München Artcurial: Picasso

Ausstellung vom 06. September bis 29. Oktober 2021

ab dem 06. September 2021 widmet Artcurial München dem großen spanischen Künstler Pablo Picasso eine Ausstellung. In Zusammenarbeit mit Marco Pesarese Fine Art und der Galerie Zink Waldkirchen werden im Showroom von Artcurial Deutschland 30 Druckgrafiken aus der Zeit von 1927 bis 1963 präsentiert und ergänzend fünf Positionen zeitgenössischer Kunst, welche auf angenehm unerwartete Weise Bezug auf einen der wichtigsten Künstler des vergangenen Jahrhunderts nehmen, gezeigt.

Marco Pesarese hat für die Ausstellung ausschließlich druckgrafische Werke zusammengetragen. In der Ausstellung befindet sich eine der seltensten Grafiken Picassos überhaupt: Minotaure à la coupe et son amie, 1933-34. Bisher ist nur ein einziges Exemplar dieser Radierung bekannt. Picasso hat es dem Drucker der Suite Vollard, Roger Lacourière, gewidmet und es ist eine kleine Sensation, dass dieses Werk in einer Ausstellung zu sehen ist.
Das Zitat von Pablo Picasso "Good artists copy, great artists steal" als Motto genommen, hat Michael Zink fünf zeitgenössische Künstler ausgesucht, welche in ihrem Werk manchmal ganz direkt oder auch nur formal an Pablo Picasso anknüpfen.

Der spanische Landsmann Matías Sánchezaus Sevilla portraitiert den alten Pablo Picasso 1972 im Jahr vor seinem Tod mit Palette und Pinsel vor seiner Staffelei. Der isländische Maler-Star Baldur Helgason dekonstruiert seine Figuren und setzt sie nach Altmeistermanier wieder neu zusammen. Die in Jena lebende Jana Gunstheimer zeigt aus ihrem Zyklus "Methods of Destruction", was passiert, wenn im Zuge einer Restaurierung auch das Schönheitsideal der Zeit angepasst wird.

Der belgische Zeichner und Bildhauer Dirk Zoete adaptiert die Leichtigkeit von Picassos Strich, indem er seine Figur mit Wollfäden auf die Wand zeichnet. Die amorphen Keramik-masken von Michael Sailstorfer lassen sich leicht mit den eigenwilligen Physiognomien von Picassos Portraits in Verbindung bringen, die ihrerseits wiederum inspiriert wurden von der Ästhetik traditioneller archaischer Masken aus Afrika und Ozeanien.

Alle gezeigten Werke in der Ausstellung sind verkäu?ich.

Zu sehen ist die Ausstellung vom 06. September - 29. Oktober 2021 im Showroom von Artcurial Deutschland in den Arkaden des Münchner Hofgartens, Galeriestraße 2b in München.

An den Wochenenden 11./12. September und 23./24. Oktober ist die Ausstellung jeweils von 12-18 Uhr geöffnet.

Artcurial Allemagne

Auktionshaus in München, Bayern

Galeriestraße 2B,

80539 München

Abbildungen:

Pablo Picasso Minotaure aveugle guidé par Marie-Thérèse au pigeon dans une nuit étoilée aus "Suite Vollard“ 1934 Aquatinta mit Schabeisen, Stichel und Kaltnadel überarbeitet auf Vergé de Montval mit Wasserzeichen Picasso, Plattengröße: 24,7 x 34,8 cm Bloch 225, Baer 437/IV/B.d aus der Auflage von 260 Exemplaren signiert

Pablo Picasso Faune dévoilant une Dormeuse aus "Suite Vollard" 1936 Aquatinta und Kupferstich auf Vergé de Montval mit Wasserzeichen Vollard, Plattengröße: 31,6 x 41,7 cm Bloch 230, Baer 609/VI B.d aus der Auflage von 260 Exemplaren

Sweat

Haus der Kunst München

Ausstellung vom 11. Juni 2021 bis 09. Januar 2022

Der menschliche Körper produziert Schweiß bei so unterschiedlichen emotionalen Zuständen wie Widerstand, Angst, Anziehung und Abstoßung, Freude, sexueller Erregung und Exzess. Die Ausstellung „Sweat“ erzählt – ausgehend von bewegten Körpern ¬– von lustvoller Selbstermächtigung und Geschichten des Widerstands.

Die hier versammelten 30 künstlerischen Stimmen sind an unterschiedlichen Orten, zu unterschiedlichen Zeiten und angesichts verschiedener Bedingungen des sozialen Druckes entstanden. Die jeweiligen Erfahrungen der Ausgrenzung und Unterdrückung – in Bezug auf Kultur, Geschlecht, Herkunft, soziale Schicht oder Sexualität – werden dabei nicht gegeneinander aufgewogen oder abgegrenzt. Ziel der Ausstellung „Sweat“ ist es vielmehr, die Aufmerksamkeit auf die Komplexität verschiedener Realitäten zu lenken und sinnliche Zugänge zu aktuellen gesellschaftlichen Diskursen zu schaffen.

Gegen gewaltsame Versuche, ihre Körper zu kontrollieren, wehren sich die Künstler*innen mit einer Poesie der Freude. Jacolby Satterwhite (geb. 1986, USA) verwandelt mit „We Are In Hell When We Hurt Each Other“ (2020) die Mittelhalle des Haus der Kunst in ein Nachtclub-Environment. Tanzende Avatare und faszinierende Landschaften einer Videoprojektion fungieren als Erweiterungen des eigenen Köpers. Satterwhite verschmilzt die Ästhetik von Musikvideo und Computerspiel, queerer Clubkultur und Voguing, westlicher Geschichte der Performance und afrikanische Riten mit persönlichen Video- und Tonaufnahmen. Der zweite Teil dieser Videoinstallation, „Shrines“ (2020), feiert im Oktober des Jahres im Haus der Kunst seine europäische Premiere.

Die Verbindung von Klang und Bewegung im Raum wird in einer weiteren Neuproduktion am Eingang der Ausstellung erfahrbar, einer wandfüllenden Malerei von Christine Sun Kim (geb. 1980, USA) („MAY BE HERE MAYBE HE RE“, 2021). Kim visualisiert oftmals verschiedene Gefühlszustände, die sie angesichts des Ausschlusses von öffentlichen Institutionen, den Medien und insbesondere der Kunstwelt erfahren hat – dort, wo der Zugang zu nicht-verbaler Verständigung nur unzureichend gegeben ist. In dieser neuen ortsspezifischen Malerei wiederholt sie die visuell ähnlichen Gesten für „maybe“ [vielleicht] und „here“ [hier] in amerikanischer Zeichensprache mit ihren schriftlichen Entsprechungen. Die Darstellungen aus Händen mit Pfeilsymbolen verdichten sich zu einem rhythmischen und kinetischen Muster.

Karneval als transatlantische, gemeinschaftsbildende Praxis der Maskerade, des Tanzes und der improvisierten Besetzung der Straße ist ebenfalls zentrales Thema. Eingeleitet wird es von António Ole (geb. 1951, Angola), dessen Film „Carnaval da Vitória“ (1978) vom wiedereingeführten Straßenkarneval in Luanda und Angolas anti-kolonialem Kampf um Selbstbestimmung handelt. Eine Weiterführung dieses Themas bilden die Skulpturen von Daniel Lind-Ramos (geb. 1953, Puerto Rico). Sie bestehen aus Fundstücken wie Masken, Musikinstrumenten, Stoffen und Sportartikeln, und fungieren als poetische Archive sowohl von musikalischen Traditionen, als auch von sozialen Auseinandersetzungen, Spiritualität der Vorfahren, und politischem Widerstand seines Heimatlandes Puerto Ricos.

Eine Hommage an den weiblichen Körper formuliert Mary Beth Edelson (geb. 1933, USA; gest. 2021, USA) mit „Great Goddess Cut-Outs“ (1974-1975). Mit dieser Skulpturenserie stellt sie archaische Gottheiten und Ahnenwelten dar und geht der formalen Verbindung zwischen dem Weiblichen und dem Göttlichen nach. Zeitgenössische Versionen dieser Forderung, die Bildsprache des eigenen Körpers selbst zu bestimmen, finden sich beispielsweise in den digitalen Selbstporträts, mit denen Tabita Rezaire (geb. 1989, Frankreich) archetypische Zuschreibungen an Schwarze Frauen herausarbeitet. Auch Tschabalala Self (geb. 1990, USA) drückt mit Porträts und Skulpturen unterschiedliche Haltungen gegenüber dem weiblichen Schwarzen Körper aus macht sich diese Zuschreibungen zu eigen. Zadie Xa (geb. 1983, Canada) verbindet in ihren tragbaren Textilarbeiten westliche Popkultur mit traditioneller südkoreanischer Mythologie. Ihr visuelles Vokabular nährt sich oft aus der Welt der Ozeane, die sowohl für den Ursprung des Lebens stehen, als auch für überlieferte Mythen einer matriarchalisch geprägten „Heimat“.

