wurde, kam es zum größten Theaterskandal des Jahrhunderts. Es gab Krawalle, Prozesse und Verbote wegen angeblicher Obszönität und Pornographie.
In den zehn erotischen Dialogen des Stückes finden sich zehn Figuren jeweils zu einem Paar zusammen, und jedes Mal kommt es zu einer sexuellen Begegnung. Nach jeder Szene wechselt eine der Figuren zu einem neuen Partner, wobei alle sozialen Schichten - vom Proletariat bis zur Aristokratie - repräsentiert sind, bis sich im letzten Akt der Kreis schließt und der Graf wieder bei der Dirne landet. Schnitzler hat sein desillusionierendes Stück eine Komödie genannt. Er hält der Gesellschaft des Fin de siècle in satirischer Überspitzung den Spiegel vor und entlarvt ihre Verlogenheit und Doppelmoral.
Roland Schimmelpfennig, einer der meistgespielten Dramatiker unserer Zeit, nennt den „Reigen“ einen Meilenstein der Theatergeschichte. In seinem Buch „Sie wartet, aber sie weiß nicht, auf wen“ übernimmt er weitgehend das Strukturprinzip, das Personal und die Schauplätze der einzelnen Akte und überträgt das Ganze in die Gegenwart. In kurzen, prägnant erzählten Szenen begegnen sich zehn Figuren aus unterschiedlichen sozialen Schichten im zyklischen Liebesreigen. Der eigentliche Liebesakt wird, wie bei Schnitzler, nur angedeutet und nie auserzählt.
Ein großer Unterschied zu Schnitzlers Werk ist, dass Schimmelpfennig kein Drama, sondern einen Roman geschrieben hat. So kann er noch weiter in die Innenwelten der Figuren eintauchen, in ihre Gedanken- und Gefühlswelt. Allerdings erkennt man auch den Dramatiker, wenn er an den Anfang jedes neuen Kapitels eine Art Regieanweisung setzt, in der wie im Drama Ort und Atmosphäre der Szene charakterisiert werden. „Sie wartet, aber sie weiß nicht auf wen. Die meisten Leute meiden um diese Uhrzeit den Park. Es ist eine warme Nacht, Ende Juni. Der Wind rauscht leise in den alten Bäumen…“ So beginnt das erste Kapitel des Buches, und es schlägt bereits den Ton des ganzen Romans an, in dem gleichzeitig Einsamkeit, Hoffnung und Bedrohung mitschwingen.
Wer hier wartet, ist die Prostituierte Alejandra, die als Mann Karim heißt und sich zwischen den Geschlechtern bewegt. Sie wird im Park einem Soldaten begegnen und mit ihm Sex haben. Schnitzler nennt die Figuren des ersten Aktes nur die „Prostituierte“ und den „Soldaten“. Bei Schimmelpfennig haben sie dagegen Namen, sie sind nicht nur Repräsentanten einer Klasse, sondern Menschen mit einer Geschichte. Und ihre Geschichten sind typisch für unsere Zeit: Karim musste als Homosexueller aus dem Iran fliehen und hält sich in Deutschland durch Prostitution über Wasser; Martin, der Soldat, ist schwer traumatisiert von einem Einsatz in einem Kriegsgebiet zurückgekehrt. Während der Radius des Schnitzlerschen Personals ganz auf das Wien der Jahrhundertwende beschränkt bleibt, ist im modernen Roman die Welt der Figuren sehr viel weiter und gefährlicher geworden, die Geschlechter sind nicht immer eindeutig definiert, Gewalt und Drogen spielen eine große Rolle.
Schimmelpfennig zeichnet in unterschiedlichen Spielarten ein pessimistisches, entzaubertes Bild von der Liebe in unseren Zeiten. An einem Ehepaar aus der gebildeten Mittelschicht, das im Roman eine zentrale Rolle einnimmt, zeigt der Autor zwei extrem gegensätzliche Vorstellungen: Der Ehemann, ein älterer Intellektueller, ist der einzige, der noch an einem romantischen Liebesideal festhält. Für ihn ist die Liebe eine metaphysische Kraft. Seine Frau dagegen empfindet seinen Wunsch nach Treue als besitzergreifend und sucht bei häufig wechselnden Partnern schnellen, unverbindlichen Sex.
Die meisten Figuren des Romans haben Verlust - und Entwurzelungserfahrungen erlebt und erwarten sich in flüchtigen Liebesbegegnungen allenfalls ein wenig Halt oder bessere Aufstiegschancen. In der letzten Gestalt des Reigens, einem Filmproduzenten, kann man eine Anspielung auf Harvey Weinstein erkennen. Er wird als brutaler Zyniker gezeigt, dem es bei seiner Triebbefriedigung vor allem um Macht geht.
Und doch gibt es im Roman auch immer wieder Momente von Hoffnung, von Mitgefühl, Zärtlichkeit und Solidarität.
Mit „Sie wartet, aber sie weiß nicht, auf wen“ hat Roland Schimmelpfennig einen harten, melancholischen Roman geschrieben, der sich packend liest und den Vergleich mit seinem großen Vorbild nicht scheuen muss.