München Haus der Kunst

Mit dieser umfassenden Schau eröffnet das Haus der Kunst eine Reihe von Ausstellungen im repräsentativen Ostflügel des Hauses, die zeitgenössischen weiblichen Stimmen gewidmet sind. Mit ca. 100 Werken – darunter monumentalen Skulpturen aus wegweisenden Ausstellungen der letzten zwei Jahrzehnte sowie einer reichen Auswahl an Zeichnungen – ist dies die bislang größte Überblicksschau in Phyllida Barlows Karriere.

Für das Haus der Kunst produziert Phyllida Barlow eine neue Version des nicht erhaltenen Schlüsselwerks „Shedmesh“ aus dem Jahr 1975 („Shedmesh“, 2020). Weitere großformatige Skulpturen wie „untitled: towerholder“; 2020 (700 x 180 x 200 cm) und „untitled: catchers“; 2020 (600 x 300 x 300 cm pro ‚Fänger‘) entstehen ebenfalls eigens für diese Schau. Andere wie „Untitled: parasols“ (2007) werden neu ausgeführt („untitled: parasols“; 2020), an die Räume im HdK angepasst (wie „untitled: stockade2015“) oder erweitert. So wird „untitled: blocksonstilts“; 2018-2019 nun aus fünf Blöcken bestehen, statt aus drei.

Bekannt ist Phyllida Barlow (geb. 1944 in Newcastle-Upon-Tyne) für ihre imposanten und zugleich scheinbar labilen Installationen aus leuchtend bemalten Industrie- und Alltagsmaterialen, die spielerisch die Grenzen von Masse, Höhe und Raumvolumen testen. Pyllida Barlow betont mit ihrem Werk die Erfahrung unterschiedlicher Medien und Materialprozesse anstelle von offen metaphorischen oder biografischen Lesarten. Zu den von ihr verwendeten Materialien gehören Überreste und Wertstoff-Müll, wie man ihn an der Peripherie des Alltags findet (z.B. Bitumen, Beton, Glas, Stahldraht, Papier, Tücher, Polyurethanschaum, Latex, Polyethylen, Schaumstoff und Industrieklebstoff). Materialien, die traditionell mit den bildenden Künsten assoziiert werden wie Holz, Stein und Leinwand, findet man bei Barlow hingegen nur in Armaturen oder Requisiten.

Die Begegnung mit einem Kunstwerk von Barlow hat eine räumliche, zeitliche und imaginäre Dimension. Denn zusätzlich zur faktischen Zeit, die man benötigt, um eine Skulptur zu umrunden, stellt sich ein Gefühl der Kollision von Vergangenheit und Zukunft ein. Denn ein Teil von Barlows Skulpturen besteht aus dem Material früherer Werke. Folglich birgt jede bereits vorhandene Skulptur das Potenzial, in einer zukünftigen Arbeit recycelt zu werden. Dieser Vorgang von Produktion, Zerstören und Rekonstruktion spiegelt die natürlichen Rhythmen von Entstehung, Wachstum und Zerfall unserer Welterfahrung. Er „legt auch die Frage nahe, ob die Aufgabe zeitgenössischer Bildhauer*innen möglicherweise eher im Erzeugen einer bestimmten Erfahrung besteht als darin, eine schon jetzt überfrachtete Welt mit weiteren Objekten zu beschweren“, so Kurator Damian Lentini.

Wenn sich Phyllida Barlow selbst über die Begriffe Beinahe-Kollision („near miss“) und Missverstehen äußert, beschreibt sie damit indirekt auch das Miteinander von Skulptur und Betrachter*in. Während Machbarkeit, Zweckmäßigkeit und Effizienz für Barlow Forderungen des Alltagslebens sind, deren treuer Helfershelfer das Verständnis ist, bildet das Missverstehen „eine Art Lebensform. Es ist die dunkle Seite … wo uneingeschränkt Irritationen und Abschweifungen herrschen und ihre eigenen Hierarchien und Kollisionen zwischen Ordnung und Chaos etablieren.“ Sie schließt: „Das Land des Missverstehens ist wahrscheinlich eine Art Hölle, doch für mich ist es zweifelsohne auch der Himmel.“

