KARIN KNEFFEL. IM BILD

Franz Marc Museum Kochel

Ausstellung vom 29. Mai bis 10. Oktober 2022

Karin Kneffel (*1957), Meisterschülern Gerhard Richters an der Kunstakademie Düsseldorf, beschäftigt sich seit über zehn Jahren in einer Serie von Gemälden und Aquarellen mit den Krefelder Villen Haus Lange und Haus Esters, die von Ludwig Mies van der Rohe Ende der zwanziger Jahre gebaut wurden. Karin Kneffel verfolgte den Weg der Gemälde und Skulpturen er bedeutenden Kunstsammlung von Hermann Lange bis in die Museen, in denen sich diese Werke heute meist befinden. Dabei werden die Situationen auf ihren Bildern verunklart: Heute oder früher? Realität oder Fiktion?  – wird der irritierte Betrachter sich fragen, dessen Blick in unbekannte Räume durch beschlagene oder mit Regentropfen überzogene Scheiben gebrochen wird.Der durch die illusionistische Malerei Kneffels hervorgerufene Trompe l´Oeil -Effekt zieht eine Grenze zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Er macht bewusst, dass die Werke der Sammlung Lange neben ihrer heutigen strahlenden Präsenz im Museum eine Geschichte haben, die auf den Gemälden abzulesen ist. Zum Bespiel gelangten August Mackes Große Promenade oder Wassily Kandinskys Improvisation 21 aus der privaten Villa Herrmann Langes in verschiedene museale Räume bis sie im Franz Marc Museum vorläufig „ankamen.
Neben über dreißig Gemälden von Karin Kneffel zeigt die Ausstellung Werke der klassischen Moderne, Bilder von Kokoschka, Kandinsky, Macke und Kirchner, die man in den Gemälden Kneffels wiederentdeckt.

Neben über dreißig Gemälden Karin Kneffels zeigt die Ausstellung Werke der klassischen Moderne, Bilder von Kokoschka, Kandinsky, Macke und Kirchner, die man in den Gemälden Kneffels wiederentdeckt. So entsteht ein Dialog zwischen ihren Bildern und den vor mehr als 100 Jahren entstandenen Werken der deutschen Avantgarde, ein Wechselspiel, das vom Betrachter nachvollzogen wird.
Karin Kneffel (*1957), Meisterschülern Gerhard Richters an der Kunstakademie Düsseldorf, beschäftigt sich seit über zehn Jahren in einer Serie von Gemälden und Aquarellen mit den Krefelder Villen Haus Lange und Haus Esters, die von Ludwig Mies van der Rohe Ende der zwanziger Jahre gebaut wurden. Die Künstlerin ging von zeitgenössischen Fotografien der Innenräume aus, auf denen Werke der bedeutenden Kunstsammlung von Hermann Lange zu sehen sind. Karin Kneffel verfolgte den Weg seiner Gemälde und Skulpturen bis in die Museen, in denen sich diese Werke heute meist befinden. Dabei werden die Situationen auf ihren Bildern verunklart: Heute oder früher? Realität oder Fiktion?  - wird der irritierte Betrachter sich fragen, dessen Blick in unbekannte Räume durch beschlagene oder mit Regentropfen überzogene Scheiben gebrochen wird.

Dieser durch die illusionistische Malerei Kneffels hervorgerufene Trompe l´Oeil -Effekt zieht eine Grenze zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Er macht bewusst, dass die Werke der Sammlung Lange neben ihrer heutigen strahlenden Präsenz im Museum eine Geschichte haben, die auf den Gemälden Karin Kneffels abzulesen ist. August Mackes Große Promenade oder Wassily Kandinskys Improvisation 21 gelangten aus der privaten Villa Herrmann Langes in verschiedene museale Räume bis sie im Franz Marc Museum vorläufig „ankamen“. Neben den Gemälden Karin Kneffels, die ihre Vergangenheit spiegeln, verändert sich unser Blick auf diese Bilder.

Franz Marc Museum

Mittenwalder Str. 50,

82431 Kochel am See

Abbildung:

Karin Kneffel, Ohne Titel, 2016/06 Sammlung Timm Moll,

Foto: Karin Kneffel, © VG Bildkunst 2022

Fragments, or just Moments

Museum Haus der Kunst München

Ausstellung vom 10. Juni bis 23. Oktober 2022

„Fragments, or just Moments“ ist die erste institutionelle Einzelausstellung des US-amerikanischen Künstlers Tony Cokes (*1956 Richmond, Virginia, USA) in Deutschland und bildet zugleich die erste umfassende Zusammenarbeit des Haus der Kunst mit dem Kunstverein München.