„What is danced nobody can take away from me“

Dieser Ausspruch von Santiago Reyes, der sich in seiner Tanzperformance „Dancing Southward“ (2016-) mehr und mehr in Schweiß getränkt materialisiert, könnte als Motto für die in „Sweat“ versammelten, Generationen und Nationen übergreifenden Geschichten des körperlichen Widerstands dienen. Die Zusammenschau von Werken der jüngsten Gegenwart und wegweisenden feministischen, queeren und postkolonialen Positionen der 1970er- und 1980er-Jahre zeigt, wie Künstler*innen die Veränderung von Körperpolitiken vorangebracht haben, und dass in den letzten Jahrzehnten künstlerische Formensprachen den kulturellen Verschiebungen ihrer Zeit voraus waren.

Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Publikation im K-Verlag mit Beiträgen von Olamiju Fajemisin, Raphael Fonseca, André Lepecki, Miguel A. López, Renée Mboya, Anna Schneider, Elena Setzer, Claire Tancons und Helena Vieira.

Kuratiert von Anna Schneider und Raphael Fonseca; kuratorische Assistenz: Elena Setzer

Mit Werken von Pacita Abad, Cecilia Bengolea, Mohamed Bourouissa, chameckilerner, Mary Beth Edelson, Philipp Gufler, Sunil Gupta, Eisa Jocson, Isaac Julien, Christine Sun Kim, Daniel Lind-Ramos, Natalia LL, MAHKU (Movement of Huni Kuin Artists), MPA, Mulambö, António Ole, Santiago Reyes, Tabita Rezaire, Michele Rizzo, Guadalupe Rosales, Jacolby Satterwhite, Tschabalala Self, Tuesday Smillie, João Pedro Vales Nuno Alexandre Ferreira, Kaylene Whiskey, Zadie Xa.

Stiftung Haus der Kunst München

Prinzregentenstraße 1,

80538 München

Abbildung:

Zadie Xa
"Child of Magohalmi and the Echoes of Creation", 2019
Photo: Benito Mayor Vallejo

DIE FARBEN DER AVANTGARDE

Buchheim Museum Bernried
Ausstellung vom 10.Juli bis zum 07.November 2021

Heckel begeistert sich für ein »brennendes« Rot, Kirchner freut sich über das »starke Violett«, Jawlensky stimmt ein »mystisches« Blau an, Beckmann konturiert seine Motive mit »magischem« Schwarz und Modersohn-Becker schwelgt in »Farbenstimmung«. Die Farben sind von großer Wichtigkeit für die Avantgarde, jener internationalen Strömung der frühen Moderne, die sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Expressionismus in Deutschland niederschlägt. Was ist neu an ihrem Kolorit? Welche Bedeutung messen die Avantgardist*innen ihren Farben und Farbzusammenstellungen bei? Und warum ist das heute genauso spannend wie damals?

WAS WAR DAVOR?
In früheren Zeiten mussten sich die Maler*innen ihre Farbpasten selbst anrühren. Dafür vermischten sie Farbpigmente mit einem Bindemittel, etwa Leinöl. Die Pigmente wurden aus anorganischen Farbmitteln hergestellt, also aus Erden wie Ocker oder Mineralien wie Eisenoxid, sowie aus organischen Farbstoffen, etwa dem Urin von Kühen bei Indischgelb oder den Blüten der Indigopflanze bei Indigoblau. Manche Pigmente waren selten und daher teuer.

DIE ERFINDUNG DER FARBTUBE
Mit Erstarken der Chemieindustrie im 19. Jahrhundert wuchs die Palette kostengünstiger synthetischer Farbpigmente. Ab 1841 gab es Ölfarben fertig gemischt und abgefüllt in verschließbaren Bleituben zu kaufen. Befreit von ihrem eigenen Farbmischlabor, konnten die Maler*innen nun mit Malkasten, Leinwand und Staffelei unterm Arm hinausziehen in die Welt. Die Bewegung der Freilichtmalerei erstarkte, so die Schule von Barbizon in Frankreich (1830–1870), die Künstlerkolonien in Dachau (ab 1875) oder in Worpswede (ab 1889). Landschaften wurden nun im unmittelbaren Abgleich mit der Realität auf die Leinwand gebracht werden.

DIE ENTDECKUNG DER FOTOGRAFIE
Neben der Entwicklung der Farbindustrie war auch das Hervorkommen der Fotografie ab 1826 eine entscheidende Vorbedingung der Avantgarde. Mit ihrer Verbreitung wurde die Malerei zur Abbildung der Wirklichkeit nicht mehr gebraucht. Wollte sie dennoch ihre kulturelle Stellung nicht verlieren, musste sie sich ändern. Ihr Akzent verschob sich von der objektiven Darstellung hin zur subjektiven Interpretation der Wirklichkeit. In Abgrenzung zur Fotografie, die bis in die 1930er Jahre hinein schwarz-weiß blieb, gewannen dabei Farben als Ausdrucksträger an Bedeutung.

IMPRESSIONISMUS
Die Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts übte sich noch in realistischer Darstellungsweise. Doch wurden häufig besonders farbintensive Lichtsituationen hervorgehoben und als Stimmungsträger interpretiert. Um 1870 leitete der Impressionismus einen Wechsel der Blickrichtung ein. Es ging nun nicht mehr um die Welt vor unseren Augen, sondern um den Eindruck, den die Welt in unseren Augen hinterlässt. Die Beleuchtungssituation ist nun das Thema. Die Malerei schwelgt in reinen Spektralfarben, welche der Wiedergabe der Lichtreflexe dienen sollen. Strich für Strich werden sie mit dem Pinsel nebeneinander gesetzt. Unsere Eigenleistung ist bei der Betrachtung gefragt. Denn erst bei der Wahrnehmung setzen sich die Farbelemente des Gemäldes wieder zu den Formen der dargestellten Welt zusammen.

EXPRESSIONISMUS
Um 1900 befreien sich die Farben gänzlich von dem Zwang der objektiven Wirklichkeitswiedergabe. Die realistische Lokalfarbe und die impressionistische Erscheinungsfarbe sind bei der Farbwahl nicht mehr maßgeblich. Die Farben werden nun zum rein subjektiven Ausdruckträger. Die Worpsweder Künstlerin Paula Modersohn-Becker ist die erste, die eine expressionistische Farbtheorie entwickelt. Ihre persönliche Empfindung ist für ihre Farbkonzeption entscheidend, nicht das Studium der Natur. Ihre Farbpalette soll eine einheitliche »Farbenstimmung« zum Ausdruck bringen. Ernst Ludwig Kirchner, Mitbegründer der 1905 in Dresden gegründeten Künstlergruppe »Brücke« vertritt eine ähnliche Auffassung. Er fertig immer »zwei Malereien«, zunächst eine »von der Natur« und dann eine »ganz frei aus dem Kopf«. Er nimmt die impressionistischen Erscheinungsfarben bei der Naturbeobachtung in sich auf, um sie dann unabhängig vom Wirklichkeitsbezug frei nach seinem Empfinden einzusetzen. Während bei Kirchner die Farben Ausdruck seines Lebensgefühls sind, gelten sie für Alexej von Jawlensky, Mitglied der 1911 in München gegründeten Gemeinschaft »Blauer Reiter«, als Symbol mystischer Transzendenzerfahrung. Im Expressionismus verlieren die Farben an Realitätswert. Dafür gewinnen sie an Symbolwert. Nicht was wir sehen, sondern was wir empfinden, fühlen, glauben und denken wird durch die Farben zum Ausdruck gebracht. Hierfür werden die Farben gegenüber einer wirklichkeitsgetreuen Darstellung vereinfacht, verzerrt oder verfehlt. Tonige Übergänge sowie Licht- und Schattenwirkungen werden weitgehend vermieden. Kräftige, ungebrochene Farben werden verwendet, die in harten Kontrasten zueinander stehen. Die Themen, die in den Farbkompositionen zum Ausdruck kommen, sind Erotik, Freundschaft, Naturerleben, Alltagsszenen und Transzendenzerfahrungen.