Wiederholt sind ihre Skulpturen so beschrieben worden, als seien es menschliche Wesen. Gemeinsam sei beiden eine gewisse Unbeholfenheit oder Plumpheit, manchmal „ein knollen-, ja cartoonhaftes Erscheinungsbild“ (Briony Fer). In der Schwebe bleibt, ob Barlows Installationen Orte der Gefahr oder der Geborgenheit sind: Balkone, auf denen niemand steht; Markisen, die niemandem Schatten spenden; Bühnen und Türme, auf die niemand steigen, die niemand betreten kann; ein Container, der niemals Schutt transportieren wird; Säulen und Sockel ohne tragende Funktion. Noch dazu bieten sich all diese Objekte oft überdimensional und folglich für die Betrachter*innen in Untersicht an. So stellt sich ein bestimmtes Kindheits-Gefühl ein, das sich aus den Komponenten Kakophonie, Wuchern sowie der Offenbarung von Fehlern und Schwächen zusammensetzt. Charakteristisch und faszinierend ist dabei die gestische Sicherheit, Präzision und Sorgfalt, mit der die Künstlerin dieses oft komödiantische Scheitern in Szene setzt.

Barlow kommentiert mit ihrer Methode auch den konservativen Ansatz ihrer meist männlichen Zeitgenossen, der sich in den 1960er-Jahren hemmend auf skulpturales Schaffen nicht nur in Großbritannien ausgewirkt hat. Gleichzeitig überwindet sie ihn souverän. Als Beispiel hierfür kann ihr beeindruckendes Werk „untitled: 100banners2015“ dienen, das den Auftakt der Ausstellung bildet. Auf eine Reihe dünner, mit Farbflecken übersäter Holzstangen aufgespannt und mit leuchtend orangefarbenen Sandsäcken am Sockel garniert, präsentiert „untitled: 100banners2015“ eine Kavalkade von Farben und Texturen, deren Anblick derartig in Bann zieht, dass man einen Augenblick braucht um zu erkennen: Der Weg in die Ausstellung ist fast vollständig versperrt. Auch 2011, bei ihrer Beteiligung an der Ausstellung „Skulpturales Handeln“ im Haus der Kunst hatte Barlow den Raum auf ähnliche Weise verstellt.

Statt sich auf künstlerische Strömungen einer früheren Generation zu beziehen, beginnt Phyllida Barlow ihr Schaffen direkt mit dem Themenkomplex städtischen Wiederaufbaus in der Nachkriegszeit. Sie sieht ihr Werk auch nicht im Kontext von Geschlechterzugehörigkeit. Zwar hat sie sich über die Ausstellungen der 1960er-Jahre enttäuscht gezeigt und Schweißen, Gießen und Konstruieren mit Fiberglas und Harz als „vorwiegend männliche Aktivitäten“ bezeichnet (Buchbeitrag „Hearsay, Rumours, Bed-sit Dreamers and Art Begins Today“, 2003). Doch spielt Geschlechterzugehörigkeit seit den 1970er-Jahren für sie keine Rolle mehr. Entscheidend wird für sie vielmehr der Einfluss von Künstler*innen wie Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Pablo Picasso, sowie von Eva Hesse oder Louise Bourgeois.

Phyllida Barlow selbst experimentiert, statt im herkömmlichen Sinne bildhauerisch tätig zu sein. So hat sie unter Einsatz der für sie typischen Werkstoffe und Kompositionstechniken in einer über fünfzigjährigen Laufbahn den Skulpturbegriff unermüdlich immer weiter gedehnt und eine einzigartige Formensprache entwickelt.

Sehr eigen ist ebenfalls ihr Verständnis von Zeichnung. Barlows Zeichnungen entstehen häufig erst, nachdem ein Werk geschaffen ist; sie sind somit kein herantastendes Planen, sondern auf produktive Weise nur „halb erinnerte Dinge“. Die Auswahl von Zeichnungen in der Ausstellung reicht von den frühen 1960er-Jahren bis heute.