„In diesem Jahr entfaltet sich das Programm im Haus der Kunst in Form von Dialogen. Dieser Austausch kann auch zwischen Institutionen stattfinden, und die Ausstellung mit Tony Cokes markiert die erste umfassende Zusammenarbeit zwischen dem Haus der Kunst und dem Kunstverein München“, so Andrea Lissoni, künstlerischer Direktor des Haus der Kunst. „Ausgehend von beiden Häusern und Archiven setzt Cokes‘ Auftragsarbeit „Some Munich Moments, 1937–1972“ das Engagement des Haus der Kunst fort, unsere Geschichte neu zu bewerten und die vielfältigen Möglichkeiten aufzuzeigen, wie Geschichte die Gegenwart definiert und gestaltet.“

Ausgehend von der historischen Verbindung zwischen den beiden in unmittelbarer Nähe gelegenen Ausstellungsorten präsentiert Tony Cokes die neue Werkreihe „Some Munich Moments 1937–1972“, die sowohl die Institutionen als auch den dazwischen liegenden öffentlichen Raum umfasst. Das audio-visuelle Werk untersucht auf Grundlage von Archivmaterial die eng miteinander verwobene Geschichte der beiden Orte während der NS-Zeit und darüber hinaus. „Some Munich Moments 1937–1972“ setzt die kulturellen Propagandastrategien des NS-Regimes in Beziehung zur visuellen Identität der Olympischen Spiele 1972 in München, die in direkter Opposition als „antifaschistisch“ und „weltoffen“ kodiert wurden.

Seit den frühen 1990er Jahren untersucht Tony Cokes in seinem Werk den Einfluss von Medien und Popkultur auf Gesellschaften. Ausgehend von einer grundsätzlichen Kritik an der Darstellung und visuellen Ausbeutung afroamerikanischer Gemeinschaften in Film, Fernsehen, Werbung und Musikvideos hat Cokes eine einzigartige Form des Videoessays entwickelt, die repräsentative Bilder ablehnt. Seine schnell geschnittenen Videos kombinieren gefundene Textfragmente mit Popmusik, die aus diversen kulturellen Quellen und Zeiten stammt. Durch die Kombination von Wort und Gesang verändert Cokes konventionelle Wahrnehmungsformen und ermöglicht ein verändertes Nachdenken über strukturellen Rassismus, Kapitalismus, Kriegsführung und Gentrifizierung. Er verwandelt so den Akt des Lesens und Hörens in eine körperliche und gemeinschaftliche Erfahrung.

„I’m interested in the resonances, the re-habitualizations, and the echoes of that historical moment in the contemporary.“ Tony Cokes

Mit „Fragments, or just Moments“ präsentiert das Haus der Kunst eine Überblicksausstellung, die ausgewählte audiovisuelle Werke aus Tony Cokes' drei Jahrzehnte umspannendem Œuvre zusammenführt. Situiert in der historisch verdichteten LSK-Galerie, dem ehemaligen Luftschutzkeller des Museums, skizziert die Ausstellung eine fragmentierte Chronologie des 20. und 21. Jahrhunderts, die sich von der Mitte der 1930er Jahre bis in die Gegenwart erstreckt. Die episodische Struktur entlang historischer Ereignisse entfaltet sich weniger als lineare Abfolge, sondern zeigt vielmehr die Verflechtungen und Verschiebungen der soziopolitischen Realitäten aus verschiedenen Zeiten auf, die unser kollektives Gedächtnis formen. Cokes thematisiert dabei die Rolle von Bild und Klang für ideologische Manipulation, Ausbeutung und Kriegsführung innerhalb eines kapitalistischen Systems, das grundlegend auf rassistischem Denken beruht. Die Ausstellung zeigt Cokes' Interesse an den Verbindungen historischer Momente sowohl untereinander als auch mit der Vergangenheit und ihrer Resonanz in unserer Gegenwart, und legt die Kontinuitäten struktureller Unterdrückung und sozialer Ungleichheit über Zeiten und Orte hinweg frei.

Die neue Werkreihe „Some Munich Moments 1937–1972“ wird sowohl im Haus der Kunst, im Kunstverein München als auch im öffentlichen Raum zu erleben sein. In der Fußgängerunterführung am Südende des Englischen Gartens und am Zaun der amerikanischen Botschaft werden Text und Tonauszüge der audiovisuellen Werke präsentiert.

Anlässlich der Ausstellung erscheint eine umfassende Publikation bei DISTANZ, die die neu produzierten Textcollagen von Tony Cokes in deutscher sowie englischer Sprache zugänglich macht und die Videoessays in Form von Stills in das Format des Buches überträgt. Durch Essays der Theoretiker*innen Tina Campt und Tom Holert, Autor und Leiter des Harun Farocki Instituts, wird „Some Munich Moments 1937–1972“ aus transnational-historischen als auch medientheoretischen Perspektiven beleuchtet. Diesen Beiträgen vorangestellt ist eine Einführung in das kollaborative Ausstellungsprojekt von Emma Enderby und Elena Setzer (Haus der Kunst) sowie Maurin Dietrich, Gloria Hasnay und Gina Merz (Kunstverein München).