DIE AUSSTELLUNG
Zu sehen sind 76 Gemälde von Cuno Amiet, Max Beckmann, Otto Beyer, Fritz Bleyl, Erich Heckel, Alexej von Jawlensky, Max Kaus, Ernst Ludwig Kirchner, Rudolf Levy, Paula Modersohn-Becker, Otto Mueller, Emil Nolde, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff und, als Dialogpartner der Gegenwart, Bernd Zimmer. Sie stammen aus den Beständen des Buchheim Museums, aus der Sammlung Hermann Gerlinger sowie von weiteren privaten Leihgebern. Gegliedert sind sie weder chronologisch, noch nach Namen, noch nach Bildinhalten, sondern nach den Farben und Kontrasten, die in ihren Kompositionen jeweils zentral sind. Das menschliche Auge kann bis zu eine Millionen Farben unterscheiden. Die deutsche Sprache kennt 75.000 Wörter für Farben. Dem Farbforscher und Wahrnehmungspsychologen Axel Buether folgend, werden hier stellvertretend neun Farben ausgewählt, die im Expressionismus und im Leben besonders wichtig sind, die reinen Farben des Regenbogens, die bei der spektralen Zerlegung von Licht entstehen und die nicht weiter zerlegbar sind: Gelb, Orange, Rot, Pink, Blau, Türkis, Grün; sowie zusätzlich Braun und Schwarz.
Die Ausstellung soll wegführen von einer kunsthistorischen, von Begriffen geprägten Kunstbetrachtung. Sie soll die Augen, die Herzen und den Geist öffnen für das Wunder der Farbe in der Malerei. Hier ist jeder Experte, denn wir alle haben natürliche und kulturelle Erfahrungen mit Farben und verbinden bestimmte Bedeutungen mit ihnen. So kann die Kunst ihrem eigentlichen Ziel zugeführt werden. Sie ist eine Einladung an alle zum Schauen, zum Fühlen und zum Denken. Sie gibt uns den Anstoß, unser Leben freier, offener und phantasievoller zu gestalten, gerade so, wie die Avantgardist*innen die Farben freier, offener und phantasievoller als die Künstler*innen vor ihnen einsetzten. Die Ausstellung ist Teil der Ausstellungsreihe »Avantgarde in Farbe« der MuSeenLandschaft Expressionismus.

Buchheim Museum der Phantasie
Am Hirschgarten 1
82347 Bernried am Starnberger See

Abbildung:
Karl Schmidt-Rottluff
Junger Wald und Sonne, 1920
Öl auf Leinwand
Sammlung Hermann Gerlinger im Buchheim Museum der Phantasie, Bernried am Starnberger See
© VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Nachts. Clubkultur in München

München Stadtmuseum

Ausstellung vom 24. Juli 2021 bis 1. Mai 2022

Die kulturhistorische Ausstellung "Nachts" widmet sich in Form eines nächtlichen Streifzugs der Ausgeh- und Clubkultur Münchens von der Nachkriegszeit bis in die Gegenwart. Neben stadtplanerischen und ökonomischen Fragen nimmt sie insbesondere Menschen und Orte in den Blick, die das Geschehen in der Nacht und das Münchner Nachtleben prägten und prägen. Die Fata Morgana des Atomic Café, das im Münchner Stadtmuseum wieder zu betreten sein wird, zahlreiche Erinnerungsstücke aus Ultraworld, Ultraschall, Flughafen Riem, Kunstpark Ost, Registratur – um nur einige zu nennen – könnten die Ausstellung zu einer modernen Wallfahrt machen. Neben schillernden Personen und ihren nicht minder anziehenden Treffpunkten, beschäftigt sich die Ausstellung auch mit den Begleiterscheinungen des Nachtlebens wie dem Ein- und Ausschluss von Menschen, der Bedeutung von Migration und Geschlecht und erzählt von den Besonderheiten des Arbeitens in einem nicht alltäglichen, nächtlichen Geschehen. Dabei fragt die Ausstellung auch nach der Bedeutung von Nachtleben und Clubkultur in Bezug auf die Urbanisierung Münchens und lenkt den Fokus auf das aktuelle coronabedingte Sterben bekannter nächtlicher Orte und die Entwicklung alternativer Treffpunkte. Eine besondere Bedeutung kommt in "Nachts" dem Format der Veranstaltung zu: Ein umfangreiches Programm macht das Ausstellungsthema lebendig, erfahrbar und führt über die rein museale Begegnung hinaus.

Stadtmuseum München

St.-Jakobs-Platz 1
80331 München

Van Gogh Alive – The Experience

Austellung vom 27. Juli bis 01. November 2021

Utopia, München

Grande Experiences präsentiert Van Gogh Alive, eine multisensorielle Ausstellung für die ganze Familie. Van Goghs Werke werden seit über hundert Jahren auf der ganzen Welt ausgestellt - aber noch nie auf diese Weise. Nur für kurze Zeit haben Sie im Utopia in München die
einzigartige Gelegenheit van Goghs Kunst zu erleben und ganz in seine Welt zu einzutauchen. Van Gogh Alive ist ein COVID-sicheres Kunst- und Unterhaltungserlebnis, das bereits über 6 Millionen Menschen in 50 Städten auf der ganzen Welt inspiriert hat. Das digitale Ausstellungs-Highlight, das den berühmtesten Maler der Geschichte ehrt, wird vom 27. Juli bis zum 01. November im Utopia in München zu sehen sein. Um höchste Sicherheitsstandards und einen COVID-sicheren Rahmen gewährleisten zu können, wird der Einlass stark reduziert.
Van Goghs Werke werden seit über einem Jahrhundert ausgestellt - aber noch nie auf diese Weise. Sie müssen die Bilder nicht still und aus der Ferne betrachten. Van Gogh Alive ermöglicht es den Besucher*innen, ganz in van Goghs Welt einzutauchen und einen neuen,
unerwarteten Umgang mit Kunst zu entdecken. Vom ersten Augenblick an lädt eine lebendige Symphonie aus Licht, Farben, Klang und Düften
dazu ein, die Welt hinter sich zu lassen und in ein unvergessliches Erlebnis für alle Sinne einzutauchen. Van Goghs Meisterwerke werden lebendig, plastisch, greifbar. Als ob man direkt in seine Bilder hineingezogen würde.
Kinder und Erwachsene haben die Möglichkeit die Kunstwerke aus neuen Blickwinkeln zu betrachten und einzigartige Perspektiven auf Vincent van Gogh zu entdecken. Neben seinem künstlerischen Werk werden auch zahlreiche Fotos und Videos ausgestellt, die neue Einblicke in van Goghs Inspirationsquellen geben. Eine interessante und faszinierende Erfahrung, die Spaß macht!

Die Sicherheit und der Schutz der Besucher*innen und unseres Teams vor COVID 19 genießt bei Van Gogh Alive höchste Priorität. Das Utopia, unser Ausstellungsort, verfügt mit über 1200m2 über genügend Raum, uns jederzeit an die Richtlinien und Vorschriften der zuständigen Gesundheitsbehörden anzupassen. Um den Sicherheitsabstand strikt einhalten zu können, wird die Anzahl der Teilnehmer*innen pro Zeitfenster stark reduziert. Es steht Händedesinfektionsmittel zur Verfügung und Masken müssen getragen werden. Zwischen den Zeitfenstern und am Abend wird die Ausstellungsfläche sorgfältig gereinigt und desinfiziert.Wir freuen uns sehr darüber, nach so langer Zeit das kulturelle Leben zurück nach München zu bringen.

Das Utopia ist der ideale Ort, die digitale Reise in das Leben und Werk des Fin-de-siecle Künstlers Vincent van Gogh zu begehen. Grande Experiences hat mit SENSORY4™ eine Technologie entwickelt, die riesige Projektionen von sensationeller Klarheit ermöglicht. Über 3000 Bilder werden von eindringlicher, klassischer Musik begleitet und verwandeln den Ausstellungsraum in ein Gesamtkunstwerk. Gehen Sie auf in den kräftigen Farben von van Goghs detailreichem Werk. Kinder und Erwachsene können ihre eigenen Wege gehen und sich ganz von ihren Interessen leiten lassen.

Betrachten Sie van Goghs Kunstwerke auf Ihre Weise. Erkunden Sie Geheimnisse. Erforschen Sie die zahlreichen Fotos und Videos, die neben seinem künstlerischen Werk ausgestellt werden und neue Einblicke in seine Inspirationsquellen geben. Oder lassen Sie die Bilder, Klänge und Düfte einfach auf sich wirken und genießen Sie die Vielzahl der Eindrücke, die wie Wellen über Sie hinweg gehen werden.

Utopia,

Heßstraße 132,

80797 München

Die Kinderzeichnung und der Expressionismus

Schlossmuseum Murnau

Ausstellung vom 29.Juli bis 07.November 2021

Das Schloßmuseum Murnau widmet sich im Sommer 2021 einem Thema, mit dem sich bereits Wassily Kandinsky, Paul Klee, Pablo Picasso, Asger Jorn und weitere bedeutende Künstler der Klassischen Moderne intensiv auseinandersetzten.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren über die Kreativität von Kindern zahlreiche Publikationen erschienen und es gab einige Ausstellungen zu dieser Thematik. Bereits seit den 1880er-Jahren hatte sich Alfred Lichtwark, erster Direktor der Hamburger Kunsthalle, mit dem Kunstunterricht in Schulen beschäftigt. Zusammen mit dem Pädagogen Carl Götze zeigte er 1898 in der Kunsthalle die Ausstellung „Das Kind als Künstler“. 1922 erschien Gustav Hartlaubs Buch „Der Genius im Kinde. Zeichnungen und Malversuche begabter Kinder“, das auf die Vorbereitungen zur gleichnamigen Ausstellung in der Mannheimer Städtischen Kunsthalle im Frühjahr 1921 zurückging.

