Landsberg. Nikolai Wassiljewitsch Gogol war eine exzentrische Persönlichkeit. Vielleicht ähnelte er ja in bestimmten Lebensabschnitten, zumindest was Wesen und Charakter eines Beamten betrifft, einigen der Hauptfiguren aus seinen literarischen Arbeiten. So zum Beispiel dem Stadthauptmann Anton Antonowitsch Skwosnik-Dmuchanowskij in der Komödie „Der Revisor“, die am vergangenen Dienstag vom Landestheater Tübingen im Stadttheater Landsberg aufgeführt wurde. Ein Stück, das Gogol 1835, damals 25jährig, in seiner St. Petersburger Zeit und unter dem Einfluss seines Freundes Puschkin schrieb. Hier karikierte und entlarvte Gogol, der selbst einige Jahre Beamter im Staatsdienst war, die überhebliche, korrumpierbare wie opportunistische Lebensart des russischen Bürgertums auf Schärfste. Menschliche Eigenschaften, die nicht nur die damalige Zeit vor Ort bestimmten, sondern bis heute ihre Spuren hinterlassen haben.
Das Landestheater Tübingen hält sich unter der Regie von Gregor Ture?ek textlich schon recht nahe am Original. In einer russischen Provinzstadt wird durch einen abgefangenen Brief bekannt, dass, natürlich incognito, ein Revisor zur Inspektion erscheinen wird. Die Honoratioren der Stadt stehen Kopf, reagieren panisch, weil damit ihre Täuschungen, Betrügereien und Korruptionen auffliegen könnten. Allen voran Stadthauptmann Anton Antonowitsch Skwosnik-Dmuchanowskij, in seiner ironischen Naivität wunderbar verkörpert von Gilbert Mieroph.
Nun verwechselt das aufgeschreckte Bürgertum den angekündigten Revisor mit einem zufälligen Gast, der von Stephan Weber arrogant breitspurig in Szene gesetzt wird und der samt Diener im Wirtshaus des Ortes abgestiegen ist. Womit das Verwirrspiel beginnt.
Abgesehen vom Text inszeniert Gregor Ture?ek das Stück als eine funkenstiebende, alle Register der Albernheit ziehende Trash-Komödie. Angefangen beim Bühnenbild (Juliette Collas), einem cremefarbenen Schwimmbad in geometrischen Grundformen, weiter über die Kostüme, der Stadthauptmann in einer Fantasieuniform mit kurzen Hosen und Schwimmflossen oder die beiden Gutsbesitzer Bobtschinskij und Dobtschinskij in weißer Badehose und grüner Badekappe, bis hin zu hysterischen Slapstickeinlagen und Videosequenzen samt Rock-Roll Musik - Ture?ek und sein Ensemble geben einfach Vollgas.
Und das ist zugleich das Beste was sie diesem Stück antun können. Eben nicht die kritischen Sichtweisen und Anleihen samt ihren Bezügen in die Gegenwart korrekt zu persiflieren, sondern die Realitäten mit vollem Risiko und spöttisch zu brandmarken, sie wie ein unterbelichtetes Musical ausstaffieren, um damit die Absurdität von Filz und Opportunismus und Bürokratie auf den Punkt zu bringen. Nur so bekommt man die (Schein-)Investoren, (Bau-)Unternehmer und politischen (Volks-)Vertreter bis in unsere Tage entlarvend dargestellt. Statt Empörung und Machtlosigkeit sie der Lächerlichkeit und Eugenspiegelei preis zu geben.
Das Ensemble ist durchgehend großartig besetzt, hat spürbaren Spaß an dieser Inszenierung, der auf das Publikum ansteckend wirkt. Vielleicht weil „Der Revisor“ eben nicht nur als ein revolutionäres Stück der zaristischen Bürokratie verstanden werden kann.
Jörg Konrad