Als Teil des öffentlichen Programms der Ausstellung werden in Zusammenarbeit mit dem NS-Dokumentationszentrum und dem Kurator Wolfgang Brauneis Stadtführungen angeboten, die die Kontinuitäten zwischen der Kunst des Nationalsozialismus und der Nachkriegszeit untersuchen. Ausgehend von Skulpturen im Münchner Stadtraum werden die Nachkriegskarrieren renommierter Künstler der NS-Zeit – die innerhalb des Regimes als „gottesbegnadet“ ausgezeichnet wurden – in den Blick genommen. Darüber hinaus wird Noah Barker Anfang September einen Vortrag im Rahmen der Ausstellung im Kunstverein München halten, der sich insbesondere mit den Designvorstellungen des Gestalters Otl Aicher für die Olympischen Spiele 1972 beschäftigen wird.

Haus der Kunst,

Prinzregentenstr. 1,

80538 München

Abbildung:

Tony Cokes
4 Voices / 4 Weeks
Circa, London 2021
Courtesy the artist, Greene Naftali, New York, Hannah Hoffman, Los Angeles, and Electronic Arts Intermix, New York
Photo: Melanie Issaka

Ausstellung Kallmann-Museum Ismaning

vom 26. Juni bis 16. Oktober 2022

»Kaleidoskop Expressionismus« richtet den Blick auf die Vielfalt expressiver Ausdrucksformen, die aus dem Aufbruch in die Moderne zu Beginn des 20. Jahrhunderts hervorgegangen sind und schließlich der NS-Verfemung zum Opfer fielen. Dabei werden künstlerische und politisch-gesellschaftliche Entwicklungen bis 1937 anhand von Werken aus der Sammlung Gerhard Schneider nachgezeichnet.
Neben bekannten Namen werden insbesondere auch zahlreiche Werke nahezu vergessener Künstler*innen gezeigt, einige davon erstmals öffentlich. Zudem wird ein umfangreicher Bestand an druckgrafischen Blättern zu sehen sein, die nachweislich in der Femeschau in München präsentiert wurden.
Die bedeutende Kunstsammlung von Gerhard Schneider ist zum zweiten Mal im Kallmann-Museum zu Gast. Die viel beachtete Ausstellung »›Entartete‹ Kunst – Verfolgung der Moderne im NS-Staat« war 2016 den Künstler*innen gewidmet, die von den Nationalsozialisten diffamiert und verfolgt wurden.

Sammlung Gerhard Schneider
Der Sammler Dr. Gerhard Schneider widmet sich seit fast vier Jahrzehnten den als „entartet“ verfemten Künstler*innen, die nach dem Zweiten Weltkrieg größtenteils in Vergessenheit geraten sind. Der Schwerpunkt seiner Sammlung liegt auf eben diesen unbekannten Namen, an deren Wiederentdeckung und künstlerischer Rehabilitation Schneider durch seine unermüdliche und systematische Sammeltätigkeit einen bedeutenden Anteil hat. Für seine Verdienste um die Aufarbeitung dieses Kapitels der Kunstgeschichte wurde er 2015 mit dem Bundesverdienstkreuz geehrt.