Die vermehrte Auseinandersetzung mit der Wahrnehmung des Kindes erregte früh die Aufmerksamkeit in Künstlerkreisen. Wassily Kandinsky war einer der ersten Künstler, der erfasste, welche Bedeutung die Adaption von Wesen und Wirkung der Kinderzeichnung für die Kunstentwicklung haben könnte. Das kindliche Universum, die Parallelität von Fantasiewelt und Realität, die Spontaneität und nicht zuletzt die Unbeschwertheit im Umgang mit Größenverhältnissen und Gesetzen der Schwerkraft sowie das hohe Abstraktionsvermögen, das schon der Schriftsteller Charles Baudelaire bewundert hatte, gaben der expressiven Malerei damals wie heute Impulse.

Nicht zuletzt führt uns die Auseinandersetzung mit der Kinderzeichnung in einen „Zustand der Kindheit“, an dem Künstler festhalten sollten, da er Lebendigkeit und Frische verspricht. Das empfahl im 19. Jahrhundert etwa der britische Maler und Kunsthistoriker John Ruskin.
Die schicksalhafte Bedeutung naiv-kraftvoller Ausdrucksmittel für den niederländischen Maler Constant und die Gruppe Cobra steht in der Ausstellung ebenso im Mittelpunkt, wie es auch um die lebenslangen Auseinandersetzungen und ambivalenten Positionierungen  von Paul Klee geht. Arbeiten von Arnulf Rainer und A. R. Penck dokumentieren die Wege und Methoden der nachfolgenden Generation.
Der Titel der Ausstellung lehnt sich an Wassily Kandinskys Titel seiner berühmten theoretischen Schrift „Punkt und Linie zu Fläche“ an. Die 1926 als Band 9 in der Bauhaus-Bücherreihe erschienene Publikation bildete die Grundlage seines Bauhaus-Unterrichts als Pädagoge.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Beiträgen von Pia Dornacher, Isabelle Jansen, Hannah Monyer, Jacopo Galimberti und Heribert Riesenhuber.

Die Ausstellung im Schloßmuseum Murnau findet im Rahmen der Ausstellungsreihe „Avantgarde in Farbe. Blauer Reiter, Brücke, Expressionismus” der MuSeenLandschaft Expressionismus statt, die auch ins Buchheim Museum in Bernried am Starnberger See, ins Franz Marc Museum in Kochel am See, ins Museum Penzberg – Sammlung Campendonk und ins Lenbachhaus in München führen wird (www.museenlandschaft-expressionismus.de).

Schloßmuseum Murnau

Markt Murnau a. Staffelsee
Schloßhof 2-5,

82418 Murnau a. Staffelsee

Abbildung:

1. Paul Klee, Waldvogel, 1920, 81
Aquarell und Bleistift auf kreidegrundierter Gaze auf Papier,
oben und unten mit Glanzpapierstreifen angestückt, auf Karton,
Privatsammlung, © Foto: Nikolaus Steglich, Starnberg

Campendonk, die Expressionisten und das Kunsthandwerk

Erstmals kann im Museum Penzberg – Sammlung Campendonk die bedeutsame Wechselbeziehung von kunsthandwerklichen Arbeiten und moderner Malerei anhand zahlreicher Werke von Vertreter*innen des Blauen Reiter, der Brücke und der Rheinischen Expressionisten nachverfolgt werden. Heinrich Campendonks Ausbildung an der Kunstgewerbeschule Krefeld und sein Bezug zum Kunsthandwerk stehen im Zentrum der Ausstellung.

Kunst und Leben gehörten für viele avantgardistische Künstler*innen zusammen. Töpfern, Schnitzen, Sticken sowie Raum- und Möbelgestaltung waren als gleichrangige Ausdrucksform zeitgemäßen Kunstschaffens anerkannt. Der private Raum wurde somit zum Spiegel der eigenen Persönlichkeit.

Künstler als Entwerfer

Der Gedanke einer künstlerischen Gestaltung aller Lebensbereiche verbreitete sich in den Reformbewegungen um die Jahrhundertwende. Aufgegriffen und vermittelt wurde er an den fortschrittlichen Kunstgewerbeschulen. Heinrich Campendonk und Helmuth Macke erlernten in Krefeld von Johan Thorn Prikker die Zusammenführung von Kunst und Handwerk: Die Künstler wurden zu Erfindern neuer Formen für die gewerbliche Industrie. Ergriffen vom Reformgeist der Zeit planten Heinrich Campendonk und August Macke bereits 1912 in Köln eine Akademie auf Basis des Kunstgewerbes. Eine Idee, die jedoch erst nach dem Ersten Weltkrieg mit der Gründung des Bauhauses in Weimar Realität wurde.
Zeitlebens befasste sich Campendonk mit dem Auflösen der Gattungsgrenzen, indem er kunsthandwerklichen Techniken eine große Bedeutung zusprach. Seine frühen StickereiEntwürfe, Hinterglasbilder oder auch Holzschnitte zeugen von dieser Ent-Hierarchisierung der Techniken. Da nur wenige Stickereien Campendonks erhalten sind, hat das Museums eigens für die Ausstellung die Textilkünstlerin Anna Liebst mit einer Replik von Das gelbe Tier beauftragt.

Expressionistisches Kunsthandwerk
Ausgehend vom vielseitigen Schaffen und Entwerfen Campendonks nimmt die Ausstellung weitere Künstler*innen in den Blick, die heute dem Expressionismus zugeschrieben werden. Inspiration schöpften Wassily Kandinsky, Gabriele Münter, Maria Franck-Marc, August Macke und Ernst Ludwig Kirchner aus der Volkskunst, traditionellen Handwerkstechniken und nicht-westlichen Kultobjekten. Sujets, die wiederum in den zeitgleichen Gemälden Einzug fanden. Unter den Rheinischen Expressionisten ist die Künstlerin Fifi Kreutzer eine Entdeckung. Sie war bereits 1914 auf der Werkbundausstellung in Köln mit Wandbehängen, Webereien und Keramiken vertreten. Anfang der 1920er-Jahre fertigte sie Stickereientwürfe und entwarf Vorsatzpapiere für Buchverlage. In Penzberg werden zum ersten Mal im süddeutschen Raum die phantasievollen Arbeiten Fifi Kreutzers gezeigt.
Dank zahlreicher Leihgaben namhafter Museen und Sammlungen wird so in thematisch gegliederten Räumen ein von der Kunstgeschichte kaum beachteter Gegenstand in seiner ganzen Vielfalt präsentiert: Ein Panorama an Techniken und Stilrichtungen des frühen 20. Jahrhunderts, das von Jugendstil-Möbeln Richard Riemerschmids, einem geschnitzten Spiegelrahmen Ernst Ludwig Kirchners, einer Webarbeit Maria Franck-Marcs bis zu einem zwei Meter langen Gobelin Heinrich Campendonks reicht.
Die Ausstellung im Museum Penzberg – Sammlung Campendonk findet im Rahmen der Ausstellungsreihe „Avantgarde in Farbe. Blauer Reiter, Brücke, Expressionismus“ der MuSeenLandschaft Expressionismus statt, die auch ins Buchheim Museum in Bernried am Starnberger See, ins Schloßmuseum Murnau, ins Franz Marc Museum in Kochel am See und ins Lenbachhaus München führen wird.

Museum Penzberg — Sammlung Campendonk
Am Museum 1,82377 Penzberg

Abbildung:

Heinrich Campendonk, Pferd, Gems, Kuh, um 1913, Stickereientwurf

© VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Heidi Bucher. Metamorphosen

München Haus der Kunst

Ausstellung vom17. September 2021 bis 13. Februar 2022

„Räume sind Hüllen, sind Häute. Eine Haut nach der andern ablösen, ablegen: Das Verdrängte, Vernachlässigte, Verschwendete, Verpasste, Versunkene, Verflachte, Verödete, Verkehrte, Verwässerte, Vergessene, Verfolgte, Verwundete.“ Heidi Bucher

Mit Heidi Bucher (* 1926 Winterthur, † 1993 Brunnen, Schweiz) präsentiert das Haus der Kunst eine bedeutende und wiederzuentdeckende Künstlerin der internationalen Neo-Avantgarden, die mit ihren Latex-Werken die Zwänge und Befreiungsprozesse menschlicher Existenzformen ergründet. Die Retrospektive stellt erstmals alle zentralen Werkgruppen der Öffentlichkeit vor, von den Anfängen über die experimentelle Zeit in Los Angeles, das Hauptwerk mit den Architektur-Häutungen bis zum auf Lanzarote entstandenen Spätwerk.