Germering. Es war das 119. Konzert und zugleich sein letztes. Der Germeringer Hans-Jürgen Schaal hat seit über sechzehn Jahren mit seiner Jazz-Auswahl Musikenthusiasten aus nah und fern begeistert.
Als am 27. April 2007 die japanische Pianistin Aki Takase in der Stadthalle auftrat, wussten die wenigsten, dass dieses Gastspiel eine Art Testballon war. Würde es sich lohnen, im Landkreis eine neue Jazzreihe zu präsentieren? Das Konzert war ausverkauft – und die Entscheidung damit gefallen. Seitdem hat Hans-Jürgen Schaal in Zusammenarbeit mit der Stadthalle große und angehende Stars präsentiert, nationale und internationale Virtuosen vorgestellt. Von Abraham Burton & Eric McPherson, über Mary Halvorson bis Christoph Stiefel, Luciano Biondini und Lajos Duda. Die Reihe hat den langwierigen Umbauarbeiten der Spielstätte getrotzt und vor allem die Corona-Pandemie, trotz mancher Rückschläge, überlebt. So konnte der gebürtige Stuttgarter und Autor zahlloser Jazzbeiträge für Zeitschriften und den Rundfunk, den Musikgeschmack der Germeringer über eineinhalb Jahrzehnte förmlich prägen.
Am Freitag erfüllte sich Hans-Jürgen Schaal zum Abschluss „seiner“ Reihe mit dem Gastspiel von Philip Catherine und Martin Sasse noch einen Herzenswunsch. Der belgische Gitarrist Catherine, Jahrgang 1942, gehört zu jenen Musikern, die den europäischen Gedanken von Tradition und Moderne, von Jazz und Rock und Sintiswing seit Jahrzehnten ausleben. Er hat mit Larry Coryell, Joachim Kühn, Paulo Morello und Sven Faller gespielt – die alle, dank Hans-Jürgen Schaal, ebenfalls schon Gast bei Reihe Jazz It waren.
In Germering saß der Saitenmagier neben dem Pianisten Martin Sasse. Das Programm bestand überwiegend aus Klassikern des Jazz, Kompositionen unter anderen von Jimmy Davis und Ram Ramirez, Irving Berlin, Charlie Chaplin und Sam Rivers. Beide Instrumentalisten einigten sich im Vorfeld auf ruhige Interpretationen und stellten bei ihrem gemeinsamen Vortrag auch stärker das Liedhafte dieser Songs heraus, Balladen, die jedoch selbst in ihrem langsamsten Format noch ein untrügliches Zeichen von Swing verströmten. Catherine beeindruckt auch heute noch, zumindest wenn er wie in den letzten Jahren ohne großes elektronisches Equipment auftritt, mit diesem unvergleichlichen Django Reinhardt-Vibrato. Und natürlich mit seiner unbekümmerten Einfachheit, die seine Interpretationen vermitteln. Er ist einer der wenigen Gitarristen, die nach der im Jazz nicht oft anzutreffenden Maßgabe spielen: weniger ist mehr! So war die Stimmung im Amadeussaal eher melancholisch angehaucht. Formvollendete Nachdenklichkeit wurde ihm schon vor etlichen Jahren attestiert. Oder, so könnte man den Auftritt von Catherine und Sasse auch bezeichnen: Brillante Intimität in Großaufnahme.
Jörg Konrad

Ab Januar übernimmt nun der Bassist und Komponist Sven Faller den Staffelstab und wird das zukünftige Jazz It - Programm in Germering zusammenstellen. Die fünf Konzerte für 2024:
26.01.2024 Anna Maria Sturm
12.04.2024 Ulf Wakenius & Paulo Morello Duo
12.07.2024 Tim Collins & Matthias Bublath
25.10.2024 Anke Helfrich Trio

Fürstenfeld. Das diesjährige Abschlusskonzert der JazzFirst Reihe im Veranstaltungsforum Fürstenfeldbruck bestritt der Münchner Rock- und Jazzchor VoicesInTime. Damit alle Fans der Jazzreihe und des Chores in den Saal passten wurden noch ein paar Extrareihen mit Stühlen aufgestellt – ausverkauftes Haus! Der Chor kam auf die Bühne und eröffnete den Abend mit zwei Songs, die mitreißend vorgetragen wurden und gleichzeitig zum Nachdenken anregten: „Stefania“ vom ukrainischen Kalush Orchestra und dem Anti-Kriegssong „Brothers In Arms“ von Mark Knopfler. Als Opener des Abends zwei gelungene Statements angesichts der aktuellen politischen Lage in der Ukraine und im Nahen Osten.

Alles in allem ein wunderbar enstspannter, kurzweiliger Konzertabend, der perfekt zur Vorweihnachtszeit passte. Nach drei Zugaben: „Bella Ciao“, „Mary, Did You Know“ sowie Billie Eilish‘s Bond Song „No Time To Die“ wurde das beglückte Publikum in den winterlichen Abend entlassen.