Ausstellung
Die Gründung der »Künstlergruppe Brücke« 1905 in Dresden markierte ein neues Sehen in der Kunst, und ein revolutionäres Denken bereicherte die Kunstgeschichte. Es trat in den Hintergrund, die Welt so abzubilden, wie sie sich real oder auch impressiv dem Auge zeigte. Stattdessen kehrten die Künstler*innen ihr subjektives Empfinden sowie ihr inneres Erleben der Welt nach außen. So können z. B. Gesichter jede Farbe annehmen: blau, gelb, grün oder rot, wenn damit etwa Wut, Zorn, Neid, Empörung oder auch Entsetzen zum Ausdruck gebracht werden sollen. Hinzu kommen nicht selten Deformationen als Mittel der Ausdruckssteigerung.
Dieser Aspekt spielt in der Druckgraphik, deren vielfältige Möglichkeiten von den Expressionisten neu entdeckt und weiterentwickelt wurden, eine entscheidende Rolle. Das neue Sehen wirkte sich auf das gesamte 20. Jahrhundert aus und erzeugte über die ersten Innovationen hinaus – ab 1911 kommt beispielsweise der »Blaue Reiter« mit Anregungen ins Ungegenständliche hinzu – eine wahre Fülle immer neuer Ausdrucksaspekte, die im expressiven Gestalten angelegt sind. Neben einigen älteren Zeitgenossen (z. B. Barlach oder Rohlfs), die sich sofort affiziert fühlten, bildete sich im Abstand von kaum zehn Jahren eine jüngere Generation der Moderne heraus (Felixmüller, Dix, Davringhausen, Pankok, Rabus und
viele andere), die die neuen Gestaltungsweisen als die ihnen gegebenen Möglichkeiten eines modernen Zeitempfindens umfassend nutzten. Mitten hinein in diese reiche Entfaltung platzte der Erste Weltkrieg. Es folgten die Novemberrevolution, die experimentelle Zeit der frühen Weimarer Republik und eine Hinwendung zu weiteren Formensprachen der Kunst, etwa der »Neuen Sachlichkeit« oder dem »Surrealismus«. Zu diesen oft kurzlebigen Strömungen parallel verlief eine vom originären Expressionismus inspirierte »expressive Gegenständlichkeit«, die dessen gestalterische Neuerungen mit einer gewissen Nähe zur realen Welt verband. Das neue Sehen und seine Fortschreibung in der Entwicklung eines bis dahin kaum gekannten Variantenreichtums wurden von aufgeschlossenen Zeitgenoss*innen begeistert aufgenommen. Dagegen standen die Restaurativen, die möglichst alles beim Alten belassen wollten und auf vielen Kunstakademien historischen Traditionen verhaftet blieben.
Dieser Kampf durchzog die Zeit der Weimarer Republik, bis der Nationalsozialismus seinen Siegeszug antrat. Der gescheiterte Postkartenmaler Hitler hatte bereits in seiner Programmschrift »Mein Kampf« in dem allgemeinen Aufbruch der Moderne in der Kultur »Zerfallserscheinungen der arischen Rasse« ausgemacht, die es auszumerzen gälte.
Entsprechend deklarierte er moderne Formensprachen in der Kunst als »entartet«. Davon war besonders der Expressionismus betroffen. Ab 1937 wurden in Beschlagnahmeaktionen über 20.000 Kunstwerke als »degeneriert«, die »Volksgesundheit zersetzend«, beschlagnahmt. Eine Auswahl davon wurde auf insgesamt 35 Femeschauen angeprangert, deren unrühmlicher Höhepunkt die Ausstellung »Entartete ›Kunst‹« 1937 in München war. Katalog
Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog im Kettler-Verlag (446 Seiten), der ca. 4- 6 Wochen nach Ausstellungsbeginn vorgestellt wird.

Kallmann-Museum

Schloßstr. 3b

85737 Ismaning

Abbildungen:

- Fritz Fuhrken
Zerstörte Stadt, 1918
Aquarell, 22,5 × 22,5 cm
Foto: Saša Fuis

- Wilhelm Morgner
Holzarbeiterfamilie, 1912
Aquarellierter Holzschnitt, 30,5 × 36 cm
Foto: Saša Fuis

24 Vergessene Olympiaorte | Theresienhöhe

Stadtmuseum München

St.-Jakobs-Platz 1
80331 München

Abbildung:

Sven Simon, Die "Dirndlgruppe" bei der Eröffnungsfeier am 26. August 1972 im Münchner Olympia-Stadion, Fotografie, 1972
© IMAGO/Sven Simon

Ausstellung vom 06.Juli bis 09.Oktober 2022

Schlossmuseum Murnau

Das Schloßmuseum Murnau hat das große Glück, das 1909 entstandene Gemälde „Treppe zum Schloß“ von Wassily Kandinsky, das lange Zeit als verschollen galt, präsentieren zu dürfen. Wenige Jahre nach seiner Entstehung war es in Herwarth Waldens Galerie Der Sturm in der „Kandinsky Kollektiv-Ausstellung 1902 bis 1912“ zu sehen gewesen. 1916 wurde es noch einmal bei Walden ausgestellt, dann verlor sich seine Spur. Jetzt kehrt es nach mehr als 100 Jahren erstmalig wieder an seinen Entstehungsort zurück.

Daraus ist die Idee geboren worden, eine Ausstellung mit Werken von Gabriele Münter und Wassily Kandinsky zu zeigen, die sich, ähnlich wie „Treppe zum Schloß“, seit langer Zeit in privaten Sammlungen befinden und die einen Bezug zur gemeinsamen Murnauer Schaffenszeit des Paares haben.

Ein russischer Jurist, Künstler sowie Kunstlehrer und eine deutsche Kunststudentin – ein unkonventionelles wie modernes Paar, das sich das erste Mal in der Klasse eines Malunterrichts begegnete. Sie 25 Jahre alt, er 36. Zwei Künstler, die wenig später, jeder für sich, aber gerade aus der Entwicklung der gemeinsamen Schaffenszeit heraus, internationale Kunstgeschichte schrieben.
1908 besuchten sie Murnau als Gäste und von 1909 bis 1914 bewohnten sie überwiegend in den Sommermonaten gemeinsam das von Gabriele Münter gekaufte Haus in der Kottmüllerallee. Am Ende standen Trennung und langwierige Auseinandersetzungen, die sich noch heute allzu oft biografisch-anekdotisch in den Vordergrund schieben und die großartigen Impulse dieser außergewöhnlichen Zusammenarbeit hin zum künstlerischen Wendepunkt in der Malerei oftmals verdecken.