Eingeschränkt durch genderbedingte Voreingenommenheit, wurde Heidi Buchers Laufbahn zunächst nicht in Richtung der Schönen Künste gelenkt, sondern zu Mode- und Textildesign. Sie studierte bei Johannes Itten in Zürich, hatte jedoch auch weibliche Lehrer wie z.B. die Schweizer Textilgestalterin Elsi Giauque, die ihrerseits eine Studentin Sophie Taeuber-Arps gewesen war. In den 1940er-Jahren schuf Heidi Bucher Papierarbeiten und experimentierte mit Seide oder Tüll, die sie auf Pappe, Holz oder Aluminium klebte oder darauf befestigte. In diesen Gebilden, die sich wie Gemälde ausnahmen, war ihre spätere Hinwendung zur Skulptur bereits angelegt.

Während ihr Ehemann Carl Bucher Innen- und Außenraum Objekte schuf, die wie Quallen leuchteten („Phosphorescent Inflatables“) oder wirkten, als ob sie schweben („Apparel Sculptures“), entwickelte Heidi Bucher bereits die Idee von statischer Skulptur hin zu einer bewegten. Die Form der trag- und tanzbaren Körperskulpturen „Bodyshells“ (1972), Heidi Buchers erster Werkgruppe, ist von Meerestieren inspiriert; sie wurden am Strand von Venice Beach aktiviert. In ihnen wird die das Bauhaus kennzeichnende Zusammenführung von Disziplinen erkennbar: Skulptur, Architektur, Design und Tanz verschmelzen miteinander. Zudem konnte Heidi Bucher ihr Interesse an Textilien integrieren. Noch im selben Jahr wurden die „Bodyshells“ am LACMA in Los Angeles ausgestellt. Für ein Symposium im Rahmen dieser Ausstellung werden sie rekonstruiert und erneut aktiviert.

Die Jahre 1970 bis 1973 verbrachte Heidi Bucher zunächst in Kanada, dann in Kalifornien, wo sie in Berührung mit der feministischen Kunst amerikanischer Prägung kam: Judy Chicago und Miriam Schapiro riefen zu dieser Zeit das Female Art Program ins Leben, Judy Brady veröffentlichte ihr satirisches Manifest „I Want a Wife“, und nicht weit vom Wohnhaus der Buchers befand sich das Woman’s Building, die langlebigste feministische Einrichtung von Los Angeles. Heidi Bucher war förderndes Mitglied von Womanspace, einer ähnlichen Einrichtung, und nahm an einer Ausstellung teil. Diese Begegnungen schärften ihre Perspektive ebenso wie die Bekanntschaft mit dem Werk von Eva Hesse und die aus diesen Jahren gründende Freundschaft mit Ed Kienholz.

1973, nach der Rückkehr aus den USA und der Trennung von Carl Bucher, beginnt Heidi Bucher mit der emanzipatorischen Geste der Latex-Häutung ihr Hauptwerk. Nun wird die Inbesitznahme und Verwandlung von Räumen zum Leitmotiv. Für den Abzug ihres eigenen Künstler-Studios „Borg“ (1974-78, Bucher leitete den Namen von Ge-borg-enheit ab), dem Kühlraum einer ehemaligen Metzgerei, fixierte sie Gaze mit Fischkleister an den Wänden, bestrich diese mit flüssigem Latex, um die getrockneten Schichten unter körperlicher Anstrengung, aber dennoch behutsam abzuziehen. In den Jahren von 1973 bis 1978 entstehen die „Einbalsamierungen“ und „Weichobjekte“, eine surreal anmutende Bilderwelt zur Aufarbeitung weiblicher Unterdrückung: Bucher arrangierte textile familiäre Fundstücke wie Unterwäsche, Kinder- und Frauenkleider oder Bettdecken, überzog sie mit Latex, kombinierte sie mit Muscheln und trug Farbpigmente von Perlmutt, Lila oder Gold auf. Die Idee der Überwindung sowohl von traumatischen Situationen, als auch von herkömmlichen Geschlechterrollen erreichte in dem Werk „Libellenlust (Kostüm)“ (1976) einen ersten Höhepunkt; für dieses Kostüm formte die Künstlerin die Wandhäutungen zu einem libellenartigen Fächer und balsamierte es mit Perlmutt ein.

Auch in ihrem Elternhaus trug sie flüssiges Kautschuk auf Boden und Wände des „Herrenzimmers“ (1978/82) auf, das ehemals den männlichen Familienmitgliedern vorbehalten gewesen war, und löste mit dieser Häutung sinnbildlich die patriarchale Familienstruktur ab. In den Räumen, von denen die Frauen durch häusliche und familiäre Verpflichtungen ausgeschlossen gewesen waren, gab sie durch die Häutung Schmerzliches und Persönliches preis, um Integrität und Autonomie herzustellen. Eine dritte Häutung nahm sie im „Ahnenhaus“ der Großeltern vor (1980-1982), dessen Böden nun erstmals mehrgeschossig präsentiert werden – so, wie eine Skizze der Künstlerin es vorsah.

Die Schauplätze, die Heidi Bucher wählte, besaßen vielfach private und öffentliche Bedeutung zugleich, wie die psychiatrische Klinik Bellevue am Bodensee. Heidi Bucher häutete auf dem villenartigen Gelände das „Kleine Glasportal“, das „Audienzzimmer des Doktor Binswanger“ und die Badeanstalt (1988). In dem Audienzzimmer hatte Binswanger seine erste Probandin, die vermeintliche Hysterie-Patientin Anna O. und spätere Frauenrechtlerin Bertha Pappenheim, behandelt, in engem Austausch mit Sigmund Freud. Mit der Häutung des Eingangsportals des verlassenen Grand Hôtel Brissago (1987) am Lago Maggiore stellte sich Bucher einem kollektiv von Schuld und Scham besetzten, höchst ambivalenten Raum: Das Hotel war zunächst Erholungsort für Intellektuelle gewesen und wurde während des Regimes der Nationalsozialisten zu einem staatlich organisierten „Interniertenheim“ für jüdische Kinder und Frauen.

Wenn Heidi Bucher mit ihren Häutungen gesellschaftliche wie private Machtstrukturen entlarvte, so öffnete sie in einem nächsten Schritt den Raum auch für Veränderung. Der Aspekt der Metamorphose kommt in ihrem Manifest „Parkettlibelle“ zum Ausdruck, in dem sie ihre Arbeit als einen „Metamorphosenprozess“ bezeichnet, bei dem die Loslösung von sozialer Konditionierung mit der Aufweichung und Mobilisierung von Gegenständen – eben statischer Verhältnisse – einhergeht. Bereits im weichen Material der „Bodyshells“ waren die Körper der Aufführenden geschlechtslos, verborgen und geschützt. Anders als die feministischen Künstlerinnen der USA, die sich auf die weibliche Anatomie konzentrierten, und anders auch als Louise Bourgeois, stellte Heidi Bucher Nacktheit weder explizit zur Schau, noch folgte sie dem psychoanalytischen Ansatz. Sie brachte vielmehr eine gesellschaftliche Utopie zum Ausdruck, die nach ganzheitlichen Möglichkeiten sinnlichen Empfindens strebte, wie sie sich erst nach der Überwindung herkömmlicher Geschlechterrollen auftun. So hat sie seit der Häutung des Herrenzimmers 1978 konsequent eine formal und ästhetisch einzigartige künstlerische Sprache geschaffen, ohne auf figurative Darstellungen zurückzugreifen.

In der späten Schaffensphase von 1983 bis 1993 entstehen die „Weißleimhäuser“ (1988), kleine Plastiken aus Schaumstoff, Textil und Farbe, die mit Weißleim verklebt waren. Die schmucklosen Miniaturen von minimalistischer Zurückgenommenheit zeugen von Buchers stetiger Auseinandersetzung mit Innen- und Außenräumen. Sie beziehen sich auf den Baustil kanarischer Wohnhäuser; Bucher verbrachte nun vermehrt Zeit auf der Vulkaninsel Lanzarote, in einem Haus, das weder fließendes Wasser noch Elektrizität hatte. In ihren Werken kommt der Tür symbolische Bedeutung zu, als Schwelle zum Jenseits. Ökologische und naturkosmologische Fragen treten nun in den Mittelpunkt und drücken sich auch in dem großformatigen Latexwerk „Die Rettung der Haut ozeanisch“ (1981) aus.