Weiter geht es im neuen Jahr im Rahmen der JazzFirst Reihe dann am 28.02. mit dem Jakob Manz Projekt, am 10.04. dem Helge Lien Trio und am 15.05. mit dem Ensemble Raab - van Endert - Tortiller.
Text & Fotos Thomas J. Krebs

Landsberg. Jazz ist heute weitaus toleranter. Er duldet mehr stilfremdes, als noch vor Jahrzehnten. Das hat den eindeutigen Vorteil, dass sich das Spektrum seiner Interpreten enorm erweitert. Der Nachteil: Das Verhältnis zwischen Kunst und Kommerz verschiebt sich hin zu letzterem.
Silje Nergaard war am Donnerstag im Rahmen ihrer kleinen Deutschlandtour zu Gast im Landsberger Stadttheater. An ihrer Seite: Pianist Espen Berg. Ein Duo, das das Publikum der Jahreszeit entsprechend mit Weihnachtsliedern in Stimmung brachte. Nicht swingend, wie einst Ella Fitzgerald oder Bing Crosby, auch nicht lasziv mondän, wie es die Art der Kanadierin Diana Krall ist und auch nicht mit dieser kammermusikalischer Intensität eines Till Brönner. Silje Nergaard und Espen Berg stellten deutlicher die Balladenkunst im winterlichen Festtagsgewandt ins Zentrum ihres Vortrags. Und die hatte mit jazzigen Blue Note's nur am Rande zu tun.
Nergaards Gesang und ihre Art der Interpretation ging mehr in den Bereich einer Popikone. Nicht das schleppende Knowhow des Blues und auch nicht die beiläufigen Intervallwechsel des Bop standen im Mittelpunkt ihres Auftritts. Der Gesang der Norwegerin ist sanft und gefühlvoll, besitzt kaum Vibrato, lebt von einer stark emotionsgeladenen Ästhetik. Die Minimalisierung ihrer stimmlichen Mittel ist dem Programm geschuldet. Sie steht mit ihrer Regelmäßigkeit der Tonhöhen, den Längen ihres Tonfalls und ihrem Timbre hörbar in einer europäischen Song-Tradition. Da passt es, dass sie in jungen Jahren beim Vorentscheid des Grand Prix Eurovision de la Chanson ihr Heimatland vertreten hat.
Espen Berg an ihrer Seite ist ein Pianist mit Feingefühl, ein begleitender Gestalter par excellence. Er „eskortierte“ die Sängerin im besten, im klassischen Sinn. Ein Vertrauter, der verlässlich ist und Sicherheit gibt. Die Momente die ihm in den Songs solistisch zur Verfügung stehen, nutzt er mit kleinen pianistischen Kabinettstücken, driftet mutig in einen Boogie Woogie und zitiert in diesem Kontext Figuren aus dem Zeitalter des Ragtime. Für ein eigenes Stück greift er tief in die Schublade der Improvisation, begeistert mit einem entgrenzten Soloausflug, der zugleich Brad Mehldau, Keith Jarrett und Esbjörn Svensson streift. Nicht kopiert wohlgemerkt. Aber seine impressionistische Architektur ist im Hier und Heute angelegt und da kommt man an diesen Monumenten nun einmal nicht vorbei.
Silje Nergaard und Espen Berg kennen sich seit Jahren, haben miteinander aufgenommen und sind gemeinsam getourt. Das ist spürbar. Zwischen ihnen scheint die Chemie zu stimmen. Sie wissen vom jeweils anderen in welche Richtung es geht, welche musikalischen Haken er schlägt und welche eben nicht. Berg hält sich zu achtzig Prozent an Nergaards Vorgaben und die Sängerin weiß, was sie an ihrem Pianisten hat. Wie mögen sie klingen, wenn mehr musikalisches Risiko im Spiel ist? Wenn das Repertoire nicht nur aus gefühligen Weihnachtssongs besteht? Nun, dann wäre mit Sicherheit auch kein begeistertes Publikum zu erleben, das unbegleitet „Stille Nacht, Heilige Nacht“ sang und dem Abend dadurch eine ganz besondere Note gab.
Jörg Konrad