Parallel dazu vermitteln Fotografien aus dieser Zeit neue Eindrücke. So u. a. aus dem ebenfalls wiederentdeckten und 2021 restaurierten Nachlass des Murnauer Fotografen August Pöltl (1881–1958). Seine Fotos, als auch die seiner Vorgänger und Kollegen, setzen die für das Künstlerpaar so anspornenden Murnauer Jahre mit dem vielfältigen Geschehen am Ort in unmittelbare Beziehung: Der Architekt Emanuel von Seidl und sein Freundeskreis verliehen damals Murnau im Rahmen der Ortsverschönerung sein noch heute prägnantes Erscheinungsbild; 1913 wird unter großer Anteilnahme der Bevölkerung der Prinzregent-Ludwig-Brunnen vor dem Rathaus eingeweiht; die Villa des Altphilologen und Sammlers James Loeb steht im Rohbau; Inhaber lassen sich vor ihren Geschäften mit dem Personal fotografieren; stolz präsentieren sich in diesen Jahren auch Murnauer Familien und Vereine.

Zusammen mit den Sammlungsbereichen „Blauer Reiter“ und „Gabriele Münter“ ist durch die Fülle privater Leihgaben ein intensiver und facettenreicher Einblick in eine Zeit möglich, in der Kandinsky und Münter den Ort als Sommergäste entdeckten, ihn durch ihren Blickwinkel fokussierten und durch ihre Kunst weltberühmt machten.

Schloßmuseum Murnau

Schloßhof 2-5,

82418 Murnau am Staffelsee

Abbildung:

- Wassily Kandinsky, Murnau – Untermarkt, 1908,

Öl auf Karton, Privatsammlung

Rette mich! Menschlichkeit als Motor: Vom Roten Kreuz bis zur Kunst

Ausstellung im Museum Penzberg Sammlung Campendonk

vom 16. Juli bis 31. Oktober 2022

Was haben die BRK Bereitschaft Penzberg, Roche, virtuelle Körperwelten und Kunst miteinander gemein? Viel, wie die Sonderausstellung „Rette mich! Menschlichkeit als Motor: Vom Roten Kreuz bis zur Kunst“ zeigt. Den Machern der Schau gelingt damit ein Brückenschlag vom 100-jährigen Jubiläum der BRK Bereitschaft bis hin zur künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Thema Körper, Verletzlichkeit und Vergänglichkeit.
Im Mittelpunkt stehen Entwicklung und Geschichte des Deutschen Roten Kreuzes – dargestellt am Beispiel der Bereitschaft Penzberg (früher „Sanitätskolonne Penzberg“). Beide, das Deutsche Rote Kreuz und die Penzberger Bereitschaft, feierten 2021 ihr offizielles 100-jähriges Bestehen. Ein historischer Rückblick und ein aktueller Einblick in die Arbeit des Roten Kreuzes werden in der Schau ergänzt durch einen Ausblick auf Wissenschaft und Medizin.
Darüber hinaus lenkt das Museum die Aufmerksamkeit auf die Themen Anatomie und Ästhetik: Zeitgenössische künstlerische Positionen und virtuelle Körperwelten ermöglichen ein Gesamterlebnis und eine besondere Synthese der Darstellung des Werdegangs der Sanitätskolonne bis hin zur künstlerischen Betrachtungsweise.
Von der Schlacht von Solferino bis zum modernen Rettungswesen Rädertrage und Spendenbüchse, Dreiecktuch und Grubenrettungsgerät, „Verkehrsunfallübung“ und „Ballonwettbewerb“– historische Ausstellungstücke und wertvolle Bilddokumente lassen Rettungswesen, Such-, Sozial- und Blutspendedienst, Katastrophenschutz sowie Bergwacht und Wasserwacht greifbar werden. Ein Blick auf die Verstrickungen des DRK während der Zeit des Nationalsozialismus darf dabei nicht fehlen.
Die Leihgaben werden von der Sammlung des BRK Peißenberg, der Sammlung Ronnie Strauch in Sindelsdorf und dem Archiv der BRK-Bereitschaft Penzberg zur Verfügung gestellt.

Virtuelle Körperwelten im Dienst der Gesundheitstechnik
Anatomie als Symbiose aus Kunst und Wissenschaft: In Kooperation mit der Münchner 3DAgentur CAT PRODUCTION werden medizinische Modelle, Animationen und eine virtuelle Reise durch den menschlichen Körper gezeigt. Derartige Visualisierungen dienen Wissenschaft und Medizin und nun eben auch der Ausstellung im Museum Penzberg – Sammlung Campendonk. Sie vermitteln Patient:innen diagnostische Erkenntnisse und fördern gleichermaßen das Verständnis für die menschliche Anatomie wie auch für das eigene Körperbewusstsein.