Für ihre Projekte fertige Heidi Bucher vorbereitende Zeichnungen, Aktionsabläufe und Werkinstruktionen an. Im Wissen um die Bedeutung ihres Werks hat sie auch den performativen Herstellungsprozess filmisch und fotografisch dokumentieren lassen. Dieses teils erst entdeckte und für die Ausstellung restaurierte Material ergänzt die über 150 Exponate um den Aspekt, dass Nachvollziehbarkeit der Künstlerin früh ein Anliegen war.

Der Katalog enthält Beiträge von Jana Baumann, Chus Martínez, Jenni Sorkin, Kathleen Bühler sowie ein Gespräch zwischen Carina Bukuts und Elisabeth Kübler, Quellenmaterial, Gedichte und andere bisher unveröffentlichte Schriftstücke.

Die Ausstellung im Haus der Kunst wird neben dem gewichtigen Sammlungskonvolut von The Estate of Heidi Bucher mit zentralen Werken aus dem Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, Paris, der Jill and Peter Kraus Collection, der Kunstsammlung des Kantons Zürich oder dem Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich, unterstützt.

Kuratiert von Jana Baumann; kuratorische Assistenz: Luisa Seipp

Haus der Kunst München,
Prinzregentenstraße 1,

80538 München

Abbildungen:

Heidi Bucher beim Häutungsprozess von Herrenzimmer, 1978
The Estate of Heidi Bucher
Foto: Hans Peter Siffert

Patrick Hartl - First Lines

Ausstellung vom 23. September bis 28. Oktober 2021

Mit der Ausstellung FIRST LINES geht der Künstler buchstäblich zurück zu seinen Wurzeln. Patrick Hartl ist in Puchheim aufgewachsen. Seine ersten Graffiti, seine FIRST LINES, entstanden 1992 an der Wand des öffentlichen Basketballplatzes nahe der Realschule Puchheim die er auch
besuchte. 27 Jahre später ist Hartls künstlerisches Werk stark geprägt von der Rückbesinnung und der Sinnsuche eben dieser Wurzeln. Graffiti, die Kunst seinen Namen an die Wand zu schreiben, hat mittlerweile längst als „Urban Contemporary Art“ seinen Weg in die Galerien und Museen dieser Welt gefunden. Aber was ist das eigentlich, und warum? Anh Nguyen (Freischaffende Kuratorin und Kunsthistorikerin) beschreibt ihn wie folgt: Ein deutscher zeitgenössischer Künstler mit einer Leidenschaft für Handschrift und Beschriftungen. Im Alter von 15 Jahren begann er Graffitis zu malen und erlernte sein künstlerisches Können über die Jahre bei den wachsenden Kunstmilieus urbaner Jugendkulturen. Während seines Graphikstudiums entdeckte er schließlich die Liebe zur Kalligraphie und stilisierten Schriftarten, die tief in der gotischen Schrift im
Altdeutschen verankert sind. Patrick Hartl verbindet durch die Kalligraphie ein altes Kunsthandwerk mit dem neuen Stil des Graffitis von der Straße. Durch die Verschmelzung von Tradition und Moderne sowie Text und Bild entwickelt er seinen eigenen unverwechselbaren Stil.

Puchheimer Kulturcentrum PUC
Oskar-Maria-Graf-Str. 2
82178 Puchheim

Grand Tour XXL. Der Reisekünstler Emel?jan Korneev

Ausstellung vom 24. September 2021 bis 30. Januar 2022

Stadtmuseum München

Bis weit ins 19. Jahrhundert hinein galt eine Grand Tour nach Italien für Künstler als unverzichtbare Bildungsreise. Emel?jan M. Korneev (1780 – nach 1839) ging jedoch noch viel weiter: als Teil einer Expedition bereiste er 1802/03 ganz Russland und gelangte bis nach Sibirien und an die südöstlichen Grenzen zu China. Von der Krim aus ging es dann weiter nach Konstantinopel und über Kleinasien in das damals osmanisch besetzte Griechenland. Noch unterwegs löste er ein Reisestipendium ein, das er für seinen mit einer Goldmedaille ausgezeichneten Abschluss an der Akademie in St. Petersburg erhalten hatte. So konnte er im Jahr 1805 auch Italien bereisen, wo Aufenthalte in der Gegend von Neapel, auf Ischia, den Phlegräischen Feldern, Paestum und Tivoli, belegt sind.

FORUM 051: Jonathan Danko Kielkowski – Die Ästhetik des Scheiterns

Räumlich und inhaltlich eingebunden in die Ausstellung "Grand Tour XXL" findet das Forum 051
für junge Fotografie mit Werken von Jonathan Danko Kielkowski (geb. 1988) statt. In seinen Fotografien fokussiert Kielkowski Räume, die durch großen finanziellen Aufwand sowie menschliche Dichte charakterisiert waren, im Hier und Jetzt jedoch zurückgelassen und in Auflösung begriffen brach liegen. Die Ausstellung zeigt eine repräsentative Auswahl von Werken aus drei Projekten in Italien, Spitzbergen und Kasachstan.

Stadtmuseum München

St.-Jakobs-Platz 1
80331 München

Abbildung:

Emel’jan Korneev, Blick von Procida auf einen nächtlichen Vesuvausbruch, 18.8.1805
Feder, Pinsel, Sepiatusche
Münchner Stadtmuseum

JUDY RIFKA - A GLANCE THROUGH THE REARVIEW MIRROR

Ausstellung vom 24. September bis 31. Oktober 2021

P U L P O  G A L L E R Y Murnau am Steffelsee

A Glance through the Rearview Mirror ist die erste Retrospektive der amerikanischen Ku?nstlerin Judy Rifka in ihrem u?ber fu?nzigja?hrigen Schaffen. Die Ausstellung zeigt Arbeiten der Ku?nstlerin von 1974 bis heute, darunter die im kunsthistorischen Kontext bahnbrechenden Single Shapes on Plywood aus dem Jahr 1978.
 
Rene Ricard beschreibt in seinem berühmten Artforum-Artikel “The Radiant Child” von 1981 Judy Rifkas kunsthistorisch nachhaltige Relevanz wie folgt: “Is innovation important? [...] The trick is to make it appear that the innovator ripped it off from you. A good example of this principle is the case of Judy Rifka’s work at the debut of the 70’s. Her Single Shapes on plywood are among the most important paintings of the decade. Every painter who saw them at the time recognized their influence. She could then be called a painter’s painter if feeding ideas to others is what painters’ painters do. I suspect that it would be a heartbreaking thing to watch others get credit for your invention. Her researches into Constructivist theory were groundbreaking [...].”

Als rastloser Geist mit einer postmodernen, punk-gleichen Seele begann Rifka ihre ku?nstlerische Laufbahn wa?hrend der Blu?tezeit des Age of Aquarius, der Hippie-Generation inmitten von Vietnam und politischem Chaos. Ihre handlungsorientierte Grundeinstellung erlaubte es Rifka, sich in diesem Umfeld auszuprobieren und zu entwickeln. Ob sie umherreiste oder in einem Navajo-Reservat in New Mexico lebte, um Raum in seiner Grenzenlosigkeit zu verstehen, Judy Rifka arbeitete passioniert und zielstrebig an ihren konstruktivistischen U?berlegungen und u?bertrug diese in ihre Arbeiten, mit welchen ihr schließlich Mitte der 1970er Jahre mit ihren Single Shapes on Plywood der ku?nstlerische Durchbruch gelang.

In seinem Essay zur Ausstellung schreibt der amerikanische Kurator Gregory de la Haba:
"Rifka will Linien und Formen, die sich im Raum befinden, wie ihre Flugbahn im Raum und ihren begleitenden Nachhall, nach außen und innerhalb der vierwandigen Arrestzelle - der 4'x4' Sperrholzplatte - festhalten. Diese einfachen und doch majesta?tischen Formen du?rfen, wie sie sagt, auf der Platte "tanzen", und durch die Schichtung und den Aufbau von handgefertigter Farbe entstehen sie langsam und mu?hevoll als "morphende Felder", eine Ko?rperform, die nach innen und außen abprallt und eine Eigendynamik aufbaut, eine zentrifugala?hnliche Kraft, die von der Bildebene ausgeht und im mit dem Blick der Postmoderne deutlich und zeitlos existiert. Die Bewegung gibt die Richtung vor und la?sst damit die Form die Gestaltung vorgeben, welche sich wiederrum beginnt, sich selbst zu gestalten und sich vorwa?rts zu bewegen."