Fürstenfeld. Es gibt ganze Kompendien, die das Thema Kommunikation füllen. Hier lassen sich Definitionen finden, werden Arten und Modelle beschrieben, findet eine Differenzierung statt. Letztendlich dreht sich aber alles um den Austausch von Informationen und Gefühlen mit Hilfe von Sprache, Zeichen und, was leicht vergessen wird: mit und auf der Grundlage von Tönen! Dies alles wird aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet, eingeordnet, analysiert.
Masako Ohta, die aus Japan stammende und heute in München lebende Pianistin und das Münchner Kindl, der Trompeter Matthias Lindermayr, nutzen seit einigen Jahren im musikalischen Miteinander ihre Instrumente. Dieser findet auf der Grundlage von Kompositionen und mit den Möglichkeiten der freien Assoziation, sprich der Improvisation statt. Der unmittelbare Austausch beider geriet am Mittwochabend in Fürstenfeld bei Jazz First beeindruckend. Weniger nach dem Prinzip des Unterteilens in Sender und Empfänger. Eher in Form eines gleichberechtigten, öffentlichen Gedankenaustauschs zweier hochsensibler Musiker.
Vielleicht könnte man den Duo-Auftritt beider auch als einen feinsinnigen Austausch von (musikalischen) Argumenten bezeichnen, wobei man vorausschicken sollte, dass während des gesamten Konzerts so etwas wie eine Art Seelenverwandtschaft die Grundlage bildete und für die Zuhörer spürbar war.
Dieser Dialog war trotz manchem klanglichen Kontrapunkt selten ein Kampf. Und wenn doch, dann weniger gegen- als miteinander. Vielleicht kann man auch von einem Pas de Deux, einem tänzerischen Paarlauf auf den Schwingen der Musik sprechen. Berührend das vorsichtige Herantasten beider an das Zentrum eines jeden Stückes. Man spürt, dass sich Masako Ohta intensiv mit Poesie beschäftigt. Sie schafft mit ihrem ruhigen Spiel weite Räume, lässt sich beim Entwickeln der schwebenden Töne Zeit und bringt in ihren Vortrag stärker Kammermusik und die Moderne mit ein, als dass sie sich in einen bluesorientierten Jazz stürzt. Matthias Lindermayr ist der klare Geschichtenerzähler. Sensibel, aber nicht sentimental; bestimmt, aber mit einem Hang zum Melancholischen. Fast ohne Vibrato auskommend erinnert manches in seinem Spiel an Trompetenlyriker von Kenny Wheeler bis Avishai Cohen.
Zusammnen bilden Masako Ohta und Matthias Lindermayr auf der Bühne eine Einheit, eine Einheit, in der sich niemand zugunsten des anderen aufgibt, sondern in der sich das Kreative auf dem Rücken von Spannung und (verhaltener) Intensität potenziert. Letztendlich ein musikalisches Ereignis - dieses Traumduo.
Jörg Konrad

Fürstenfeld. Karl Lippegaus, Musikjournalist aus Profession und einer der besten auf seinem Gebiet, hat vor Jahren ein bemerkenswertes Buch mit dem Titel „Die Stille im Kopf“ geschrieben. Im Grunde drängt sich der Gedanke auf, beide Dinge würden sich ausschließen, seien ein Paradox an sich: Musik und Stille. Aber auf 250 Seiten beschäftigt sich Lippegaus mit Musik und Musikern, denen die Stille in ihrem Tun mindestens ebenso wichtig ist, wie die Töne, die sie entwickeln. Allein weil der Kontrast zur Stille ihren Kompositionen und Improvisationen eine völlig neue Dimension gibt.
Martin Kälberers Musik der letzten Jahre ist ebenfalls getragen von einer (inneren) Ruhe, von tonarmen Sequenzen, von sparsamen Noten, von Melodienskeletten, die letztendlich neue Klangwelten erschließen.
Am Samstag hat Kälberer im (ausverkauften) Kleinen Saal des Veranstaltungsforums Fürstenfeld eine dieser reduzierten musikalischen Reise unternommen. Kaum etwas geriet an diesem Abend virtuos, oder lebte von exzeptionellen Interpretationen. Die Stimmung im Saal, die musikalische Stimmung, war gedämpft bis tröstend, vermittelte inhaltlich etwas von kontemplativer Entspannungsmusik, die auf der Bühne an Klavier, Electronics, Stimme und verschiedenen Perkussionsinstrumenten, allen voran dem Hang, Live entwickelt wurde.
Kälberer variierte die knappen melodischen Skizzen, durchsetzte sie mit Ambient-Sounds und schuf damit Emotionen von besonderer Eindringlichkeit. Mit diesen Tonfragmenten und Stimmungsfeldern mäanderte er so in den Außenbereichen und Randbezirken dessen, was man gemeinhin als populäre Musik bezeichnet. Man könnte dies Art des Musizierens auch als den Soundtrack zu den Melancholien des Alltags bezeichnen. Brian Eno formulierte dies in einem Interview mit Karl Lippegaus, das in jenem „Die Stille im Kopf“ nachzulesen ist, folgendermaßen: „Die Dinge, die, glaube ich, eine Veränderung in den Menschen bewirken können, sind die leiseren: die sich ganz allmählich ins Bewusstsein einschleichen und unsere gesamte Sicht der Dinge verändern.“
Jörg Konrad