Wie viel wiegt ein Gefühl? Künstlerische Perspektiven
Gezeigt werden Positionen von zeitgenössischen Künstler:innen, die sich mit den unterschiedlichsten Aspekten von Menschlichkeit, Körperlichkeit und Verletzlichkeit auseinandersetzen. Die Malerei von Annemarie Faupel (*1989) beschäftigt sich mit der Beschaffenheit
von Haut, veranschaulicht deren Fragilität und Imperfektion und schlägt darüber hinaus eine Brücke zum menschlichen Gefühl. Sheila Furlan (*1974) erstellt zarte Objekte aus Organzastoff, durchsichtige Hüllen, die ebenfalls ein Bewusstsein zwischen Innerem und Äußerem
schaffen sowie emotionales Trauma thematisieren. Sandra Bejaranos (*1991) Werk konzentriert sich auf die technischen Möglichkeiten der modernen Reproduktionsmedizin und die überaus menschlichen Gründe, aus denen diese in Anspruch genommen wird. Die Auswirkungen der Corona-Pandemie auf die Gesellschaft allgemein und ihre eigene Generation insbesondere stellt Ilaria Igliani (*1991) in den Fokus: Ein Schwebezustand, in dem unsere Vergänglichkeit allgegenwärtig wird. Die Frage nach dem Gewicht des Gefühls beantwortet sie mit ihrer Arbeit „250 g“. Benjamin Zuber (*1982) musste die Verletzlichkeit des menschlichen Körpers am eigenen Leib erfahren und beschäftigt sich seitdem intensiv mit dem Thema, aber auch mit den ästhetischen Aspekten des Gesundheitswesens.

Penzberg: Standort für Forschung und Entwicklung – 50 Jahre Biotechnologie
„Rette mich!“ Dieser Hilferuf richtet sich nicht allein an Rettungskräfte. Vielmehr beinhaltet er die Aufforderung an Forschung und Medizin, das Leben sicherer zu machen. 1972 wurde in Penzberg der Grundstein für das Pharma-Unternehmen Boehringer Mannheim gelegt. 1997 wurde es von Roche übernommen. Die Kleinstadt Penzberg wandelte sich von der ehemaligen Bergbaustadt zum Forschungs- und Hightech-Standort und erlangte mit Pharma und Diagnostik weltweite Bekanntheit.

Museum Penzberg – Sammlung Campendonk,

Am Museum 1,

82377 Penzberg

82347 Bernried am Starnberger See

Abbildung:

- Max Pechstein
Dorfansicht, 1914
Öl auf Leinwand
Privatsammlung Wuppertal
Max Pechstein: © 2022 Pechstein Hamburg / Preetz

VON RENOIR BIS JAWLENSKY. MIT LEIDENSCHAFT GESAMMELT. WERKE AUS PRIVATBESITZ

Olaf Gulbransson Museum Tegernsee

Ausstellung vom 23. Juli 2022 bis 08. Januar 2023

Auch dieses Jahr realisiert die Olaf Gulbransson Gesellschaft e.V. Tegernsee eine Highlight-Ausstellung im Olaf Gulbransson Museum. Am Freitag, den 22. Juli 2022 wird im Kurgarten Tegernsee um 18:00 Uhr feierlich die neue Sonderausstellung Von Renoir bis Jawlensky eröffnet, mit der wir an die erfolgreiche Marc Chagall-Präsentation im letzten Jahr anknüpfen und Werke bedeutender Künstler:innen des 19. und 20. Jahrhunderts zeigen.
Bei unserer Ausstellung ist besonders hervorzuheben, dass alle Arbeiten wieder aus Privatbesitz stammen und oft jahrzehntelang nicht der Öffentlichkeit zugänglich waren. Zu den Highlights der Ausstellung gehören wichtige Werke des französischen Impressionismus und des deutschen Expressionismus. Zu sehen sind Gemälde und Aquarelle von Pierre Renoir, Paul Gauguin, Alexej von Jawlensky, Lyonel Feininger, Paul Klee, August Macke bis zu Emil Nolde und weiteren, die Kunstgeschichte schrieben.
Zur Sonderausstellung erscheint ein reich bebilderter Katalog mit Texten von Professor Roland Doschka, Kurator des Kunstmuseums Lindau, Professor Dr. Bernhard Maaz, Generaldirektor der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen und Dr. Christian Ring, Direktor der Ada und Emil Nolde Stiftung

Olaf Gulbransson Museum, Tegernsee
Kurgarten 5,

83684 Tegernsee

Abbildungen:

- PIERRE-AUGUSTE RENOIR
Personnages dans un paysage, um 1900
Öl auf Leinwand, 32 x 41 cm
© Privatsammlung

- KARL SCHMIDT-ROTTLUFF
Blühende Bäume, 1922
Aquarell auf Bütten, 48 x 61 cm
© Privatsammlung

Ausstellung im Museum im Kunsthaus

Museum Fürstenfeldbruck
Vom 29. Juli bis 23. Oktober 2022

Die Olympischen Spiele von 1972, die sich 2022 zum 50. Mal jähren, haben die Region um München geprägt und verändert. Von dem sportlichen und kulturellen Großereignis gingen starke Modernisierungsimpulse aus. Die Region profitierte in vielerlei Hinsicht.