Kuratiert von Damian Lentini
Kuratorische Assistenz: Lisa Paland

Abbildung:
Phyllida Barlow. frontier
Installationsansicht / Installation view
Haus der Kunst, 2021
Foto: Maximilian Geuter

Stiftung Haus der Kunst München, gemeinnützige Betriebsgesellschaft mbH
Prinzregentenstraße 1,
80538 München

ERICH HECKEL. EINFÜHLUNG & AUSDRUCK

Buchheim Museum der Phantasie

Ausstellung verlängert bis 06. Juni 2021

Im fünfzigsten Jahr seines Todes widmet das Buchheim Museum Erich Heckel, dem großen Maler und Graphiker des Expressionismus, 1883 in Döbeln geboren und 1970 am Bodensee gestorben, eine umfassende Retrospektive. Dank der Zusammenführung der Sammlungen Gerlinger und Buchheim ist jedes Jahr seines langen Schaffens zwischen 1903 und 1968 mit Werken präsent. Die Ausstellung macht Heckel als empathischen, psychologisch reflektierten und nicht zuletzt als sehr belesenen Künstler erfahrbar. In den wenigsten Fällen ist sein Werk illustrativ, und doch sind die literarischen Einflüsse in Heckels künstlerischem Werk spürbar. So richtet die Ausstellung ein besonderes Augenmerk auf Heckels Dialog mit Nietzsche, Dostojewski, Jean Paul, Hölderlin, Rilke und anderen. Die Schau umfasst Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Druckgraphiken. Mit 400 Arbeiten erstreckt sie sich über die beiden großen Säle des Museums. Durch eine Gegenüberstellung von graphischem und malerischem Werk wird deutlich, wie sehr sich diese beiden Gattungen im Werk des Künstlers gegenseitig befruchten. Damit ist auch Heckels bedeutender Beitrag zur Begründung der Moderne in Deutschland markiert. Seine Auseinandersetzung mit dem Holzschnitt nahm wesentlichen Einfluss auf Entwicklung des sich um 1910 etablierenden gemeinsamen Malstils der Künstlergruppe »Brücke«, die Heckel 1905 mitbegründet hatte.

Abbildung:

Erich Heckel
Figuren am Strand, 1912
Öl auf Leinwand
Sammlung Hermann Gerlinger im Buchheim Museum der Phantasie, Bernried am Starnberger See
© Nachlass Erich Heckel, Hemmenhofen; VG Bild-Kunst, Bonn
Reproduktion: Archiv Hermann Gerlinger

Buchheim Museum der Phantasie
Am Hirschgarten 1,
82347 Bernried am Starnberger See

WIND. JAHRESAUSSTELLUNG DER GEDOK

Buchheim Museum der Phantasie

Ausstellung bis 09. Mai 2021

Die GEDOK, 1926 als »Gemeinschaft Deutscher und Oesterreichischer Künstlerinnenvereine aller Kunstgattungen« gegründet, ist als Verband der Gemeinschaften der Künstlerinnen und Kunstförderer e.V. bis heute das älteste und europaweit größte Netzwerk für Künstlerinnen aller Kunstgattungen. Die Jahresausstellung 2020 der GEDOK München findet im Buchheim Museum und im umliegenden Park statt. Durch einen Wettbewerb werden die teilnehmenden Künstlerinnen ermittelt. Ihr gemeinsames Thema ist der Wind – vom Hauch bis zum Hurrikan.

Es gibt viele Begriffe, welche die unterschiedliche Intensität von WIND beschreiben: Windstille, Lufthauch, Brise, Böe, Sturm, Windhose, Orkan, Hurrikan, Taifun. Aber auch in unserem täglichen Sprachgebrauch finden sich zahlreiche Wortkombinationen, poetische Assoziationen und Sprichwörter: von einer „windigen Konstruktion" nehmen wir in der Regel Abstand, ebenso von „wer Wind sät, wird Sturm ernten". Hingegen sind „frischer Wind" oder die „sturmfreie Bude" stets willkommen.