Judy Rifka wurde 1945 in New York City geboren. Sie war fester Bestandteil der Downtown- Szene der 70er und 80er Jahre in New York City und nahm mit ihren Werken an den Whitney Biennalen 1975 und 1983 sowie an der Documenta VII in Kassel teil.
Ihre Karriere umfasst mehr als fu?nfzig Einzelausstellungen und zahllose Gruppenausstellungen. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen o?ffentlichen Sammlungen in den Vereinigten Staaten und Europa zu sehen und wurden in bedeutenden Ausstellungen gezeigt, darunter im Museum of Modern Art, New York; im San Francisco Museum of Modern Art; Carnegie Mellon University; Institute of Contemporary Art, Philadelphia; The New Museum of Contemporary Art, New York; The Brooklyn Museum; Museum Moderner Kunst, Wien; Laforet Museum, Tokio; Kunst Rai, Amsterdam; Mint Museum, Charlotte; Bass Museum of Art, Miami; The Museum of Fine Art, Boston; Rhode Island School of Design, Providence.
Judy Rifka ist bis heute in wesentlichen Publikationen und Magazinen vorgestellt worden, darunter u.a. Art Forum, Art in America, Kunstforum, Tema Celeste, Flash Art, The New Yorker, Elle and New York Magazine.

P U L P O  G A L L E R Y
Katherina Zeifang
PULPO GALLERY GmbH | Obermarkt 51 | 82418 Murnau am Staffelsee

Fantastisch real. - Belgische Moderne von Ensor bis Magritte

Ausstellung vpm 15. Oktober 2021 bis 06. März 2022

Kunsthalle München

Die Kunsthalle München präsentiert zwischen 1860 und 1960 entstandene Meisterwerke der belgischen Moderne. Anhand von rund 130 Gemälden, Grafiken und Skulpturen veranschaulicht die Ausstellung, wie die Kunst jener Zeit die Grenzen von Fantasie und Wirklichkeit stets
aufs Neue auslotete. Dabei rückte die schlichte Alltagsrealität ebenso in den Blick wie die Geheimnisse und Rätsel jenseits der sichtbaren Welt. Die Schau beleuchtet den spezifischen Weg der belgischen Kunst von realistischen Szenen des einfachen Volkes und atmosphärischen
Landschaften über die fantastischen Maskeraden James Ensors bis zu den surrealen Welten von Paul Delvaux und René Magritte. Neben solchen großen Namen sind unter den etwa 40 ausgestellten Künstlern zahlreiche hierzulande kaum bekannte Maler wie Eugène Laermans,
Constant Permeke oder Rik Wouters zu entdecken.
Zur faszinierenden Wirkung der belgischen Kunst trägt maßgeblich das Zusammenspiel zweier gegensätzlicher Kräfte bei: des Realen und des Fantastischen. In den Hinterzimmern der Realität haust das Übersinnliche; in ihren versteckten Winkeln lauert die Fantasie mit ihren Träumen und Mysterien. Dieses Phänomen basiert auf den wirklichkeitsgetreuen, detailgenauen Darstellungen der flämischen Malereitradition von Altmeistern wie Hieronymus Bosch oder Pieter Brueghel dem Älteren. In der Moderne entwickelt sich der Dualismus von Realem und Fantastischem zu einem zentralen Charakteristikum der belgischen Kunst. Einerseits bleibt sie, bis in den Expressionismus hinein, sehr stark einer realistischen Tradition verbunden.
Andererseits wird, stets aus der Wirklichkeit heraus, immer wieder aufs Neue das Mysterium der Dinge beschworen. 1887 führte der einflussreiche Brüsseler Schriftsteller Edmond Picard das »reale Fantastische« (»le Fantastique réel«) als ästhetische Kategorie in seiner Heimat ein: Es blicke »misstrauisch auf das Leben, auf die Menschen, auf die Dinge und hat beunruhigende Gedanken dazu. Nichts ist so einfach, wie man glaubt. […] Es gibt Darunterliegendes, Mysterien.« Das Phänomen des realen Fantastischen verband im Bereich der Kunst Naturalisten und Symbolisten, hatte aber gleichzeitig auch eine politische Dimension: Die ästhetische Verschmelzung beider Bereiche wurde als Ausdruck einer Verschmelzung der zwei zentralen (kultur-)politischen Identitäten Belgiens wahrgenommen: die des französischsprachigen Wallonien und die des
niederländischsprachigen Flandern.

Mit Blick auf diese besondere Ausprägung der belgischen Moderne zeichnet die Ausstellung in zehn Kapiteln die Entwicklung der Kunst von der Mitte des 19. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts nach und verortet die Werke dabei in ihren kultur- und sozialgeschichtlichen Kontexten.
Das erste Kapitel widmet sich mit Malern wie Henri Leys oder Alfred Stevens dem Historismus und der Salonmalerei in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es vermittelt die Faszination der Künstler für Begebenheiten aus dem 16. Jahrhundert, als Städte wie Antwerpen einen
bedeutenden wirtschaftlichen und kulturellen Aufschwung erlebten, und zeugt von dem Bestreben, für die junge Nation Bilder einer historischen Vergangenheit zu kreieren. Gleichzeitig wird hier das Interesse an Szenen des modernen Lebens oder Strömungen wie dem Japonismus
offenbar, was die Orientierung an der internationalen Avantgarde in Paris veranschaulicht.
Die belgische Ausprägung des Impressionismus und Neoimpressionismus wird im zweiten Kapitel thematisiert. Es war vor allem die 1883 gegründete Künstlervereinigung Les Vingt, die beiden Strömungen in Belgien zum Durchbruch verhalf. Die belgischen Impressionisten verbanden die neuen Einflüsse mit regionalen Traditionen und blieben stärker realistischen Tendenzen treu. Werke von Henry Van de Velde oder Theo Van Rysselberghe veranschaulichen, wie die belgischen Maler die neue, von Georges Seurat geprägte pointillistische Technik auf etablierte Gattungen wie Porträt und Genre anwandten und so innovative künstlerische Formate entwickelten.
Zur selben Zeit spiegeln sich in der Kunst auch die gesellschaftspolitischen Spannungen in Belgien: 1886 fanden umfassende Streiks und Widerstandsaktionen belgischer Arbeiter statt. Nachdem bereits in den 1860er-Jahren von Gustave Courbet inspirierte Künstler wie Charles Degroux mit realistischen Darstellungen des städtischen Proletariats und ländlicher Armut erste Erfolge gefeiert hatten, verstärkte sich gegen Ende des Jahrhunderts noch einmal die künstlerische Auseinandersetzung mit der sozialen Frage. Einen zentralen Platz nehmen hier Meuniers Skulpturen und Gemälde von Minen- und Hafenarbeitern ein.
Der von Rationalismus und Materialismus geprägte Alltag, der dem Individuum wenig Freiräume ließ, verstärkte den Wunsch nach einem Rückzug aus der entfremdeten Wirklichkeit und einer Besinnung auf die innere Welt. Die Suche nach den Rätseln und Geheimnissen jenseits des Sichtbaren hatte vor allem in den Kreisen der Symbolisten Konjunktur. Die Ausstellung zeigt Arbeiten von beispielsweise Fernand Khnopff, Xavier Mellery und Leon Spilliaert, die sich unter anderem mit Seelenzuständen oder einer Verlebendigung der Dinge befassen. Ein eigener Raum ist dem Werk von James Ensor gewidmet. Seine Malerei ist nach frühen naturalistischen Interieurszenen zunehmend von fantastischen Elementen geprägt. Ensor ersetzte das Bildpersonal durch verlebendigte Masken und Skelette und präsentiert die Welt so als karnevaleske Farce.
Der Wunsch nach Authentizität sowie nach Spiritualität und einem Rückzug aus der materiellen Welt – Belgien war um die Jahrhundertwende die fünftgrößte Industrienation der Welt – trieb auch die Künstler an, die sich ab 1898 in dem bei Gent gelegenen Dorf Sint-Martens-Latem niederließen. Die erste Generation dieser in den beiden folgenden Kapiteln der Ausstellung vorgestellten Künstlerkolonie, zu deren Protagonisten beispielsweise George Minne zählte, war mit religiösen Themen und Rückbezügen auf die mittelalterliche Malerei der sogenannten
flämischen Primitiven stärker symbolistisch orientiert. Kurze Zeit später entwickelte sich SintMartens-Latem zu einer Keimzelle des Expressionismus: Werke von Künstlern wie Gustave De Smet, Frits Van den Berghe oder Constant Permeke zeichnen sich durch eine reduzierte,
vereinfachte Formensprache aus. Die monumentalen Bauern- und Fischerfiguren Permekes knüpfen an die künstlerische Nobilitierung der einfachen Arbeiter und der Landbevölkerung im 19. Jahrhundert an, während Van den Berghe sich nach dem Ersten Weltkrieg mit der Darstellung fantastischer Gestalten und Formen langsam dem Surrealismus zuwandte.
Ein eigenes Kapitel befasst sich mit Gemälden und Skulpturen von Rik Wouters. Seine Alltagsszenen und von Ensor inspirierten Interieurs weisen mitunter eine lockere, impressionistische Malweise auf, stehen in ihrer leuchtend bunten Farbigkeit aber auch den Fauves nahe. Wouters’ Bestreben, durch aufgelöste Oberflächen die Flüchtigkeit einzelner Momente wiederzugeben, zeigt sich gleichermaßen in seiner Malerei wie in seiner Bildhauerei.
Ein weiterer Raum widmet sich der abstrakten belgischen Avantgarde aus der Zeit des Ersten Weltkrieges, deren Kunst sozialen Zielen dienen und ein neu gestaltetes Leben in einer erneuerten Gesellschaft ermöglichen sollte. Hier setzten sich Künstler wie Jules Schmalzigaug oder Marthe Donas insbesondere mit dem italienischen Futurismus und dem französischen Kubismus auseinander.
Zum Schluss versammelt die Ausstellung surrealistische Werke von Paul Joostens, Paul Delvaux und René Magritte, die die Grenze zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, zwischen Realem und Fantastischem mit innovativen künstlerischen Techniken und Strategien (Collage, surreale
Objektkombinationen etc.) neu ausloten. Was die Symbolisten an Realitätserweiterung durch Traum und Fantasie vorbereitet hatten, führten die Surrealisten zur Sur-Realität zusammen, in der alle Grenzen aufgehoben waren, alle Kategorien und Begriffe neu und frei gedacht werden sollten.