Zeitgenoss:innen nahmen die Nachkriegszeit nun als definitiv beendet wahr. Nicht nur München bekam ein neues Gesicht, auch die umliegenden Gemeinden formierten sich zu attraktiven Trabantenstädten. Die S-Bahn verband die Metropole mit dem Umland, beide wuchsen immer stärker zusammen. Neue Marketingmechanismen, die demographische Entwicklung und die mit der Olympiade verbundenen Internationalisierungsprozesse – all dies wirkte sich für die Entwicklung des Münchner „Speckgürtels“ stark modernisierend aus.

Für Fürstenfeldbruck hat die Olympiade von 1972 eine ganz besondere Bedeutung: Am 5. September fanden die „heiteren Spiele“ mit dem Attentat auf die israelische Mannschaft jäh ihr Ende. Auf dem Flugfeld des Fliegerhorstes ging der Befreiungsversuch für die Geiseln und einen Polizisten tödlich aus. Insgesamt gab es 12 Opfer zu beklagen. Das dramatische Ereignis hat sich bis heute tief in das kollektive Gedächtnis eingegraben.

Museum und Stadt Fürstenfeldbruck nehmen teil an dem Projekt „Zwölf Monate – zwölf Namen: 50 Jahre Olympia-Attentat München“. Vom 1. September bis 23. Oktober 2022 erinnern eine Lichtinstallation und eine Informationsstele vor dem Museum Fürstenfeldbruck an den israelischen Ringer Mark Slavin (1954-1972). Der 18-Jährige wurde auf dem Fliegerhorst Fürstenfeldbruck beim gescheiterten Befreiungsversuch von den palästinensischen Attentätern erschossen.
Zur Ausstellung gibt es Führungen, museumspädagogische Aktionen und einen Katalog
www.museumffb.de

Museum Fürstenfeldbruck
Fürstenfeld 6
82256 Fürstenfeldbruck

Abbildung:

- Olympia_S-Bahn
Röwa-Spielzeug Olympia S-Bahn, 1972
Privatbesitz
Foto: Wolfgang Pulfer

- Olympia-Attentat
Fliegerhorst Fürstenfeldbruck, 6. September 1972
Schmotz Archiv Fürstenfeldbrucker Tagblatt

JOAN JONAS

Ausstellung Haus der Kunst München

09. September 2022 bis 26. Februar 2023

„Ich denke es ist notwendig, an die Grenzen zu gehen. Was mir Angst macht, zieht mich an.“
Joan Jonas

Die wegweisende Künstlerin Joan Jonas (*1936, New York City, USA) hat durch ihr konstantes Experimentieren mit Performance, Video und Installation die Grenzen der Kunst in den letzten fünf Jahrzehnten immer wieder verschoben und neue Wahrnehmungsmodi erprobt. Sie hat zahlreiche Generationen an Künstler*innen beeinflusst und dauerhafte Beziehungen untereinander etabliert. Das Haus der Kunst zeigt ab 9. September die bisher umfangreichste Einzelausstellung in Deutschland, die Jonas’ Ansatz der transnationalen Zusammenarbeit reflektiert und ihre dynamische Praxis der Transformation zwischen Medium und Zeit entlang wiederkehrender Themen nachzeichnet.

„Das bahnbrechende Werk von Joan Jonas ist ein grundlegender Schritt in dem Transformationsprozess, den das Haus der Kunst durchläuft. Ich fühle mich geehrt, erneut mit einer so einzigartigen und außergewöhnlichen Künstlerin zusammenzuarbeiten und freue mich darauf, ihre faszinierenden, freudigen, experimentellen und zum Nachdenken anregenden Welten mit unserem Publikum zu teilen.“ Andrea Lissoni, künstlerischer Direktor Haus der Kunst und Ko-Kurator der Ausstellung

Jonas gehörte zu den Begründer*innen der Performance, als diese in den 1960er und 1970er Jahren nach ihrem Studium der Skulptur und Kunstgeschichte in New York aufkam. Jonas’ Schaffen ist von einem Interesse an der sozialen Funktion von Narration und Ritus für Gemeinschaften geprägt, neben frühen Untersuchungen medial vermittelter, geschlechtlicher Zuschreibungen. Seit den 2000er Jahren beschäftigt sich die Künstlerin im Zuge des Klimawandels vermehrt mit dringenden ökologischen Fragestellungen, und stellt dabei nicht-menschliche Lebensformen und -räume in den Fokus ihrer künstlerischen Betrachtung.