In seiner ursprünglichen Bedeutung beschreibt das Wort WIND als „wehen / blasen" ein meteorologisches Naturphänomen der Bewegung von Luft. Luft per se ist allerdings nicht sichtbar. Doch wie kann man etwas Unsichtbares, etwas nicht Greifbares sichtbar machen und künstlerisch darstellen? Mit dieser Fragestellung beschäftigen sich 36 künstlerische Positionen, die von einer Fachjury für die diesjährige Jahresausstellung der GEDOK München ausgewählt wurden.

2020 jährt sich der Geburtstag der GEDOK-Gründerin Ida Dehmel (1870-1942) zum 150. Mal. Die Gründungsidee ist eng mit der Entstehung der Moderne in der Kunst verbunden und bot seit 1926 eine erstmalige übergreifende Verbindung aller Kunstsparten in einem Verein für Künstlerinnen. Aus diesem Grund liegt der Fokus der Gesamtpräsentation WIND - neben verschiedenen Einzelpositionen - auf einem interdisziplinären Ansatz: So sind zahlreiche Ausstellungsbeiträge durch Vernetzung und Kooperation vieler der teilnehmenden Künstlerinnen entstanden.

In der Ausstellung wird WIND in all seinen Facetten erlebbar gemacht: als Urgewalt und Naturphänomen, aber auch im übertragenen Sinn als Stimmungsbarometer, als Symbol für Aufbruch und Veränderung, für Übergänge und Bewegung. Dabei werden auch immer wieder Zwischenräume und die mögliche Flüchtigkeit von Außenhülle und Innenleben ausgelotet.
All diese zeitgenössischen Positionen sind dabei eine Fortführung und Weiterentwicklung einer längeren Tradition. In der neueren Kunstgeschichte finden sich viele Ausprägungen der Windkunst, die aufgrund ihrer Natur meist kontinuierlichen Veränderungsprozessen unterliegen. Unter der Verwendung von Luft als primärem oder zumindest wichtigem Gestaltungsmittel experimentierten Jean Tinguely und Alexander Calder bereits in den frühen 1960er Jahren als zwei Hauptvertreter der kinetischen Kunst in ihren fragilen Objekten mit Bewegung – und auch mit Luft. Auch in der Land Art von Künstlern wie Walter de Maria und James Turrell spielte der Wind eine (wenn auch untergeordnete) Rolle. Licht und vor allem die mit Wind verbundene Bewegung war ein zentrales Charakteristikum der ZERO-Gruppe um Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker.

Auch viele zeitgenössische Positionen greifen das Naturelement in ihrer Arbeit auf und nutzen die mit Wind oft verbundene poetische Leichtigkeit und metaphorische Bedeutung dabei ebenso wie seine unbändige Naturkraft. So erschuf Anish Kapoor 2003 in der Galleria Continua einen knapp 10 Meter hohen Tornado aus Dampf.
Teilnehmende Künstlerinnen

Bianca Artopé
Silke Bachmann
Annegret Bleisteiner
Gabi Blum
Sieglinde Bottesch
Nena Cermak

Christine Demmel
Dorothea Dudek
Dorothee Eberhardt-Lutz
Ruth Effer
Judith Egger
Sophie Epp
Ana Feiner-Zalac
Katja Fischer
Sabine Fockner-Götze
Dorothea Frigo
Renate Gehrcke
Suse Güllert
Ursula Haas
Gertrud Hahn
Hong Yun He
Tanja Hemm
Barbara Christine Henning
Barbara Hesse-Bachmaier
Cordula Hofmann-Molis
Monika Humm
Christiana Jöckel
Sabine Jörg
Rosa Maria Krinner
Inge Kurtz
Patricia Lincke
Ina Loitzl
Nina Annabelle Märkl
Petra Moßhammer

Masako Ohta
Monika Olszak
Kaja Plessing
Ulrike Prusseit
Hilla Rost
Katharina Schellenberger
Anna Schölß
Nina Seidel-Herrmann
Eva Sindichakis
Rose Stach
Cosima Strähhuber
Susanne Thiemann
Barbara Yurtdas
Elke Zauner

Die Ausstellung im Buchheim Museum Bernried wird kuratiert von Ergül Cengiz und Katia Rid.

Abbildung:

Dorothea Dudek
Im Wind, 2019
Öl auf Leinwand

Buchheim Museum der Phantasie

Am Hirschgarten 1,

82347 Bernried am Starnberger See

Frau darf … 100 Jahre Künstlerinnen an der Akademie

Museum Fürstenfeldbruck

Ausstellung verlängert bis 26. September 2021

Im Herbst 2020 jährt es sich zum hundertsten Mal, dass Frauen an der Münchner Akademie der Bildenden Künste zum Studium zugelassen wurden. Widerstrebend musste die Akademieleitung dem hartnäckigen Drängen der Künstlerinnen nachgeben. Dies war Ergebnis der Revolution von 1918 und der Weimarer Verfassung, die den Frauen die lang erkämpfte formale Gleichberechtigung brachte.

Wie die meisten Lebensbereiche war auch die Kunst bis weit ins 20. Jahrhundert überwiegend eine Männerdomäne. Die Ausstellung thematisiert die Ausbildungsmöglichkeiten der „Malweiber“, die frühe Frauenbewegung im München, das Ringen um die Zulassung an die Akademie, die Studienbedingungen der ersten Künstlerinnen und macht sichtbar, wie hart umkämpft der Kunstmarkt in den 1920er Jahren war.

Die Ausstellung begibt sich auf Spurensuche jener Künstlerinnen, die vor 100 Jahren hoffnungsvoll ihr Studium begannen. Zwölf unterschiedliche Künstlerinnenbiographien zeigen, mit welchen Vorurteilen Frauen zu kämpfen hatten und welchen Themen sich die Künstlerinnen widmeten. Die Ausstellung, die in Kooperation mit der Akademie der Bildenden Künste erfolgt, spürt den Wegen der Malerinnen nach, sie erinnert dabei auch an unterschiedliche Frauenschicksale dieser „verschollenen Generation“, die zwischen zwei Weltkriegen ihren Platz suchten.

Abbildungen:

Marianne Euler-Henselmann
Stillleben, um 1935,
Privatbesitz
Foto: Wolfgang Pulfer

Daisy Campi
Malven, um 1931
Privatbesitz
Foto: Franz Kimmel

Museum Fürstenfeldbruck im Kloster Fürstenfeld
Fürstenfeld 6
82256 Fürstenfeldbruck

Hinter Glas gemalt. Geheimnisse einer Technik

verlängert bis 04.07.2021

Das Geheimnisvolle der traditionsreichen Hinterglastechnik faszinierte Wassily Kandinsky, Heinrich Campendonk, Lily Hildebrandt und Walter Dexel zeit ihres Schaffens. Das transparente Material Glas verleiht dem Werk Glanz. Lichtbrechung und Spiegelung erzeugen eine besondere Strahlkraft. Keine andere Technik eröffnet so viele raffinierte Möglichkeiten wie das rückwärtige Malen auf Glas.
Selten stehen Maltechnik und Materialanalyse im Zentrum einer Ausstellung, obwohl sie wichtige und spannende Einsichten bieten. Diesen „Blick in das Kunstwerk“ möchte die Ausstellung „Hinter Glas gemalt. Geheimnisse einer Technik“ erstmals ermöglichen. Sie bildet den Abschluss eines dreieinhalbjährigen multidisziplinären Forschungsprojektes.
Nachdem die ursprüngliche Laufzeit (19.12.2020 – 11.04.2021) in den Lockdown gefallen ist, freut es uns umso mehr, dass die Ausstellung bis 4. Juli 2021 verlängert werden konnte. Großer Dank gilt an dieser Stelle unseren Leihgebern. Ein Forschungsprojekt – drei Disziplinen Dreieinhalb Jahre lang hatte das Museum Penzberg – Sammlung Campendonk die Projektleitung des von der VolkswagenStiftung geförderten, multidisziplinären Forschungsprojektes „Hinterglasmalerei als Technik der Klassischen Moderne 1905 – 1955“ inne. Ziel des Projektes war es, ein umfassendes Bild der Verbreitung der Technik, ihrer Materialien und Fertigungsweisen im 20. Jahrhundert zu geben. Die Ergebnisse werden
nun erstmals der Öffentlichkeit präsentiert.
Bis heute findet die Hinterglasmalerei wenig Anerkennung im kunsthistorischen Kanon. Doch weitaus mehr Künstler*innen als bislang angenommen haben sich im 20. Jahrhundert mit der Hinterglasmalerei als neuem Ausdrucksmedium befasst. Die Vielfalt an technischen
Möglichkeiten offenbaren die Hinterglasarbeiten der „Blauen Reiter“, von Künstler*innen der Berliner Galerie „Der Sturm“ wie Nell Walden und Erich Buchholz und vieler anderer Maler*innen – auch nach dem Zweiten Weltkrieg.
Die besondere Herstellungsform eines seitenverkehrt angelegten Bildes blieb seit der Antike bis ins 21. Jahrhundert identisch, auch wenn sich Darstellungen, Materialien und künstlerische Techniken änderten. Dank der maltechnischen und materialanalytischen Untersuchungen von 66 hochkarätigen Kunstwerken renommierter Künstler*innen der Klassischen Moderne konnten detaillierte Unterscheidungen vorgenommen werden, die zu neuen Kategorien führten. In dreizehn Ausstellungskapiteln, darunter „Das Postulat der Farbe“, „Radierung“, „Spiegelbilder“ oder „Besondere Glasarten“, werden den modernen und zeitgenössischen Werken auch immer ihre historischen Vorläufer des
18. und 19. Jahrhunderts gegenübergestellt.
Der Ausblick auf zeitgenössische Hinterglasmaler wie Thilo Westermann, Jochem Poensgen und Emil Schult verdeutlicht die Aktualität der Technik. Anhand von zwei Filmen kann das Publikum hautnah den Malern Reinhold Nägele und Werner Schriefers bei der Arbeit zusehen.
Gestrichen oder gestupft – Kunsttechnologie und Materialanalyse Die zwischen den 1910er- bis in die 2010er-Jahre geschaffenen Exponate der Ausstellung spiegeln die unterschiedlichen künstlerischen Verfahren von Hinterglasmalerei wider.
Dabei geht die Kunsttechnologie den charakteristischen Spuren einer Künstlerhandschrift nach: Wurde die Malschicht gestrichen oder gestupft, ist diese fließend, dünn, dick oder pastos, ein- oder mehrschichtig? Zeigen sich maltechnische Besonderheiten wie der Einsatz
von Bronzefarben, Metallfolien oder Glanzpapieren? Details der bemalten Seite und Aufnahmen im Durchlicht geben ungeahnte Einblicke in eine
faszinierende Technik.
Die Materialanalyse hatte zum Ziel, mit den Möglichkeiten der instrumentellen Analytik möglichst umfassend die Farb- und Bindemittel der Hinterglasbilder zu identifizieren. Um die Vorgehensweise der Chemiker zu veranschaulichen, wird ein Raum der Ausstellung zum Labor.

Museum Penzberg

Sammlung Campendonk

Stadt Penzberg
Karlstraße 25
82377 Penzberg

Abbildungen:

Ignaz und Daniel Preissler, Flusslandschaft mit Burg, 1.
Drittel 18. Jh., Sammlung Steiner © Foto: Simone
Bretz, Garmisch-Partenkirchen.

Nell Walden, Glasbild 42, 1918, Privatsammlung / Foto:
Simone Bretz, Garmisch-Partenkirchen.