Mit rund 350.000 Besuchern jährlich ist die Kunsthalle München eines der renommiertesten Ausstellungshäuser Deutschlands. Im Herzen der Münchner Innenstadt gelegen werden hier pro Jahr drei große Ausstellungen zu den unterschiedlichsten Themen gezeigt. Rund 1.200 m² Ausstellungsfläche sind mit modernster Museumstechnik ausgestattet und bieten Kunstwerken verschiedenster Gattungen eine würdige Plattform: ob Malerei, Skulptur, Grafik, Fotografie, Kunsthandwerk, Design oder Mode. Monografische Ausstellungen und thematische Projekte wechseln sich dabei ab, aber auch interdisziplinäre Ansätze finden im vielseitigen Programm der Kunsthalle München ihren Platz.

Eine Kooperation mit dem Königlichen Museum für Schöne Künste Antwerpen

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung
Theatinerstraße 8

80333 München

Abbildung:

James Ensor (1860–1949)
Die Intrige, 1890
91,5 × 150 cm, Öl auf Leinwand
Königliches Museum der schönen Künste Antwerpen
Sammlung KMSKA – Flämische Gemeinschaft (CC0), Foto: Hugo Maertens

"DAS WAGNIS DER ÖFFENTLICHKEIT" – HANNAH ARENDT & DAS 20. JAHRHUNDERT

Ausstellung Literaturhaus München

Vom 15. Oktober 2021 bis 24. April 2022

"Das 20. Jahrhundert ist ohne Hannah Arendt gar nicht zu verstehen."
Amos Elon, Journalist und Schriftsteller

Hannah Arendt, die politische Denkerin und Intellektuelle, scheute das Wagnis der Öffentlichkeit nicht. Sie äußerte sich über Antisemitismus, die Lage von Flüchtlingen, den Eichmann-Prozess, Zionismus, die »Rassentrennung« in den USA, Studentenproteste und Feminismus, prägte die Begriffe der »totalen Herrschaft« und der »Banalität des Bösen«. Nichts davon ist heute abgeschlossen.

Hannah Arendts politische und historische Urteile sind eigensinnig, oft strittig, immer anregend. Sie berief sich auf kein Programm, keine Partei, keine Tradition. Das macht die Einordnung ihres Denkens schwierig und zugleich interessant: War sie eine Linke? Eine Liberale? Eine Konservative?

Die Ausstellung folgt Arendts Stellungnahmen über das 20. Jahrhundert und beleuchtet ihre Kontroversen. Als zentrales Element führt eine Hörcollage durch Arendts Urteile und die daraus entstandenen Debatten, etwa zur Politik der »Rassentrennung« in den USA, zu ihrem Bericht über den Eichmann-Prozess und den internationalen Studentenprotesten der 1960er Jahre. Neben vielen Objekten – aus der Sammlung des Deutschen Historischen Museums, dem Deutschen Literaturarchiv in Marbach, der Österreichischen Nationalbibliothek in Wien und dem Jüdischen Museum in Frankfurt – werden historische Film- und Rundfunkaufnahmen mit Hannah Arendt gezeigt sowie zahlreiche aktuelle Filminterviews u.a. mit der Philosophin Ágnes Heller, mit dem Politiker Daniel Cohn-Bendit und der Kulturwissenschaftlerin Stefanie Lohaus.

Literaturhaus München

Salvatorplatz 1,

80333 München

Horst Antes zum 85. Geburtstag

Ausstellung vom 17. Oktober 2021 bis 22. Mai 2022

Franz Marc Museum Kochel am See

Horst Antes, 1936 geboren, mag die Studentenrevolten in Paris und Berlin, den gewaltsamen Protest der Jugend gegen die seit Ende des Faschismus nicht aufgelösten Widersprüche und Verschleierungen aus der Distanz betrachtet und nur passiv begleitet haben. Als Künstler reagierte er sehr eindeutig, mit der Wiedereinführung des Figürlichen in die seit Ende des Zweiten Weltkriegs durch die Abstraktion dominierte Malerei. Die Genese seines Kopffüßlers, zu Beginn der 60er Jahre, dieser markanten Profilfigur, deren Füße direkt am Kopf ansetzen, öffnete eine neue Perspektive. Das Ordnung schaffen, ins Zentrum stellen, ins Gleichgewicht bringen, wurde mit dem Wesenskern des Kopffüßlers verbunden.
Mit ihm schien der Mensch wieder zum zentralen Thema der Malerei zu werden.
Indem die Ausstellung zahlreiche Varianten des Kopffüßlers auftreten lässt, öffnet sie den Blick auf die technische Brillanz und den Erfindungsreichtum des Malers.
Neben Gemälden zeigt sie Arbeiten auf Papier, Collagen, Bücher und Skulpturen.

Franz Marc Museum – Kunst im 20. Jahrhundert
Franz Marc Park 8-10
82431 Kochel a. See

Abbildung:

Horst Antes, Interieur A 25, 1962
Franz Marc Museum, Stiftung Etta und Otto Stangl, ©VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Fabian Hesse & Mitra Wakil,

Crop. Algorithmic Rendering und offene Zukünfte

Ausstellung vom 23.Oktober 2021 bis 20 März 2021

Stadtmuseum München

Das Münchner Stadtmuseum zeigt erstmals Arbeiten des Künstler*innen-Duos Mitra Wakil und Fabian Hesse. Gemeinsam arbeiten sie an den Schnittstellen von bildender Kunst und neuen Technologien. Ausgehend von Datenbanken erschaffen sie digitale Visualiserungen, die sie in einem nächsten Schritt mit einem 3D-Drucker in reale Objekte verwandeln. Die Ausstellung zeigt sowohl die silbernen anthropomorphen Skulpturen aus Biokunststoff als auch die farbigen Renderings des Entstehungsprozesses.

In den letzten Jahren hat sich der Begriff "Post-Photography" etabliert, der digitale, virtuelle und hybride Formen des fotografischen Bildes der Gegenwart versammelt. Jüngste Softwareentwicklungen erlauben es, aus fotografischen Daten dreidimensionale Modelle zu generieren und verändern das Verhältnis von Bild und Wirklichkeit. In diesem Spannungsfeld von Fotografie, Software, Skulptur und Big Data ist die künstlerische Praxis von Hesse & Wakil zu verorten. Die Ausstellung lädt dazu ein, in die künstlerischen Gestaltungsräume eines technologischen und datenbasierten Skulpturbegriffs einzutauchen.

Der Ausstellungstitel "Crop", was zu Deutsch "Ernte" oder auch "zuschneiden" bedeutet, bezieht sich sowohl auf die Thematik als auch den Herstellungsprozess der Objekte: das Duo verwendet 3D-Scans von landwirtschaftlich genutzten Pflanzen wie Tabak oder Hirse, reorganisiert diese Daten und verbindet einzelne Elemente mithilfe von Algorithmen und digitaler Modellierung zu neuen virtuellen Gestalten. So entstehen phantastische Pflanzenwelten, die teils floral, teils menschenähnlich wirken. Ihre Blätter, Knollen und Früchte verschmelzen zu überraschenden Hybriden. Durch 3D-Druck überführen Hesse und Wakil diese abstrakten Daten in haptische Objekte. Sie zeigen in "Crop", welche Möglichkeiten Datenbanken für künstlerische Verwertung bieten.

Münchner Stadtmuseum

St.-Jakobs-Platz 1
80331 München

Abbildung:

Fabian Hesse & Mitra Wakil, Rendering,

VG Bild-Kunst Bonn 2021