Entsprechend Jonas’ prozessualer und zyklischer Arbeitsweise, in der sie bestehende Performances oder Installationen aufgreift, fortschreibt und medial verschiebt, verfolgt die Werkschau am Haus der Kunst keine chronologisch-lineare Struktur. Sie fächert sich prismatisch auf, um die inhaltlichen und formalen Verknüpfungen zwischen Jonas’ Arbeiten unterschiedlicher Zeitperioden aufzuzeigen.

Der Eingangsbereich des Haus der Kunst wird von dem Video Wolf Lights (2004/5) beleuchtet. Das Werk zeigt exemplarisch, wie Jonas Techniken des Films und Theaters kombiniert, um Herrschaftsstrukturen zu verhandeln. In der Mittelhalle wird erstmals in Europa ihr jüngstes Werk Rivers to the Abyssal Plain (2021) präsentiert. Es steht für Jonas’ gegenwärtige Beschäftigung mit dem vielfältigen Ökosystem des Ozeans und ihren künstlerischen Umgang mit Forschung. Das Verhältnis zwischen Natur und künstlerischer Schöpfung bestimmt auch die im Zentrum der Ausstellung stehende multimediale Installation Reanimation (2010/2012/2013). Die Installation wurde auf der documenta 13 uraufgeführt und stellt in vier Videoprojektionen erhabene Aufnahmen isländischer und norwegischer Gletscher dem Akt des Zeichnens im Schnee gegenüber.

Die Ausstellung versammelt weitere historische Schlüsselwerke, die einen Wendepunkt in Jonas’ Schaffen markieren. Die Installation Stage Sets (1976) formuliert einen erweiterten, dynamischen Skulpturbegriff und begründete Jonas’ Praxis der Übersetzung von performativen Aufführungs- in manifeste Ausstellungsformate. Juniper Tree (1976/1994) bildet das erste Werk Jonas’, das gänzlich aus einer lang tradierten, kollektiven Erzählung abgeleitet wurde. Lines in the Sand (2002) zeugt von ihrem Interesse an der Umschreibung mythologischer Narrative vor dem Hintergrund aktueller gesellschaftlicher Entwicklungen. Drei Werke aus der Serie My New Theater (1997–2006) erinnern an ein minimalistisches Objekt, eine Guckkastenbühne und eine Camera obscura. Sie vereinen damit Jonas’ grundsätzliche Verhandlung von Raum, Illusion und Rahmung in der Bildproduktion.

Ergänzt wird die Ausstellung durch zwei Performances von Joan Jonas: Mirror Piece I & II (1969/2018), in der Jonas das wiederkehrende Motiv des Spiegels in ihr Werk einführte, um Machtstrukturen des Blickes und geschlechtliche Rollenbilder zu thematisieren. Die Performance schlägt damit den Bogen zu zahlreichen Werken der Ausstellung (8.–10.9.22). In der europäischen Erstaufführung von Out Takes: What the Storm Washed In (2022) vereint Jonas Videoaufnahmen mit Live-Musik, Text und Performance. Die musikalische Komposition stammt von Ikue Mori (13.11.22).

Haus der Kunst
Prinzregentenstr. 1,

80538 München

Abbildungen:

- Joan Jonas, Stream or River, Flight or Pattern, 2016-17
Video still. Courtesy the artist and Barbara Gladstone Gallery / VG Bild-Kunst, Bonn 2022

- Joan Jonas, Stream or River, Flight or Pattern
2016-17. Video still.
Courtesy the artist and Barbara Gladstone Gallery
VG Bild-Kunst, Bonn 2022

Neue Galerie Dachau

Saluti da Capri!

Die malerisch im Golf von Neapel gelegene Insel Capri öffnete sich im 19. Jahrhundert dem Tourismus durch den auch viele Künstler auf die Insel kamen. Heute zählt die Mittelmeerinsel zu den beliebtesten Ferienzielen Italiens und wird im Sommer von Besuchern aus aller Welt überrannt. Wenn zu Spitzenzeiten täglich ca. 45000 Touristen von Neapel herüberfahren, ist an den ungestörten Genuss der romantischen Flecken nicht zu denken. Doch nach Abfahrt der Tagesbesucher gibt es durchaus noch stille Orte und in den Wintermonaten sind die Bewohner weitgehend unter sich. Die Ausstellung zeigt verschiedene Seiten der Insel und lässt auch einen Blick hinter die Kulissen des Tourismus zu. Mit Fotografien, Skulpturen und einer Soundinstallation von Enrico Desiderio, Gianluca Federico, Bruno Flavio, Klaus Frahm und Raffaela Mariniello.

Neue Galerie Dachau

Konrad-Adenauer-Straße 20,

85221 Dachau

Abbildung: